sábado, 30 de mayo de 2026

Spider-Noir (TV Series 2026– )

Episodio 01. Step Into My Office ★★★½ [👍]

Este primer episodio lo vi en blanco y negro, y creo que así va ser con los demás aunque, me dan ganas de ver el siguiente episodio en color para comparar. Para el que es detallista en lo visual y no perderse de ningún detalle, a color sería su mejor opción. Ahora bien, esta estética de blanco y negro me resulto interesante, los objetos u organismos que se iluminan como la escena del hombre en llamas puede ser algo único de apreciar con esta estética.

Nos presentan al detective privado ‘Ben Reilly’ (Nicolas Cage) como un antiguo superhéroe convertido en detective aficionado con dificultades económicas que simplemente intenta ganarse la vida en la gran ciudad, que aún se está recuperando de la Gran Depresión y de las maquinaciones del capo del crimen ‘Silvermane’ (Brendan Gleeson).

La serie comienza con dos casos para Ben: uno en el que investiga a la cantante ‘Cat Hardy’ (Li Jun Li), aunque su verdadera identidad y motivos se ocultan, y otro que involucra a un villano con poderes de fuego, otro investigador privado y el interés de Silvermane en individuos con súper poderes. Al final del episodio, Ben estará en el punto de mira de Silvermane, lo que le sugiere que, le guste o no, sus días negándose a ser Spider-Man están llegando a su fin.

Este primer episodio pone las cosas en marcha, preparando el mundo y a un héroe en busca de redención. Aunque el episodio no me haya impresionado del todo ya que el ritmo puede resultar convencional, con clichés de superhéroes; pero hay suficiente interés como para que me den ganas de seguir explorando. Lo que si me da un poquito de mala espina es haber lanzado toda la temporada de golpe ya que pierde ese nivel de intriga o suspenso verla de manera semanal, pero ya veremos.

Open Water (2003)

Mar abierto -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Esta película va dirigida especialmente para aquellas personas experimentadas o interesadas en el buceo submarino, que han tenido un miedo irracional a quedarse solo en medio del océano, sin ninguna esperanza de ser rescatado.

Basada libremente en la historia real de Tom y Eileen Lonergan, Disappearance of Tom and Eileen Lonergan, una historia trágica y con la sensación de un misterio incomodo que te dejara preguntando que habrá sucedido en los últimos momentos de esa pareja.  Open Water se imagina esa situación con todo su realismo, incomodidad y suspenso, que para mí resulta efectivo. Y lo meritorio es que se hizo con un bajo presupuesto.

Una pareja estadounidense está de vacaciones en las Bahamas. Un día deciden ir a bucear, así que se unen a una excursión con otras 18 personas. En algún momento de la inmersión, el capitán del barco se equivoca al contar cuántas personas se sumergieron. Cuando 18 personas salen a la superficie, las sube a bordo y regresa a la costa. Mientras tanto, se olvida de que dos personas siguen bajo el agua.

Me gustó principalmente por la intriga y el suspenso que te brinda. Es inquietante, deprimente y logra ser genuinamente aterradora especialmente para aquellos que ya tienen experiencia en el buceo, porque es una situación realista que podría ocurrirle a cualquiera (y de hecho ha ocurrido), mientras luchan contra la deshidratación, el hambre y las inclemencias del tiempo, la situación empeora rápidamente, ya que pronto empiezan a aparecer los tiburones.

Da miedo pensar que los Lonergan (de quienes nunca más se supo) vivieron esto en la vida real, y solo pensarlo te incomoda, ya que es una experiencia horrible y aterradora en general. Si bien quizás nunca sepamos qué les sucedió a las personas en las que se basa la película, podemos suponer que vivieron algunas de las mismas cosas que les suceden a los personajes de esta película.

Ambos protagonistas hacen un trabajo eficiente, y el hecho de que se metieran en el agua con tiburones de verdad demuestra su gran compromiso con la película. Como resultado uno se encariña con ambos personajes y desea que sobrevivan.

La dirección también es buena, ya que te pone como testigo a nivel del mar por que fue filmado completamente a nivel del agua, prácticamente sentimos las olas en nuestra cara. Solo estás tú y estas dos personas indefensas en medio de la nada, solo con sonido ambiental y sin efectos especiales. Simplemente estás sentado ahí esperando a que estas personas sean devoradas por tiburones.

Conforme la película transcurre tiene un tono cada vez más pesimista, y eso se ven tanto en los diálogos como en el aspecto físico de los protagonistas. Les hará replantearse la idea de bucear en aguas profundas, y encima que hace poco hubo un caso de cinco buceadores italianos que murieron el 15 de mayo de 2026 tras adentrarse en una red de cuevas submarinas en el atolón de Vaau (Maldivas), aunque claro, son contextos diferentes pero te puedes dar una idea de lo complejo y arriesgado que puede ser bucear.

Ya para terminar, son de esas tantas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, al margen de tu opinión. Puede que ni siquiera te parezca tan aterradora cuando la ves, pero quizás cuando tengas tu primera experiencia buceando o haciendo ‘snorkel’ en el océano, quizás la recuerdes y vas a estar atento a todos los detalles para que no te olviden XD.

Director: Chris Kentis

Tesis (1996)

★★★½ [👍]

La película está más interesada en lo oculto que en lo visible y eso lo podemos apreciar en su escena introductoria. En manos de otro director y con más presupuesto seguramente, esta película habría sido estridente, sangrienta e inquietante. Bajo la dirección de Amenábar, Tesis es sutil, contenida, y aun así, perturbadora en cierto sentido.

La historia, que gira en torno a la violencia audiovisual, fue una idea original y gracias a su ejecución para la época noventera fue quizás revolucionaria; aunque algunas escenas tal vez hoy en día han envejecido. Lo cierto es que su premisa es interesante y su ejecución a pesar de sus límites presupuestales está bien hecha para su época.

Las películas "Snuff", se trata de una leyenda urbana bien extendida relacionada con el cine: vídeo grabado en secreto por psicópatas para venderlo en el mercado negro, prometiendo a espectadores la oportunidad de ver la muerte real en pantalla.

La película sugiere que la gente es en gran medida hipócrita respecto a su relación con la violencia en pantalla, condenándola frecuentemente mientras al mismo tiempo se siente fascinada por ella. Cuando Ángela ve la película por primera vez, a pesar de ser el tema de su tesis, la "ve" inicialmente con el contraste del televisor bajo, incapaz de ver la tortura y el asesinato de la víctima, escuchando horrorizada sus gritos de agonía. Solo la ve más tarde, literalmente entre los dedos por momentos, después de que Chema le haya descrito parte de su contenido, advirtiéndole que no se dé la vuelta y mire la pantalla, pero ella lo hace de todos modos. No puede evitarlo. Y sugiere la película, nosotros tampoco. Puede que nos horrorice la idea de la violencia, pero lo más probable es que no apartemos la mirada.

Ángela, interpretada de buena manera por ‘Ana Torrent’, emerge como un personaje complejo, cuya relación con el sujeto de su obra cambia constantemente a lo largo de la película, llegando incluso a cegarse ante la identidad del asesino debido a la atracción que siente por él.

El director se esfuerza por mantener el suspenso a lo largo de toda la película por lo que te mantiene entretenido en sus dos horas, al menos para mí. En general, es una película sorprendentemente bien realizada para lo que fue en esencia, fue un proyecto estudiantil universitario, realizada con un presupuesto modesto. Pero claro, también depende de que tanto lo considere el público de hoy, ¿Qué tanto ha envejecido? 

El estilo visual de la película es interesante, con ingeniosas técnicas de perspectiva y un uso de suspenso de la luz y las sombras, logrando crear una atmósfera algo tensa y psicológica a lo largo de toda la película; sin duda tiene buen ojo para lo visual.

Aunque la película nunca se adentra demasiado en un análisis social profundo. Pero el guion funciona bien a su manera. 

Más allá de la buena dirección de la película, las interpretaciones no me impactaron tanto que digamos a excepción de la protagonista. Chema, por supuesto, a pesar de ser francamente desagradable a veces, puede ser el más interesante. Con sus diálogos cómicos y un puñado de frases ingeniosas. Por otro lado, Bosco no me llamó mucho la atención. Le faltaba su lado más sádico, y su forma de seducir era demasiado simple, incluso cursi, pero lo compensa con su atractivo físico.

Finalmente, debo decir que es una película entretenida, que vale la pena ver, tiene muchos aspectos positivos y otros negativos, pero en general la recomiendo, en especial para aquellos jóvenes veinteañeros que quieren adentrarse en el mundo cinematográfico.

Director: Alejandro Amenábar

Ren & Stimpy ''Adult Party Cartoon'': Episodio 02

Ren Seeks Help ★★★½ [👍]

Cartoon para adultos, eso es lo que te promete y eso es lo que te da, me gustó.

Es probablemente  uno de los episodios más interesantes y perturbadores de la serie, o mejor dicho de esta temporada. Concebido como una comedia negra terapéutica, el episodio abandona casi por completo el encanto frenético y absurdo de la serie clásica para transformarse en algo mucho más oscuro: un relato de horror psicológico sobre la mente de Ren. Aquí ya no se trata solamente de humor grotesco o escatológico, sino de explorar la crueldad emocional, el sadismo y la violencia animal desde una perspectiva incómodamente enfermiza. Como lo es John Kricfalusi XD.

Lo más interesante es que termina siendo la historia más coherente y centrada en la psicología de los protagonistas. El episodio funciona como un estudio de personaje genuinamente inquietante sobre Ren, mostrándolo no solo como un personaje explosivo y neurótico, sino prácticamente como un sociópata incapaz de controlar sus impulsos destructivos. La terapia con el Sr. Caballo sirve como excusa para entrar en su mente y descubrir el origen de su comportamiento abusivo. Y también vemos quienes fueron sus excéntricos y conservadores padres.

Además el episodio tiene una atmósfera extrañamente opresiva. Hay momentos donde el humor desaparece por completo y lo que queda es incomodidad pura. Esa sensación de estar viendo algo “incorrecto” o demasiado cruel le da una identidad muy distinta. También destaca el simbolismo visual y los pequeños detalles de fondo. Los gags oscuros y los presagios hacen que el episodio se sienta más elaborado de lo que parece. Un ejemplo es Ren usando un disfraz de Mickey Mouse mientras atormenta a sus víctimas, una imagen que mezcla inocencia infantil con comportamiento monstruoso, reforzando la idea de que el episodio destruye deliberadamente cualquier límite caricaturesco tradicional.

Creo que lo que hace tan divisivo este capítulo es precisamente lo que lo vuelve fascinante: abandona totalmente los límites aptos para niños y presenta una visión completamente desinhibida, retorcida y nihilista de sus creadores. Es un experimento audaz de terror psicológico dentro de una caricatura absurda.

Aunque no alcanza el equilibrio perfecto entre humor y oscuridad, sigue siendo un episodio memorable, agresivo y mentalmente perturbador al estilo de la serie.

Posdata: Que divertido fue cuando Stimpy le recrimina a Ren: “¡No lo hagas por mí, hazlo por tiiiiii!”. XD.

Ren & Stimpy ''Adult Party Cartoon'' (TV Series 2003)

Episodio 01. Onward & Upward

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] ESENCIAL

Asquerosamente divertido y algo cruel. Un tributo a los fluidos corporales que nos causan repugnancia, fue este episodio, y me encantó lo grotesco y repulsivo que puede ser.

Este episodio lleva al extremo algo que ya estaba presente en la serie original: el humor basado en lo desagradable, lo enfermizo y la degradación física. Simplemente elimina los límites de la televisión noventera y se entrega por completo al asco como forma artística y cómica. Eso me encanto de este episodio XD.

Lo grotesco es el punto central del episodio porque es la identidad de la serie. Ejecuta una exageración deliberada del humor escatológico, ya que todo el episodio gira alrededor de fluidos corporales, suciedad y decadencia humana como si fueran un ecosistema absurdo. Esa obsesión enfermiza es precisamente lo que le da identidad, y quien lo podría haber hecho mejor que el enfermizo de John Kricfalusi su creador.

Mucha gente critica este episodio porque es más extrema, pero si uno mira la serie original, ya existían primeros planos grotescos, saliva, mocos, dientes podridos, pus y humillación física. “Adult Party Cartoon” no cambia la esencia, simplemente quita el filtro infantil y amplifica lo que siempre estuvo ahí. Digamos que es una evolución lógica del Ren & Stimpy clásico.

La idea de que Ren y Stimpy encuentren “lujo” viviendo en una escupidera y alimentándose de fluidos es tan ridículamente miserable que se vuelve absurda. Es humor negro llevado al nivel del surrealismo: transformar algo repulsivo en una fantasía de éxito y comodidad. El episodio quiere provocar rechazo y risa al mismo tiempo. Esa mezcla de “esto es horrible” y “no puedo dejar de mirar” es exactamente el efecto que busca. Muchas obras de humor extremo funcionan así.

Para mí el formato más largo le beneficia, ya que al no dividirse en segmentos cortos, el episodio puede desarrollar lentamente la decadencia del ambiente y hacer que la incomodidad crezca. Se siente más como una pesadilla grotesca continua que como sketches rápidos. Me parece que parte de la mala recepción viene de que muchos esperaban nostalgia ligera de los 90s, y en cambio recibieron una versión mucho más agresiva, enfermiza y “adulta”. Pero justamente por eso, algunos como yo, la consideran interesante, porque se arriesga y no juega a lo seguro.

Así que esta es mi defensa bien determinada y convencida de este primer episodio. Digan lo que digan malditos fanboys o fandom de R&S. XD. Eso sí, se me hizo difícil de calificarla con estrellas porque hay obras que te impactan, te divierten y te repelen (en el buen sentido) al mismo tiempo, haciendo difícil evaluarlas con una nota convencional, pero la recomiendo ampliamente.

Posdata: También veo como una especie de crítica a esa aristocracia que con tal de mantener su status son capaces de comer mierda. XD.

Invincible: Episodio 3x08 (Final de Temporada)

I Thought You'd Never Shut Up

★★★★ ✂ ESENCIAL

Tras la presentación del guerrero viltrumita ‘Conquest’ al final del último episodio, quedó claro que Mark tendría que enfrentarse a él en este final. Gran parte del episodio se centró en la pelea, y vuelvo a mencionar aunque sea reiterativo, tiene una fuerte influencia del anime Shonen con toda su sangre y desgarradora intensidad, y esta genial. Con este combate pudimos comprobar cuánto ha mejorado Mark a lo largo de la serie, cada vez se está volviendo más poderoso.

Hubo momentos que recordaron la pelea de la primera temporada contra Omni-Man. Una escena en particular cuando Mark golpeó a Conquest contra el suelo, y me recordó cuando Omni-Man le hizo lo mismo a Mark. Esto demuestra cuánto ha practicado Mark sus habilidades y cómo ha aprendido de los errores del pasado.

Sin embargo, no luchó solo. Otros miembros de la GDA, amigos y familiares intentaron ayudar. Debbie sabía que Oliver tenía que salir a luchar. Mark no podía hacerlo solo, pero eso no significaba que ella no se preocupara por sus hijos.

Oliver no tiene ninguna posibilidad contra Conquest, pero se esfuerza al máximo. Por suerte, estará bien. Cecil logra entregarle la GDA justo a tiempo para sacarlo de la pelea y atenderlo en el hospital secreto de superhéroes. Además, ver a Oliver en tantos apuros le dio a Mark un empujón extra.

Los secretos de Eve salen a la luz y ofrecen pistas sobre lo que podría suceder en el futuro. Eve despierta del coma y descubre lo que está sucediendo. No pierde el tiempo y se ofrece a ayudar, demostrando que siempre antepondrá la Tierra y Mark a sí misma. Claro que, al principio, sus poderes no son rival para los de Conquest. Solo cuando le queda un agujero en el cuerpo y una mandíbula destrozada logra encontrar la fuerza para contraatacar.

Resulta que a Eva le implantaron bloqueos mentales durante su gestación. Estos bloqueos le impiden desarrollar todo su potencial hasta que se acerca a la muerte. Ya había ocurrido antes, y ahora ha vuelto a suceder. Cuando está cerca de morir, puede transformarse en una especie de ser celestial, y sus bloqueos mentales desaparecen temporalmente, otorgándole la capacidad de reconstruir materia orgánica consciente como órganos vitales o partes del cerebro.

No puedo evitar preguntarme si esta es una trama para la cuarta temporada de Invincible y las siguientes. ¿Existe la posibilidad de que ella y Mark decidan que sería beneficioso para Eve encontrar una manera de eliminar los bloqueos mentales? Implementarlos al principio tendría sentido, pero no cuando hay más amenazas de otros planetas. Conquest no será el último viltrumita en llegar a la Tierra, así que los superhéroes necesitarán todas las habilidades que puedan obtener.

Después de que Mark casi lograra matar a Conquest, Cecil y el resto de la GDA intervienen. Tienen a Conquest encerrado y usarán su cuerpo para encontrar una manera de detener a los viltrumitas en el futuro. Cecil sabe que la Tierra corre un gran riesgo sin algún tipo de experimento.

Con los ataques a la Tierra y a sus seres queridos, Mark se da cuenta de que no siempre puede salvar vidas. Algunas amenazas tendrán que morir. Agregándole quizás una capa más realista, a pesar de toda la tecnología y los superhéroes.

En un momento de la pelea, esperaba que Omni-Man y Allen el Alien aparecieran de repente. Los vimos escapar de la prisión Viltrumita, y supuse que regresarían a la Tierra. Hubiera sido interesante quizás ver a Omni-Man ayudar a Mark y verlos luchar en equipo.

Al final del episodio, vemos una nave alienígena encontrarse con una ‘Battle Beast’ congelada en medio del espacio. La suben a bordo y queda claro que ‘Bestia de Batalla’ sigue siendo una amenaza potencial (o un aliado, según de qué lado esté).

Al parecer tenemos la confirmación oficial de que Rex definitivamente ha muerto. Le hicieron un muy sentimental funeral, justo lo que merecía tras su sacrificio. Sin embargo, no puedo evitar pensar que su pérdida tendrá consecuencias negativas para Rae. ¿Buscará venganza u honrará el sacrificio supremo de Rex?

El final de la tercera temporada plantea algunas amenazas crecientes que Mark, Eve y la GDA deberán afrontar para la cuarta temporada. Me intrigan los parásitos marcianos que se adhieren a personas y animales en las alcantarillas aunque sigo pensando que es la sub-trama más débil de la serie pero ya veremos cómo lo desarrollan, y las criaturas que ayudaron a Angstrom Levy a curarse que claramente tienen en mente la dominación del universo. Son bastantes sub-tramas y lo mejor que ha hecho la serie es entrelazarlo de manera muy innovadora, para mí eso es su gran mérito por que ocurren prácticamente en simultaneo con la trama principal, solo esperemos que no se saturen.

Apareció uno de mis personajes favoritos de la serie, ‘Dark Blood’, cuando estaba en su faceta de detective, ahora tiene una apariencia diferente desde el infierno. Me gusto que apareciera, ojalá que tenga buenas escenas más adelante.


A-

Invincible: Episodio 3x07

What Have I Done? ★★★★

Ese cliché de la serie donde ‘Inmortal’ es decapitado y los seres queridos mujeres de Mark son mutiladas en una de sus extremidades, son peculiares y ya prácticamente es el sello de la serie XD.

Al final del episodio anterior supimos que Angstrom Levy seguía vivo. Nos muestran cómo sobrevivió. No fue fácil y requirió mucho esfuerzo, pero logró llegar hasta quienes pudieron reconstruirlo después de que Invincible lo dejara hecho papilla de carne y huesos literalmente. Después de eso, reunió a otras versiones de Invincible de todo el multiverso para que lo ayudaran en su misión de venganza contra Mark.

Esto crea un problema que parece confirmar que Powerplex tenía razón: Invincible es malvado. Al menos, todos los Invincibles que atacan la Tierra son, sin duda, malvados. Mark se esfuerza al máximo por derrotarlos a todos, pero sus posibilidades son limitadas, y el hecho de que sus seres queridos resulten heridos no ayuda en nada.

A pesar de haber presentado a Cecil como un villano al principio de la temporada, Invincible nos recuerda que Cecil solo intenta proteger la Tierra. Si eso significa que tiene que eliminar a Mark porque es peligroso, que así sea. Sin embargo, Cecil también sabe que el Invincible de este mundo no es el problema.

Vemos a Cecil desplegar a varios superhéroes de la GDA para derrotar a los distintos Invincibles. Sin embargo, no es tarea fácil. Ni siquiera el ‘Inmortal’ tiene alguna contra ellos.

Nadie está dispuesto a creer que el Invincible de este mundo haya hecho algo malo. Esto demuestra todo lo que el mundo sabe sobre su versión del Invencible. Es la razón por la que nadie quiso escuchar a Powerplex cuando dijo que el Invincible era el villano. El Mark de este mundo es un buen hombre y quiere salvar a tantas personas como sea posible.


El sacrificio de Rex llega demasiado pronto. Era evidente que algunos personajes tendrían que sacrificarse. Rex, quien se inmola para eliminar a uno de los Invincibles, un sacrificio quizás necesario pero triste para los que se habían encariñado con él. Es un momento impactante, ya que lo hace solo. No busca reconocimiento, lo que demuestra lo mucho que ha evolucionado desde el primer momento que lo vimos.

Cuando Eve resulta gravemente herida, Mark la lleva de vuelta a la GDA para que reciba tratamiento médico. Decide quedarse con ella. Ha dejado de luchar por la Tierra, demostrando que, haga lo que haga, es inútil. Siempre habrá alienígenas atacando y siempre habrá un villano contra quien luchar. Esto no cesa y significa que cada vez mueren más personas inocentes. Es una respuesta tan humana ante la situación. ¿Cuántas veces pensamos que algo es inútil porque cada vez hay más maldad?

Sin embargo, Mark vuelve a la lucha cuando descubre quién está detrás de todas sus versiones. Se entera de que Angstrom Levy sigue vivo y atacando la Tierra. En otro momento de humanidad, Mark busca venganza y se dispone a conseguirla. Vemos cómo Mark ha aprendido de sus errores. Al final de la segunda temporada, caería a través de los portales de Angstrom durante una pelea, pero eso no sucede en este episodio. Ver a un personaje crecer y aprender de sus errores es una de las mejores cosas que puede ofrecer la serie. Invincible sigue sin decepcionar en este aspecto.

Sin embargo, a pesar de su sed de venganza, Mark aún no quiere matar a Angstrom. Es esta debilidad la que le da a Angstrom la oportunidad de escapar, aunque no sin perder uno de sus brazos. Angstrom se encuentra entre la espada y la pared. Su negativa a cumplir con lo prometido a los Técnicos —los cirujanos que lo operaron la última vez que Mark lo golpeó— provoca que estos le den la vuelta a la situación y le nieguen el tratamiento hasta que les jure lealtad.

Es un recordatorio del precio de la vida como tirano. Solo puedes salirte con la tuya por un tiempo limitado. Tarde o temprano, la gente se da cuenta de quién eres. Una vez que se dan cuenta y empiezan a alejarse, te quedas sin nada. En el caso de Angstrom, se queda como esclavo de los Técnicos.

Pero esto no es el final de Angstrom, y Cecil lo sabe. Sin embargo, lo primero es la limpieza. Esto no cambia nada entre Cecil e Invincible; la enemistad persiste, pero por ahora colaborarán en la limpieza.

El episodio termina con algunos momentos de introspección para Mark. Powerplex tiene otra oportunidad para recordarles a Mark y a los demás que Invincible fue el causante de todo esto. Es algo con lo que Mark tendrá que vivir. ¿Qué sigue? Bueno, con tanta pérdida, solo hay una opción: Cecil le pide a Mark que lidere a los Guardianes del Globo. Lamentablemente para el mundo, él se niega.

Después de cómo empezó esta temporada, me gusta que Cecil reconozca que Mark es el bueno en todo esto. Después de todo, habría sido fácil para Cecil tenderle otra trampa a Mark y matarlo, pero Cecil nunca fue el malo. Simplemente buscaba la mejor manera de manejar una situación difícil.

Al final, la Tierra corre más peligro que nunca. El mundo está vulnerable a la toma del poder por parte de los Viltrumitas, y la historia culmina con la aparición de un personaje llamado ‘Conquest’. Mark está tan furioso por toda la situación reciente que solo desea desahogarse con algo duro, y Conquest es ese algo. Esto sin duda nos lleva a lo que promete ser un final de un combate épico.

Invincible: Episodio 3x06

All I Can Say Is I'm Sorry ★★★½

En lugar de centrarse en amenazas alienígenas que ponen en peligro el mundo, el episodio aborda las profundas consecuencias personales de la catastrófica batalla entre Mark y Omni-Man en Chicago, ocurrida en la primera temporada.

Lo particularmente interesante es la forma en que Invincible aborda temas cotidianos e intenta añadir realismo al género de superhéroes. Aquí vemos el origen de un supervillano en Scott, quien se convierte en Powerplex y busca justicia contra Mark por el asesinato de su hermana y su sobrina. Esta es una motivación bastante poderosa, y al final del episodio, cuando vemos a Powerplex perder el control y matar a su esposa e hijo, se refuerza la idea de que estos poderes pueden ser extremadamente peligrosos si no se manejan correctamente. 

La serie mantiene su equilibrio entre humor y realismo, ofreciendo una reflexión profunda sobre cómo una persona común con poderes mínimos puede convertirse en villano, reflejando el propio viaje de Mark. Este episodio ofrece una visión profunda de la compleja dinámica entre héroes y villanos, añadiendo una dimensión moral al arco argumental de Mark. La tensión emocional es máxima, y con la sombra del ejército de Angstrom Levy acechando, todo está listo para una confrontación épica.

Ver el episodio desde la perspectiva de Scott aporta dos grandes beneficios a la serie. En primer lugar, ofrece una historia conmovedora e impactante que resulta imposible ignorar. No solo evoca uno de los momentos más trágicos de la serie, sino que nos obliga a imaginar la devastación de la vida como civil. Cuestiona cómo se puede responsabilizar a los "héroes" cuando sus acciones destruyen vidas inocentes.

La idea de que el pasado atormenta a Mark se insinúa a lo largo del episodio. Todo comienza con Oliver luchando contra ‘The Elephant’ y las preguntas que rodean a su padre. Recuerda la batalla contra él que dejó miles de muertos. Incluso intenta conectar con Paul y el novio de Amber, buscando nuevas salidas de la vida que Mark ha llevado. Sin embargo, todo es imposible, y Mark debe enfrentarse a ciertos aspectos de su pasado, aunque intente evitarlos. Y esto sumado al clímax trágico del episodio, el intento de Mark de disculparse y proteger a la familia de Scott culmina en una tragedia explosiva, dejando a Mark con la culpa de haber tenido que someter a Scott y arrestarlo.

Esto nos lleva a la revelación final: Mark va a luchar literalmente contra sí mismo. Las distintas versiones de Mark tal vez no sean tan poderosas como nuestro Invincible, pero bajo la tutela de Angstrom Levy, podrían funcionar bien en equipo. La violencia que podrían infligir al mundo y a los amigos de Mark sería devastadora.

Invincible: Episodio 3x05

This Was Supposed to Be Easy ★★★½

Otro entretenido episodio que nos muestra la realidad del crimen en las calles. Si bien los grandes episodios de alienígenas y villanos viltrumitas, los personajes secundarios siguen brillando a su estilo donde la serie logra un buen equilibrio entre sus tramas secundarias y principales

Hemos tenido pequeños repasos a lo largo de esta temporada comenzando cuando Multi-Paul, el hermano de Dupli-Kate, fue arrestado, pero este es el episodio que realmente lo trae todo a la memoria, incluyendo cómo Titan tomó el control de la ciudad en lugar de Machine Head. Ahora, está siendo presionado por el superior de Machine Head, el Sr. Liu, y decide que no va a seguirle el juego y quiere salir de la vida que se ha creado, lo que finalmente termina con Machine Head recuperando su poder, aparte de que Titán sigue manteniendo el control sobre la ciudad que ayudó a construir desde que estaba al mando. Y mientras tanto Mark y Eve están explorando nuevas líneas de trabajo, posiblemente consiguiendo un apartamento, evaluando su relación actual y cuidando de Oliver mientras sigue creciendo a un ritmo asombroso. 

Más allá de los personajes secundarios, los protagonistas tienen una historia entretenida en cuanto a la actividad familiar. La revelación de que Oliver se escapa para patinar con sus amigos es divertida, al igual que la relación entre Mark y Eve. También se reveló la historia de Multi-Paul y Dupli-Kate, con la escena final del episodio dejando entrever más de ellos, estoy deseando ver cómo Invincible seguirá gestionando su extenso reparto con la misma eficacia con la que ya lo hace. Multi-Paul intentando salir de prisión con su habilidad fue brutal al comienzo del episodio.


La serie sigue explorando el concepto de moralidad. Solo que a través de otros personajes, tal como lo hizo el futuro Rey Inmortal del anterior episodio, esta vez fue Titán quien le planteó la cuestión de la moralidad a Mark, quien deseaba enviarlo a prisión tras convertirse en un jefe del crimen en Chicago. Sin embargo, Titan le muestra a Mark el distrito que ahora controla, demostrándole cuánto ha mejorado la calidad de vida bajo el mandato de un "señor del crimen" que no comete delitos, sino que reinvierte su riqueza y poder en la comunidad. Esto contrasta drásticamente con otros criminales como Machine Head y el Sr. Liu, quienes representan el lado oscuro del submundo de Invincible a través de la misteriosa Orden. Mostrarle a Mark cómo alguien que alguna vez fue considerado un criminal puede mejorar la vida de la gente es propio de Titan, y plantea nuevas dudas sobre las decisiones previas de Mark con Cecil y la GDA (La Agencia de Defensa Global).

Todo el desarrollo de los personajes y la ambigüedad moral culminan en una escena de lucha. Esta escena no solo demostró la fortaleza que Mark y Eve han alcanzado como superhéroes, sino también como pareja. El dúo enfrentándose a la forma de dragón del Sr. Liu mientras intentaban contener a prisioneros como Multi-Paul fue divertido y dinámico, lo que permitió una fantástica demostración de los poderes de Eve y la fuerza, resistencia y velocidad de Mark.

Al mismo tiempo, los ataques combinados de Mark y Eve resaltaron su química como compañeros. Si bien la escena de lucha no resultó tan impactante como la fuga de la prisión del episodio anterior, debido a las menores consecuencias narrativas, aun así destacó y demostró la calidad de la serie. Esto culminó en un adelanto del futuro del Sr. Liu, junto con el inminente regreso de Angstrom Levy y la amenaza viltrumita a la Tierra.

martes, 26 de mayo de 2026

Lee Cronin's The Mummy (2026)

La posesión de la momia ★★★

Lo mejor que ofrece la película es lo grotesco, y eso está genial, sin pretensiones y siendo directo, ya por lo demás aspectos se puede debatir pero eso es su eje principal, la repulsión.

Antes de que empiece la trama principal, hay un prólogo que involucra a una familia egipcia con un secreto que establece el tono sórdido de la película, antes de dar paso a los Cannon, una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie (Jack Reynor), es corresponsal de noticias de televisión. La pequeña hija Katie (Emily Mitchell) es secuestrada, y Charlie persigue en vano al secuestrador por calles azotadas por la tormenta de arena. Ocho años después, Charlie, su esposa Larissa (Laia Costa), su hijo adolescente Sebastián (Shylo Molina) y su nueva hija pequeña, Maud (Billie Roy), viven en Albuquerque cuando se enteran de que Katie, desaparecida hacía mucho tiempo, ha sido encontrada. Fue descubierta dentro de un sarcófago entre los restos de un accidente aéreo, un suceso que Cronin presenta de una manera sutilmente inquietante.

La singular visión de Cronin no es apta para personas sensibles. Su película es un espectáculo de terror y horror que busca un gore grotesco. Se inspira en el estilo de Evil Dead, pero con un inquietante elemento de misterio y un fuerte componente familiar. En esencia, es una película de terror genuinamente perturbadora que se te mete bajo la piel. Y lo que es aún más sorprendente, te genera tensión y al mismo tiempo te hace soltar algunas carcajadas, y eso está genial.

Una vez que Cronin tiene todo listo, intensifica su visión claramente perturbadora. No muestra interés en ir a lo seguro ni en complacer ciertas expectativas. En cambio, toma inspiración y teje su propia visión perversa que funciona a la vez como un horror de puro entretenimiento emocionante. Te estremecerás y según sea tu perspectiva te divertirás cuando lleve el horror al extremo, pues Cronin se divierte en hacerlo.

Es una película que deleita a la vez que repugna, lo que sin duda gustará a ciertos aficionados al terror. No es la historia más plausible, pero es difícil detenerse en eso cuando la película se entrega conscientemente a terrenos tan descabellados. El reparto entregado, el maquillaje y los efectos especiales impactantes, la fotografía y el diseño de sonido son efectivos en su contexto de horror y terror. La momia de esta película es un demonio como en ‘El Exorcista’, pero que lleva vendas egipcias. También hay algunas escenas grabadas en VHS para completar la historia, algo que muchas películas de terror especialmente en esta década lo han usado como recurso, ya que saben muy que el terror analógico gracias a internet tiene una popularidad considerable.

La joven actriz ‘Natalie Grace’ se entrega por completo al papel de Katie en su versión ocho años después, transmitiendo eficazmente su tormento interno, y el maquillaje despliega un arsenal completo de prótesis y efectos sangrientos bien logrados.

Una película que vale la pena ver. Tiene escenas de terror corporal muy buenas y una tensión, no tan lograda como otras, pero bien hecha a su estilo. Las críticas sobre los personajes unidimensionales son justas, pero el elemento de terror lo compensó, en mi opinión. Como una película de terror puede ser perfectamente disfrutable.

Posdata: Que guapa es la actriz May Calamawy.

Director: Lee Cronin

The Night House (2020)

La casa oscura ★★★

¿Qué puede hacer una mujer cuando su marido se suicida y luego empieza a descubrir extraños secretos mientras intenta seguir adelante? Pues seguir adelante sin importar si hay una entidad sobrenatural :).

Si te gustan las historias de fantasmas un poco más complejas y sofisticadas, entonces este misterio que se va desentrañando podría ser justo lo que buscas. Beth (Hall) acaba de perder a su esposo en un trágico suicidio y ahora debe seguir viviendo su vida en su casa de lago, construida por ellos mismos de una manera inusual, con ventanales de cristal que llegan hasta el techo y tablas de madera que crujen. Es una puesta en escena que toda historia de fantasmas debería hacer: hacer que el público mire más allá del actor para ver si alguien se esconde al fondo.

La Casa de la Noche  utiliza prácticamente todos los recursos a su alcance para aumentar la tensión, crear una atmósfera ominosa y construir una película angustiosa. Las ideas de laberintos y la dualidad impregnan la película. Colocan encuadres dentro de otros encuadres, utilizan espejos y superficies reflectantes para desorientar, y juegan con las peculiaridades arquitectónicas de la casa y los espacios negativos para escenificar ilusiones ópticas. Todo esto subraya las capas y la multiplicidad, así como el deterioro mental de Beth.

Rebecca Hall realiza un buen trabajo en esta película, retratando las complejas emociones que se experimentan tras la muerte de un ser querido. Con una atmósfera intensa, la película te sumerge en un suspenso. Me mantuvo pegado y entretenido aunque esperaba una ejecución un poco mejor pero está bien.

Ya hemos visto esto muchas veces y siempre es difícil ir más allá de los clichés típicos del cine de terror moderno. Tenemos algunos sustos repentinos y estridentes, presagios inquietantes, el inevitable cuestionamiento de la realidad, pesadillas que aluden a algo que ha sucedido o está sucediendo en la vida real. La película se limita a recordarnos constantemente que se trata de una historia de fantasmas, pero es cuando, poco a poco, va desvelando las capas tras los inquietantes secretos que Beth descubre sobre su difunto esposo, que la historia cobra verdadera vida propia.

Hay momentos realmente tensos y una secuencia en el baño con un espejo roto que es escalofriante. Es un guion lleno de conceptos ambiciosos que no todos llegan a su conclusión. Coquetea con lo oculto. Juega con la noción de lo siniestro. El giro final podría haber tenido más impacto si la revelación se hubiera insinuado antes en la película en lugar de (lo que pareció) una simple conversación intrascendente. Aun así, funciona bien como metáfora de los pensamientos suicidas tras un evento traumático. Nunca sabemos con certeza qué es real y qué es alucinación, y ahí reside la magia. El marido de Beth se suicidó atormentado por una entidad llamada Nada, y ahora Beth misma no siente "nada".

Director: David Bruckner

Mimic (1997) Director's Cut

★★★

Mimic narra la historia de una ciudad de Nueva York asolada por una epidemia que está matando a cientos de niños. Los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) rastrean la causa de la enfermedad hasta las cucarachas en las alcantarillas y se unen a un científico para erradicarlas mediante la introducción de un híbrido genético conocido como "La Raza Judas", cuyas secreciones acabarán con la población de cucarachas existente. Tres años después, la enfermedad prácticamente ha desaparecido, pero misteriosas personas con largos abrigos rondan la ciudad y la gente está desapareciendo. Peter (Jeremy Northam), un médico de los CDC, descubre una iglesia abandonada llena de suciedad y enfermedades, donde alguien o algo a colgado excremento en las paredes. Al mismo tiempo, su esposa Susan (Mira Sorvino) recibe un extraño insecto de unos niños del vecindario y descubre que comparte la composición genética de la Raza Judas, que fue criada para morir después de seis meses. Juntos se aventuran en el metro de la ciudad para descubrir la horrible verdad sobre en qué se ha convertido su creación y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.

Me gustan las películas de monstruos. Y esta se deleita con la belleza de sus sórdidos y oscuros escenarios subterráneos. La versión del director, por lo que estuve revisando en otras web, no incluye material adicional sobre los insectos. No aparecen los insectos que atacan a los neoyorquinos ni los que forman réplicas humanas perfectas de los que habla Del Toro en los extras. Los siete minutos adicionales de metraje se encuentran en la primera hora y se centran principalmente en el desarrollo de los personajes y en profundizar en la sub-trama del embarazo de la protagonista. Supongo que gracias a estas adiciones, la película tiene un ritmo más ágil y más entretenido, tomándose su tiempo para llegar a sus escenas más memorables. El final medio simplón y genérico de la película supongo que sigue presente, pensaba que quizás había un final alternativo. Fue interesante ver a un joven Josh Brolin y a Norman Reedus (El famoso ‘Daryl’ de The Walking Dead) completan el reparto secundario y están excelentes en sus respectivos papeles.

Del Toro crea con maestría secuencias de terror, construidas a partir de su característico diseño de producción, efectos especiales de criaturas, trabajo de cámara y buenas interpretaciones. Me sumergí de inmediato en su mundo, aunque la primera mitad de la película resulta un poco repetitiva. La segunda mitad de la película es más contenida y mucho más emocionante. Tuve algunas dudas sobre la lógica del clímax, pero, de nuevo, tras conocer mejor la visión original y los desafíos de la producción de esta película, estos pequeños fallos son comprensibles. Aunque algunas tomas CGI desentonan. Al igual que "Se7en" de David Fincher, "Mimic" tiene un aire muy noventero, no solo por su estética, sino también por su conexión con los thrillers de esa década, por lo que le da una aire de ser obras de época, ya depende del público actual como percibe que ha envejecido esta cinta, por mi parte lo he visto casi 30 años después, quizás lo habré visto de niño pero no me acuerdo del todo así que no me quiero arriesgar en afirmar que si lo vi de niño, pero envejeció bien en cierta manera ya que te mantiene entretenido a lo largo de toda la película. Lo que si me decepcionó, no es en si la película sino su historia de cómo fue la producción de la misma, ya que limitaron mucho la parte creativa del director. Más adelante comparto un link de YouTube sobre cuál hubiese la historia original creativa del directores sin las limitaciones de los ejecutivos y productores.

“Concebida originalmente como una épica película de hombres contra insectos gigantes con profundas connotaciones religiosas sobre la selección natural, la película sufrió un recorte de presupuesto a la mitad y terminó por no representar la visión original del director. Posteriormente, la película enfrentó más dificultades en la sala de edición, ya que los hermanos Weinstein le pedían constantemente a Del Toro que recortara segmentos. En ese momento, Del Toro apenas estaba dirigiendo su segundo trabajo, por lo que tenía poca influencia para enfrentarse a un poderoso grupo de productores como los Weinstein. Aparentemente, estaban especialmente nerviosos por una escena en la que unos niños son brutalmente asesinados, lo que debió haber impactado al público en los años 90.”

La fuente de esto lo leí en Wikipedia en Ingles del artículo de esta película, para que tengan presentes estos detalles que son muy importantes, porque “Mimic” tenía un mejor potencial pero que fue desperdiciado y no tanto por la culpa del director.

Mimic sigue siendo una sólida película con mucho que ofrecer. Es divertida, da miedo y es maravillosamente gótica y repulsiva. Sin embargo, por decisiones ajenas mataron un mejor potencial de la misma. Tiene una historia muy interesante como para hacerle un buen remake.

EL HORROR DE MIMIC, por ‘Davitxenko’ [https://www.youtube.com/@davitxenko]

Director: Guillermo del Toro

viernes, 22 de mayo de 2026

Project Hail Mary (2026)

Proyecto Salvación

★★★★★ GRAN PELÍCULA

Hay un elemento en la capacidad del cine que nunca desaparece, sin importar cuánto tiempo pase. Ese elemento implica un verdadero escapismo hacia los rincones más recónditos de nuestra imaginación. Pienso que esto sucede especialmente en películas de ciencia ficción que tienen un buen equilibrio o una buena mezcla de diferentes temáticas.

Puede ser una mezcla entre “ET, el extraterrestre” e “Interstellar”; y también tiene elementos de “Gravity” o “The Martian”, haciendo que su historia que te atrapa al instante. Los elementos de ciencia ficción no son necesariamente nuevos, pero la forma en que se presentan es muy interesante e innovadora. Disfruté de esta película, de principio a fin.

‘Project Hail Mary’ narra la historia del profesor de ciencias Dr. Ryland Grace, quien despierta solo en una nave espacial a varios años luz de la Tierra sin recordar cómo llegó allí. Y, sinceramente, eso es todo lo que necesitas saber antes de verla.

Mientras Grace reconstruye su memoria fragmentada, descubre que el sol de la Tierra está muriendo, al igual que casi todas las demás estrellas de los sistemas circundantes. Su misión es viajar al único sistema donde una estrella no está muriendo, descubrir por qué ha sobrevivido y traer la solución a la Tierra. Para complicar aún más las cosas, sus dos compañeros de tripulación han muerto en hibernación pero no está solo. Aparece «Rocky» un extraterrestre sin rostro y con un nombre impronunciable, con quien Grace entabla amistad.

Lo que sigue es una película espacial de camaradería inesperadamente conmovedora, a veces divertida y profundamente humana, que trata sobre la soledad, la conexión y lo que realmente significa ser valiente. Está lleno de pequeños y encantadores momentos de comunicación entre Grace y Rocky, que sinceramente, espero que se conviertan en parte de la cultura popular.

Ryan Gosling está genial como Grace, aportando el equilibrio perfecto entre torpeza, encanto y heroísmo a regañadientes. Es un papel exigente (lleva el peso de gran parte de las dos horas y media que dura la película) y lo interpreta con naturalidad, manteniéndonos enganchados en todo momento. En la Tierra, ‘Sandra Hüller’ ofrece un contrapunto sereno y controlado, aportando matices y humanidad a un personaje que fácilmente podría haber resultado frío o antipático.

Los efectos visuales son igualmente notables y sorprendentemente tangibles. Gran parte de la película se basa en construcciones reales, desde los interiores de la nave espacial a escala real hasta el magnífico trabajo de los marionetistas detrás de Rocky. En una era dominada por los efectos CGI, demuestran que el espectáculo no tiene por qué sacrificar la calidad de la ejecución. Rocky, en particular, logra un equilibrio perfecto entre lo totalmente ajeno y lo emocionalmente comprensible.

Los directores Phil Lord y Christopher Miller combinan magistralmente acción, emociones, humor y le otorgan un estilo visual increíble. Sin embargo, lo mejor de todo es la emotividad de Rocky, hasta el punto de que llegas a sentir empatía por el alienígena de una forma inesperada. Los momentos más emotivos, así como los más divertidos, surgen de las interacciones entre Grace y Rocky.

Durante dos horas y media, me sentí completamente inmerso en ella. Esto es lo que el cine de gran presupuesto puede y debe ofrecer: emoción e ideas, junto con un guion sólido, una dirección brillante y una actuación central espectacular. Es la mejor película que he visto en lo que va de 2026. Es una experiencia cinematográfica conmovedora, de esas que te recuerdan por qué vamos al cine.

Directores: Phil Lord, Christopher Miller

miércoles, 13 de mayo de 2026

The Secret Life of Walter Mitty (2013)

La increíble vida de Walter Mitty

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Hay momentos brillantes en la película y escenas que me atraparon por completo. Pero también había algo que faltaba, algo que la frenaba y le impedía ser la gran película que a menudo nos prometen. Pero como menciono en otras opiniones de cintas que vi, son de esas películas que al menos debes verla una vez en la vida.

Walter Mitty (Ben Stiller) trabaja en el departamento de "negativos fotográficos" de la revista Life. Una mañana, los empleados reciben la noticia de que la publicación se convertirá en una revista exclusivamente online digital, lo que hará que muchos de sus trabajos dejen de ser esenciales. El aclamado fotoperiodista Sean O'Connell (Sean Penn) envía a la revista un negativo que cree perfecto para la portada final de Life. Pero Walter lo extravía. Así que, con su trabajo en peligro y el supervisor de la transición de la empresa (Adam Scott) presionándolo, Walter se embarca en una aventura alrededor del mundo para encontrar a O'Connell, y con suerte, el negativo.

El viaje de Walter lo lleva a lugares interesantes como Groenlandia, Islandia y el Himalaya. Nos sumergen en estos lugares, a veces con perspectivas sobrecogedoras. Esto da vida al viaje de Walter, y en cierto modo, justifica su transformación personal. Sin embargo, también tuve dificultades con ciertos aspectos de su aventura. Hay tantas preguntas obvias que la película prefiere que no nos planteemos. Y también hay una cantidad desmesurada de conveniencias que facilitan la búsqueda de Walter. Independientemente de la situación, casi siempre encuentra una salida perfecta. Quizás haya un significado más profundo, pero la historia no lo insinúa.

Walter Mitty también parece tener una pequeña crisis de identidad. Hay momentos divertidos al principio, pero luego hay un largo tramo en el que se toma las cosas muy en serio. El humor queda en segundo plano y se convierte en un drama de ritmo pausado, con sus buenos y malos momentos. Carece de la consistencia de las grandes películas, pero también tenía un atractivo inexplicable del que me mantuvo atento toda la película.

En cuanto al trabajo de Stiller como director y actor, estuvo bien. Pero hay un encanto genuino y entrañable en lo que le aporta al personaje de Walter Mitty. Me sentí muy atraído por él y personalmente empaticé con su percepción de sí mismo y sus inseguridades. Ben Stiller captura todo eso mágicamente. Kristen Wiig estuvo bien también, pero su personaje de la "chica de los sueños de Walter" estaba poco desarrollado. Adam Scott es más difícil de evaluar. Su actuación no es tan mala, pero el guion hace que este típico villano corporativo sea demasiado obvio.

Es una película difícil de calificar. Sin duda, destaca por su estilo visual y sus hermosos escenarios. También por la excelente actuación de Stiller y el dulce y contagioso encanto de su personaje. Desafortunadamente, es una película irregular, con demasiados giros argumentales forzados y momentos de bajón. Sin embargo, hay algo en ella que no puedo ignorar. Me ha impactado y me ha dejado con ganas de volver a verla. Eso suele ser señal de que una película funciona, al menos en algunos aspectos.

Director: Ben Stiller

Beau Is Afraid (2023)

Beau Tiene Miedo

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Es una película extraña y respeto eso. No es necesariamente algo malo; las anteriores películas de Ari Aster que vi fueron ‘Hereditary’ y ‘Midsommar’, la cual me encantaron. Pero ‘Beau is Afraid’ no es terror porque carece de elementos de terror tradicionales, en lo que sí se puede parecer es que optan por una atmósfera completamente inquietante y tensa pero con una perspectiva diferente.

Resumir los acontecimientos de la película, con sus 2 horas y 59 minutos de duración, es toda una hazaña. En esencia, la película consiste en tres horas de Beau (Joaquin Phoenix) sufriendo un ataque de pánico prolongado, provocado por su lucha entre evitar y afrontar su trauma familiar, en concreto el materno. Beau es un hombre atormentado que se embarca en un viaje surrealista a través de una serie de situaciones extravagantes para encontrar el camino de regreso a la casa de su infancia. Perseguido por recuerdos fugaces del pasado y preguntas sin respuesta, Beau no encuentra ni un momento de paz; tampoco el público.

Su mayor defecto es su excesiva duración. Como ya se mencionó, la película apenas llega a las tres horas, y se nota. Podría haber recortado fácilmente una hora y probablemente habría tenido mucho más impacto. Para mí la trama no tiene suficiente sustancia para tanta duración pero lo entiendo. La narrativa no la requiere, y en consecuencia, tiende a alargar momentos que podrían haber sido memorables.

Más allá del arduo viaje que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película, es de digno elogio por su singular e imaginativa puesta en escena. La producción  de animadores creó una serie de secuencias surrealistas que complementan a la perfección los giros y vueltas sobrenaturales de la narrativa. Las secuencias animadas son una estética improvisada con grabaciones de acción real del reparto, fusionando ambas estéticas para crear una paleta estética visual única y reconocible.

Otro punto a favor son las magníficas interpretaciones de su reparto. Joaquin Phoenix es un protagonista sólido cuya actuación transmite una profundidad que, lamentablemente, la película no logra explorar por completo. Beau es un personaje indudablemente complejo, cuyas intenciones y traumas desencadenantes nunca se explican del todo; sin embargo, la intriga que Phoenix plantea al espectador lo mantiene en vilo de principio a fin.

El personaje que más se asemeja a la intensidad de Beau es su madre, ‘Mona Wasserman’, una mujer cuyo amor por su hijo es evidente. La actriz Patti LuPone encarna a una Mona que capta a la perfección el impacto de equilibrar su éxito con la compleja relación maternal que mantiene con su hijo, quien atraviesa dificultades. Mona es una presencia constante en la vida de Beau y en la narrativa de la historia.

Sinceramente, no sé muy bien cómo resumir lo que vi por eso se me hizo difícil darle una calificación pero son de esas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, por eso la recomiendo, además de que te invita a verla de nuevo. La película es sin duda interesante y presenta tantos elementos que verla una sola vez no basta para apreciar todos sus detalles en su caos.

Director: Ari Aster