The Drama (2026)

El Drama -☆☆☆☆☆- [Sin calificación] [👍]

Una película que me anime a verla y estoy seguro que la mayoría así lo hizo también, por ver como conectan Robert Pattinson y Zendaya. Al terminar de verla me gusto, puede tener sus defectos y bemoles pero tampoco me quiero andar de pretencioso dándole críticas negativas molestas. Los dos protagonistas estuvieron bien.

No deberías guardar secretos a la persona que amas. ¿O sí? Esa es, en resumen, la premisa de ‘El Drama’, que, bajo la apariencia de una comedia romántica poco convencional, explora el perdón y la comprensión (o la falta de ella) en un mundo que juzga con demasiada facilidad. Si bien la película se beneficia del encanto y la química de sus dos protagonistas, a mitad de camino se vuelve talvez algo larga, culminando en un final de ‘farsa’ para preservar la humanidad de los personajes. Pero esto también ser una bocanada de aire fresco, incluso si sigue caminos predecibles en su trama.

Puede ser una comedia algo fría que resulta bien para mí, una provocación atrevida que plantea un escenario extremo con la intención crear un concepto ingenioso a su manera, pero su ejecución muestra una visión confusa a lo largo de la película, más allá de explotarlo para provocar comedia que te incomode. Parece indeciso sobre qué hacer con el personaje de Emma (Zendaya), por lo que esencialmente la convierte en un catalizador narrativo para la crisis personal de Charlie (Pattinson), una decisión que, en el mejor de los casos, resulta algo decepcionante y, en el peor, desagradable. Charlie es un personaje más vulnerable y por ende un poco más empático, pero cuando se trata de Emma, la película se comporta como un psicoanalista que se niega a aceptarla como paciente porque no está a la altura del desafío del desafío que plantea la cinta.

Algunos fragmentos de la película funcionan bastante bien, mostrando su potencial: imágenes inquietantes de Charlie caminando junto a la problemática versión joven y adolescente de Emma mientras lidia con esta sorprendente faceta psicológica de su prometida; una escena en la que Charlie se encuentra atrapado en una espiral de justificaciones atormentadas mientras lucha con las muchas incertidumbres de la zona gris que acechan entre la aceptación y el rechazo. 

Sin embargo, el trasfondo está plagado de cabos sueltos, ya que la película coquetea con ideas sobre el perdón y el amor incondicional, sobre el dilema del control de armas, tan característico de Estados Unidos, pero nunca las desarrolla del todo. Dan ganas de rogarle al director que reconsidere el final ambiguo, que no encaja con lo anterior: una película que nos invita a ponernos en el lugar de Charlie y reflexionar sobre sus éxitos y fracasos al navegar por la densa niebla moral de una situación insostenible. Parece que no hay victoria posible. No hay posibilidad de "empezar de nuevo". Y, lo que es más importante, no hay una comprensión profunda del personaje de Emma, quien, sin que Zendaya tenga culpa alguna, está tan superficialmente esbozada que no es más que un recurso argumental.

En conclusión para mí, la película resulta atractivo por sus dos protagonistas que son súper conocidos, y su concepto prometedor, y tiene momentos memorables. Sin embargo, quizás para algunos decepciona en su intento de encontrar comedia y profundidad en una situación algo absurda. Por mi parte la recomiendo si quieres entretenerte con algo fácil de ver y digerir.

Director: Kristoffer Borgli

Smile (2022)

Sonríe ★★★½ [👍]

Los primeros 40 o 45 minutos de la película tiene un ritmo lento, algo cansino; después de eso hasta la parte final esta genial a su estilo con todos sus errores y defectos, pero como cinta de terror maldita y psicológica esta genial y entretenida.

Sosie Bacon interpreta a la Dra. Rose Cotter, quien trabaja en una sala psiquiátrica. Allí conoce a una paciente, quien le cuenta que ve una criatura que se hace pasar por otras personas con una sonrisa extraña. La paciente es la única que ve a la criatura, lo que la aterroriza tanto que se quita la vida frente a Rose, transmitiéndole así la "maldición" de la criatura sonriente. A partir de ahí, Rose comienza a ver a la criatura, y su percepción de la realidad y la ficción se distorsiona. Luego, se desencadena una serie predecible de desafortunados sucesos que involucran a Rose, quien intenta convencer a todos de que no está loca y que está maldita (y, por supuesto, nadie le cree, pensando que ha perdido la cabeza), excepto su exnovio, quien casualmente es un policía que investiga los suicidios. A medida que descubre más sobre la criatura, la premisa se vuelve más interesante.

Smile con su temática sobrenatural de la maldición propagada es parecido a la película "El Aro" (2002). Lo interesante es que una especie de posesión viral se contagia a quienes presencian los suicidios de los infectados. Pero, como en muchas películas de terror, se dejan suficientes cabos sueltos para mantener la ambigüedad.

El principal elemento de terror reside en que los malditos se transforman únicamente con la aparición de una sonrisa demente. No una sonrisa feliz, sino la de una persona perturbada que indica que ahora están afectados.

Una criatura que se alimenta del trauma puro para aterrorizar a alguien hasta el punto de que se suicide (o mate a alguien) después de una semana es un excelente modelo para un interesante villanos de terror. Y cuando ves a la criatura en su clímax, da miedo. 

Ayuda mucho que la película tenga un diseño de sonido, efectos especiales convincentes, incluyendo un buen diseño de la criatura. Todo esto combinado con una banda sonora que hace que el espectador sienta que está perdiendo la cabeza junto con nuestra heroína crea una atmósfera increíble.

En cuanto a su temática implícita, es una visión integral de la salud mental y los sistemas y normas que afectan a las personas. Smile es también una clara metáfora del trauma y su insidioso efecto dominó.

Convertir algo tan inofensivo como una sonrisa en un gesto amenazante conlleva una inquietud primigenia que explota con bastante eficacia a lo largo de la película. Aun así, las casi dos horas de duración se hacen excesivas cuando la búsqueda de Rose para descubrir el origen de su maldición empieza a hacerse algo pesada sobre todo al principio. Pero por lo demás, es una película de terror altamente recomendable.

Director: Parker Finn

Mars Express (2023)

★★★★ [👍]

Una joven acaricia a su gato robot. De repente, suena el timbre. Abre la puerta, sin saber que tras ella se esconde su perdición. Desde sus primeros minutos, la película te engancha. En el desolador mundo futurista la esperanza parece una rareza, sustituida por el cinismo tanto de robots y/o IA como de humanos.

Siguiendo a Aline Ruby, una detective privada obsesionada con el intento de asesinato de Jun Chow, quien en realidad era el objetivo del asesino que eliminó a aquella estudiante al principio de la película, descubrimos un futuro sombrío donde los androides son la última especie esclavizada por la humanidad. Rechazados por la sociedad y tratados como monstruos, se ven obligados a satisfacer todas las necesidades y deseos humanos, incluso, por supuesto, los más oscuros.

Lo que me encantó de Mars Express es que, al igual que Ghost in the Shell, descubrimos este mundo no solo desde el punto de vista de Aline, sino también a través de los ojos holográficos del androide Carlos Rivera. Rivera, colega de Aline durante muchos años, murió cinco años antes de los eventos de la película en una traumática campaña de mercenarios, y su conciencia ahora está transferida a un cuerpo cibernético oxidado y obsoleto. La desgarradora historia de este personaje, que anhela reunirse con su esposa e hija, quienes han seguido adelante con sus vidas tras su muerte, da lugar a muchos momentos impactantes. ¿Se reunirá Rivera con su familia al final? ¿Qué le sucederá a Jun Chow, en medio de la gran conspiración que la película insinúa poco a poco? ¿Y cuál es la conexión entre Rivera, Ruby y el excéntrico multimillonario Chris Royjacker, el hombre más influyente de Marte?

A veces resulta difícil seguir la trama de la película. Pero es precisamente esa densidad de personajes, argumento y diseño del mundo lo que me mantuvo pegado, que para mí fueron como una inmersión lenta y profunda al borde de un abismo inexplorado. Un lugar donde se revelarían misterios, con personajes que se esfuerzan por encontrar la respuesta definitiva, el sentido de sus vidas. Esta atmósfera única se logra no solo gracias a un guion denso y diálogos complejos, sino también a través de la banda sonora, mezclando música electrónica y ambientes típicos de ciencia ficción, dan vida a este universo tecnocrático donde la humanidad es a la vez dueña y esclava de sus propios designios.

Por otro lado, me costó conectar con los personajes. Como ya se mencionó, Rivera y Ruby forman un dúo implacable, pero no me convencieron del todo hasta que la película empezó a profundizar en sus historias, especialmente en la de Carlos, que sin duda es el personaje más interesante. El hecho de que sea el androide dice mucho sobre el punto de vista cínico que impulsa Mars Express de principio a fin. Aunque los humanos tengan la mayor parte del tiempo en pantalla, queda meridianamente claro que los personajes, ya sean Aline, Jun o incluso el multimillonario Royjacker, han perdido completamente el rumbo en esta realidad. Sus acciones, impulsadas por una voluntad primigenia de supervivencia, fatalismo, locura o incluso pura desesperación, le dan a Mars Express un tono adulto radical y un mensaje sombrío.

Para los amantes de acción Cyberpunk encontrarán momentos memorables en las espectaculares secuencias de lucha, que si bien son escasas, rebosan intensidad. Se ve la influencia de Ghost in the Shell o RoboCop. Y esta es solo una de las muchas influencias que descubrirás al explorar esta película.

Es una película densa, el ritmo es irregular, a algunos personajes les falta profundidad y no todas las tomas fueron de mi agrado. Sin embargo, cuando más pienso en ella logra sumergirme aún más en el corazón de su fascinante oscuridad.

Director: Jérémie Périn

X (2022)

★★★★ [👍]

La gran influencia de esta película fue el gran impacto que tuvo ‘La masacre de Texas’ para el género de terror ‘slasher’, ambientada en la misma década setentera pero con una trama ingeniosa, ya que no es simplemente de jóvenes inocentes y vulnerables. Su historia comienza, al igual que La masacre de Texas, con un grupo de jóvenes (en esta ocasión, cineastas) que se dirigen a una zona rural de Texas, pero con un plan diferente: rodar una película porno.

Desde el principio, queda claro que X es una demostración de talento cinematográfico, ofrece una dirección dinámica, sus composiciones de planos y secuencias, con una atención meticulosa al detalle y un dominio de los escenarios, lo que le permite aprovechar al máximo el entorno en cada escena y exprimir al máximo la tensión y la presión de cada momento. Al igual que ‘La masacre de Texas’, aprecia la crudeza y la suciedad del campo texano con su cámara.

El enérgico montaje también dinamiza considerablemente la película, con transiciones vertiginosas que contribuyen enormemente a mantener el suspense a lo largo de toda la cinta. Tampoco se pueden pasar por alto los esfuerzos por recrear la época de finales de los 70, ya que va más allá de la mera incorporación de elementos históricamente precisos (como algunas excelentes selecciones musicales) al plasmar la estética y el ambiente de la época en su obra.

Es esa última parte la que más impacta, incluso quizás más que cualquiera de sus sustos repentinos, hábilmente orquestados y tremendamente subversivos, ya que sería fácil descartar X como otra simple película slasher barata con tetas y sangre a raudales, pero es evidente que la película tiene algo más en mente, pues su guion incluye un comentario social complementario mientras nos vemos cautivada por el sexo y la matanza en pantalla. No sorprende que una película sobre la realización de una película porno tenga algo que decir sobre el sexo y la sexualidad en general, pero lo más llamativo es cómo los mensajes se expanden y evolucionan a medida que avanza la película (y un torrente de giros complica esta historia tórrida), particularmente en cómo se vincula con las acciones de nuestros antagonistas.

Sin adentrarnos demasiado en el terreno de los spoilers, el verdadero villano en X es la represión sexual, tanto a nivel personal como político, como lo demuestran las enseñanzas constantemente anunciadas de un telepredicador conservador en un televisor de fondo en muchas escenas. El choque entre este grupo y dos ancianos erráticos simboliza una brecha generacional más profunda entre los "amantes libres" de los 70 y los conservadores más religiosa (y sus víctimas) de los 30 y 40, que desprecian a estos desviados tras haberse privado de los mismos placeres años atrás. Y, sin justificar en ningún momento su maldad, la película encuentra la manera de hacer que sus villanos sean increíblemente reales y cercanos, y, como resultado, aún más amenazantes.

Otro aspecto que distingue a X de sus contrapartes más cutres del subgénero slasher es la simpatía y el encanto de su reparto. Normalmente, en alguna secuela sórdida de Viernes 13 o Halloween, no nos importa lo que les pase a los adolescentes problemáticos; solo queremos ver el caos clásico de Jason o Myers. Sin embargo, aquí, gracias a la escritura empática sobre estos actores sexuales y a las interpretaciones divertidas y apasionadas del elenco, nos sentimos realmente conmovidos cuando alguien encuentra su espantoso final. Algunos pueden tener personalidades pomposas, pero en general son buenas personas que simplemente intentan triunfar en este mundo perverso, y sus interacciones son peculiares y atractivas, a medida que cada personaje trasciende su arquetipo de terror.

Martin Henderson es divertido como un productor vaquero arrogante con la suficiente confianza para todo el equipo, y Kid Cudi se lo pasa en grande interpretando los estereotipos pornográficos de finales de los 70 y principios de los 80; pero son las mujeres quienes realmente llevan la batuta. Brittany Snow puede tener el aspecto de una rubia tonta y de pelo voluminoso, pero también tiene una desfachatez seductora que resulta instantáneamente revitalizante, mientras que Jenna Ortega, que salió a la fama por su serie de Merlina, demuestra que no fue algo puntual, asumiendo aquí un papel más resignado que se desarrolla de forma fascinante a medida que avanza la película.

Y por último pero no menos importante, Mia Goth, es una de las protagonistas femeninas de terror más divertidas y feroces de los últimos años, hace poco me vi ‘Pearl’ (2022) y fue espectacular su actuación, y aquí con X sigue aportando una sutil sensibilidad al personaje y participando en alguna masacre cuando la ocasión lo requiere, un halago verla en toda la película. Mientras que algunas películas luchan por combinar el terror con la hilaridad, X logra un equilibrio perfecto gracias a la narrativa y la técnica cinematográfica, deleitándose tanto en el absurdo cómico como en la cruda atrocidad de todo ello en igual medida. En un mundo donde los estudios se contentan más con producir secuelas de slasher que con crear nuevas obras de terror, películas como X son más esenciales que nunca, ya que este es el tipo de creatividad emocionante (tomar una fórmula existente y reinventarla) que el género y la industria en su conjunto necesitan para sobrevivir. Y además, es una película bien hecha.

Director: Ti West

NOPE (2022)

¡Nop! ★★★

Daniel Kaluuya y Keke Palmer interpretan a los hermanos OJ y Emerald Haywood, dueños de un rancho en una zona rural aislada. Sin embargo, su mayor preocupación no es la salud de los caballos ni el alquiler de este mes. Un extraño objeto volador está provocando una serie de sucesos insólitos en el pueblo. Así que, en lugar de hacer lo más sensato, como mudarse al pueblo más cercano, deciden reunir todos sus recursos para intentar documentar este fenómeno. Diría que es poco realista, pero parece que hoy en día volverse viral en YouTube y ganar dinero con así tiene más peso que el bienestar personal.

Tenía expectativas altas para Nope. El hecho de que fuera de Jordan Peele sin duda ayudó, considerando que tiene películas como ‘Get Out’ y ‘Us’. Pero personalmente me atrajo más la premisa en sí. Si bien el tema de los extraterrestres y las civilizaciones extraterrestres aparece con frecuencia, estas películas suelen abordar el tema desde una perspectiva de ciencia ficción. Lo que Nope parecía prometer era una historia que recordaba a las historias de extraterrestres más clásicas, con gente común que se encuentra con ovnis. Esta premisa parecía perfecta para una película de terror.

No es que sea una película mal hecha. Está filmada y editada con competencia, y sobre todo, logra transmitir bien el terror por momentos. Como muchos han dicho, lo que realmente hace que el terror funcione es el miedo a lo desconocido. Y dado que esta película trata literalmente sobre un objeto volador no identificado, naturalmente introduce ese factor de miedo. A lo largo de la película, los personajes no tienen ni idea de dónde viene, qué quiere ni cómo funciona. Por lo tanto, se quedan en vilo, a la espera de cuál será su próximo movimiento.

Pero incluso en una película de terror, no basta con encadenar momentos de miedo y darlo por terminado, pues se convierte en una atracción de casa encantada demasiado larga. Una historia y unos personajes atractivos son esenciales para que el público se sumerja en la trama. Quizás pienses que estoy haciendo la crítica más obvia, y tendrías razón, pero el problema es que Jordan Peele parece haber olvidado ese hecho tan evidente.

Peele sin duda tiene mucho que decir con Nope , quizás demasiado. Al igual que en sus películas anteriores, incluye una buena dosis de crítica social, que abarca desde videos virales hasta la cultura de la vigilancia, el atractivo del cine, la historia afroamericana en el cine. Sin duda, todos estos son temas interesantes para reflexionar, y no le reprochó a una película que intente hacerme pensar. Lo que sí me molesta es que la película sacrifique la estructura básica en aras de la reflexión.

El ritmo de la película da saltos bruscos, como montar un caballo. Durante los dos primeros tercios, las cosas simplemente suceden, y aunque hay algunos momentos de tensión, en general se siente plano. Luego, la película pasa a un último acto que se siente más bien superficial. De nuevo, no quiero revelar demasiado, pero los personajes escapan tras una situación extremadamente peligrosa y lo logran. Sin embargo, luego deciden hacer algo que parece completamente irracional dada su situación actual. Quizás si comprendiera mejor a los personajes y sus emociones, podría entender por qué tomarían esa decisión, pero ese es otro problema de la película, ya que no logró que me involucrara con los personajes principales.

Daniel Kaluuya y Keke Palmer, al igual que el resto del reparto secundario, ofrecen interpretaciones sinceras. Sin embargo, la dinámica entre OJ y Emerald, y su historia en común, se abordan de forma muy superficial. En el clímax, la película recurre al recurso narrativo tan manido de que una acción o frase aparentemente inocente del protagonista al principio se convierte en parte de un momento emotivo más adelante, y resulta completamente forzado, porque incluso en el clímax me costaba entender quiénes eran estos personajes y por qué actuaban como lo hacían.

En lugar de una progresión natural de la trama o un desarrollo de los personajes, nos encontramos con múltiples personajes o escenas que aparentemente no aportan nada a la película. El mejor ejemplo es una sub-trama que involucra a un chimpancé que aparece y desaparece constantemente. No entendía su relevancia para la trama principal, e incluso después de pensar en ello, seguía sin entender nada.

En cambio, Nope impone sus ideas de tal manera que resultan intrusivas para el desarrollo de la trama, lo que me lleva a cuestionar más la película en sí que sus temas. Y, como ya dije, hay muchísimos, y no hay tiempo suficiente para explorarlos todos. Algunos podrían haberse eliminado y reservado para otra película, porque cuando una película intenta abarcar demasiado, es muy probable que no domine nada.

Quizás el problema soy yo. Quizás simplemente no lo entiendo, sea lo que sea. Tal vez si volviera a analizar cada escena hasta el último detalle, todo empezaría a encajar. Pero entonces, la pregunta sería: "¿Por qué tendría que volver a verla?". Si una película me deja confundido y poco interesado la primera vez que la veo, pues lo más probable que no lo vuelva a ver por mucho tiempo.

Director: Jordan Peele

Invincible: Episodio 3x04

You Were My Hero ★★★★

Otro episodio de “créditos finales falsos” a los treinta, y luego nos ofrece un vistazo a una trama completamente diferente. De esta manera, nos ponemos al día con Allen y Nolan y el episodio cumple una doble función para su narrativa. Una de las grandes virtudes de la serie es que no se alarga innecesariamente para crear más episodios. Sin embargo, acortarlo permite una narración eficiente por parte de todos los involucrados.

Además, la historia de Mark y Eve ofrece un momento de felicidad que faltaba en los últimos episodios. Su historia, que se desarrolla dentro de otra historia, nos da esperanza para ambos personajes. La dinámica entre Mark y Eve siempre estuvo marcada por la tensión sexual, pero juntos han encontrado una calma inesperada. Es maravilloso presenciar su evolución, y da la sensación de que estaban destinados a estar juntos.

El mundo del futuro es interesante y devastador. La caída de ‘Inmortal’, convertido en tirano, es preocupante, pero no tan impactante como el futuro de Mark. Si algo nos las otras líneas temporales es que Mark suele volverse malvado ¿Podemos confiar en el Mark de esta línea ‘original’ del tiempo o prueba de que estamos siguiendo al villano de esta historia?

Fue divertido ver el regreso de ‘Battle Beast’, ya que su aparición inicial fue trepidante, presentando una gran pelea en la primera temporada. Si bien el monstruo busca la muerte, es un luchador formidable. Su retorcida ideología espartana lo distingue, pero incluso su sola presencia visual le aporta una dinámica divertida.

Por último, pero no menos importante, la revelación de Nolan es trascendental. Si los viltrumitas siempre han controlado su entorno mediante la fuerza, y la amenaza de miles de ellos mantenía la galaxia bajo control, con un número tan reducido y dos más muertos, los viltrumitas restantes serán vulnerables. Tal como Allen esperaba, esta deserción podría cambiar el rumbo de la guerra.

Invincible: Episodio 3x03

You Want a Real Costume, Right? ★★★★½ ✂

Excelente episodio. Me tomo por sorpresa lo que fue capaz de hacer Oliver, parece que es más poderoso que su hermano Mark, teniendo ese gran poder desde niño. Y en general un episodio bien hecho, las escenas que contaron una historia pero sin dialogo, al principio me gusto también.

Comienza con una secuencia de atraco a un banco, pero con una perspectiva completamente diferente. Dos secuaces que aparecieron brevemente en temporadas anteriores, asaltan una sucursal bancaria local para robar dinero, pero sus reacciones, sin diálogos, cuentan una historia distinta a la habitual. No parecen disfrutar asustando a sus rehenes involuntarios, especialmente a los niños. Nos sumergimos por completo en el punto de vista de los villanos mientras escapan.

Es un montaje silencioso de siete minutos vemos al dúo de villanos —ahora revelado como una pareja romántica— esforzándose al máximo por alejarse de la vida criminal y conseguir un trabajo honesto, solo para que les cierren las puertas una y otra vez. Finalmente se ven obligados a robar, y cuando Mark/Invencible llega (con su hermano menor Oliver/Kid Omni-Man), adquiere una presencia inquietante.

Varios villanos callejeros reaparecen, principalmente en escenas de diálogo que establecen un conflicto futuro sin llegar a ninguna parte (es el único momento en que el episodio se estanca), pero las preocupaciones humanas siguen siendo interesantes. Atom Eve intenta mantener su amistad con Amber ahora que esta sabe que sale con Mark, y también retoma su relación con sus padres, quienes aún desaprueban su camino como súper-heroína y la ven como una decepción. Los demás Guardianes también tienen una o dos escenas de descanso, un cambio muy necesario respecto al estilo habitual de Invincible, donde solo aparecen en escenas de acción.

La serie, por supuesto, alcanza su punto álgido cuando se centra en el drama de la familia Grayson. Debbie tiene otra cita con Paul y decide unilateralmente que volver a confiar en alguien implica revelar detalles de su pasado: su marido supervillano y sus hijos justicieros disfrazados. Mark no está nada contento, pero también tiene su propio drama con Oliver sobre la mejor manera de que el compañero, al estilo de Robin, entrene y observe en el campo de batalla estando tan cerca de la acción.

Esa delgada línea entre observar y participar se rompe cuando los Gemelos Mauler regresan por enésima vez, sembrando el caos como de costumbre. Son un elemento recurrente en la serie, y justo cuando parece que estarán ahí para siempre, Oliver termina desmembrándolos de forma espantosa, obligando a Mark a enfrentarse a un serio dilema. Inculcarle a Oliver la paciencia para no matar a sus enemigos, incluso cuando las cosas parecen desesperadas, también implica retractarse de su recién descubierto rechazo a la reforma como concepto, una hipocresía que solo confunde a su hermano menor, y un punto muerto en el que no logra avanzar, al menos por ahora.

También resulta increíblemente revelador —y propio de la parodia de los cómics de superhéroes que sea la serie— que la visión de Oliver sobre matar no sea muy diferente a la de la mayoría de los superhéroes importantes, como si esto fuera menos una señal de inteligencia emocional que un rasgo distintivo de inmadurez emocional. Sin embargo, incluso Mark podría verse obligado a abordar este código moral de forma diferente cuando su familia sea atacada en casa por un dron explosivo controlado nada menos que por el villano principal de la temporada anterior, Angstrom Levy; un regreso que sin duda planteará graves complicaciones en el resto de la tercera temporada.