The Invite (2026)

La invitación ★★★

Primero lo primero, este remake es inferior al original, principalmente por sus personajes, de lejos ‘Sentimental’ tiene el mejor cuarteto. Me decepciono un poco además la actuación de Edward Norton, quizás este papel no era para él por el guión. Tuvieron sus momentos divertidos en la escena donde intercambian parejas, la música de Sade, pero después de eso no hubo mucho que ofrecer. Los diálogos fueron inferiores también. Quizás estoy siendo mezquino, pero el reparto me resulta poco creíble, no tanto por su actuación, sino por su presencia, no me convenció.

La película expresa nuestras inseguridades actuales y cuánto hemos perdido de vista la felicidad. Los secretos y las frustraciones ya no pueden ocultarse por las apariencias; durante una cena improvisada con otra pareja, los infelices esposos Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde, quien también dirige) se ven obligados a reflexionar sobre sí mismos y a confrontar las verdades tácitas que los han llevado a esa noche en particular.

Algunos aspectos se mantienen ambiguos, como la rotunda insistencia de Joe en que su antigua carrera musical en una banda de un solo éxito no vuelva a mencionarse (ni siquiera en el tocadiscos). La verdadera causa de la infelicidad de Angela también se mantiene en la ambigüedad, aunque gran parte de ella proviene de la infelicidad de Joe. En medio de todo esto se encuentra su hija, a quien no vemos, y que parece ser la única razón por la que intentan que algo funcione. Pero ambos están atrapados en una espiral de discusiones y antagonismo, y no tienen ni  idea de qué hacer cuando se enfrentan a sus vecinos de arriba, Hawk (Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja cariñosa y comprensiva que son polos opuestos a Joe y Angela, tanto en lo personal como en lo profesional.

Por un lado, tenemos el realismo de las tensiones de la vida moderna, profundamente arraigado en la relación de Joe y Angela. Desde su constante actitud defensiva especialmente entre ellos, sin mencionar cómo se comportan con Hawk y Pina, hasta la actitud hastiada y desconfiada de Joe y la desesperación de Angela por cualquier cambio en su rutina o una salida del bache en el que se encuentra, esta pareja pasa casi toda la película criticándose mutuamente por supuestas faltas y negligencias.

Seth Rogen interpreta a su personaje con un arrepentimiento sombrío, añorando la vida divertida que Joe solía tener y los buenos momentos que pasaba con Angela, molesto porque el mundo lo ha relegado a este pequeño rincón para que se marchite y se vuelva inútil. Incluso su piano, en el que probablemente compuso gran parte de la música de su banda, permanece cerrado con llave y sin usar. Su conflicto con sus vecinos proviene sobre todo cuando Hawk y Pina los mantienen despiertos a él y a Angela con ruidos sexuales fuertes, a veces a las 3 de la mañana.

Lo que aqueja a Joe y Angela es la falta de sinceridad entre ellos y con respecto a sus deseos. Así que, cuando Hawk y Pina los visitan con la excusa de ver su apartamento recién reformado, Joe y Angela se sorprenden de lo relajados y abiertos que son entre sí, por no hablar de lo impactados que quedan por la franqueza de Hawk y Pina con ellos. Incluso son directos con el motivo de los ruidos sexuales, que Pina y Hawk no tienen inconveniente en comentar, pero que está totalmente fuera de la normalidad y la perspectiva de vida de Joe y Angela. Y cuando Pina y Hawk les dicen que hay otro motivo de su visita, es cuando la relación de Joe y Angela se pone aún más en tela de juicio.

En contraste, Penélope Cruz y Edward Norton interpretan a Pina y Hawk como personas relajadas y despreocupadas. Sin hijos, libres y comprensivos, parecen ser el tipo de personas que Joe y Angela podrían haber sido si se hubieran centrado en su felicidad y hubieran seguido adelante juntos. Parte de la diversión reside en ver a Cruz interpretar a una mujer seductora, pero es la inteligencia de su personaje la que cobra mayor importancia a medida que avanza la película, y es curioso presenciar la transformación gradual de Pina, de seductora a analítica, sin perder su atractivo. Del mismo modo, Norton se une a Cruz al mostrar cómo la vida lo ha cambiado, optando por un camino mejor y más altruista hacia la felicidad.  Norton le otorga a Hawk un temperamento más sabio, combinado con una seguridad y confianza inquebrantables en cada paso que da hacia su objetivo y el de Pina. Pero como mencione, la presencia de Norton no me convenció del todo, su contraparte de ‘Sentimental’ lo hizo mejor más directo y creíble,  aunque esa afirmación me lleva a una pregunta que lo plantearé más adelante.

Olivia Wilde equilibra la ira, la sensualidad y una desesperación cansada para crear este torpe y desesperado intento de salvar el matrimonio de Joe y Angela, o por el contrario, darle el golpe de gracia. La cuestión no es dónde terminarán, sino dónde están ahora y qué están dispuestos a hacer al respecto. Joe y Angela tienen lo que necesitan, pero en lo que parecen ser los últimos momentos de su relación, están tan a la defensiva y cansados como para entregarse el uno al otro. Y cuando sus posibles futuros yo alternativos se ven reflejados en Hawk y Pina, no saben si luchar o rendirse. Eso sí, la película no pretende decir nada profundo; simplemente nos invita a observar lo que hay y lo que les impide ser más como pareja.

Ahora me pregunto, ¿Qué hubiera pasado si hubiese visto primero esta versión y después la original? Quizás no le hubiese puesto 3 estrellas sino 3.5 XD. Pero estoy seguro que si hubiese visto el original después, igual me seguiría quedando con el original. Y también no criticaría tanto la inclusión y la presencia de Norton XD. Sin duda el tiempo y el momento son importantes cuando uno ve cine, porque eso cambia tu perspectiva y reflexión.

Directora: Olivia Wilde

Mutafukaz (2017)

★★★★ [👍]

La historia se desarrolla con un enfoque en las comunidades afroamericanas y latinas, la cual no se ve mucho en animaciones cuasi de nicho como esta. Por eso me parece interesante, además de que está bien ejecutado a su manera.

Angelino es un huérfano que vive en un apartamento destartalado con su amigo Vinz. Su vida es bastante monótona y aburrida, pero lo que ignora es que una organización secreta lo sigue de cerca. La razón es simple: Angelino posee poderes ocultos, aunque por ahora permanecen latentes. Cuando un camión lo atropella de camino a casa, algo se despierta en su interior y comienza a ver extrañas apariciones. Angelino no tiene mucho tiempo para reflexionar, ya que esa misma noche su apartamento queda destrozado a tiros, él y Vinz deben desaparecer sin dejar rastro durante un tiempo. Es el comienzo de una aventura de lo más alocada.

La película no oculta su inspiración en diversas influencias culturales. El estilo de animación tiene una clara (aunque alternativa) estética anime, mientras que los personajes presentan rasgos más occidentales. El ambiente urbano y marginal sitúa la película en suelo estadounidense, y las guerras de pandillas y los elementos de lucha libre hacen referencia a las comunidades minoritarias que conforman el trasfondo de la historia. Pero además hay una invasión alienígena, lo que añade toques de fantasía, algo terror y ciencia ficción. Percibo también una influencia de ‘Venom’ de Marvel en las secuencias de lucha de Angelino, mezclada con un humor al estilo Deadpool. Además, Angelino protagoniza algunas batallas sangrientas que evidencian la gravedad de su situación y momentos bastante intensos.

La película también resulta increíblemente singular por la forma en que construye su mundo oscuro y crudo, con apartamentos destartalados, pandillas y personajes que intentan sobrevivir en una zona de bajos ingresos. Todos estos elementos se muestran con claridad a lo largo de la película, lo que hace que los momentos más maduros de la historia funcionen. Este entorno realista cobra vida gracias al concepto de invasión alienígena, y este elemento de ciencia ficción, que normalmente no encajaría con este contexto, demuestra ser una parte fundamental de la trama. El misterio sobre por qué Angelino comienza a tener estas visiones tras un accidente es cada vez mayor, y resulta difícil ignorarlo.

Mutafukaz guarda un parecido con “Tekkonkinkreet” (2006), una de esas joyas infravaloradas de la animación, el cual vi y escribí de él en el blog. No alcanza el mismo nivel, pero la mezcla de dibujos tradicionales, la fotografía, los diseños y la animación es de primera categoría. El ritmo es vertiginoso, lo cual no sorprende dada la cantidad de trama que tiene que abarcar, y hacen un buen trabajo construyendo la locura y la tensión, evitando que se convierta en un torbellino constante de demencia. 

En cuanto a lo comercial, tal vez fue la película equivocada en el momento equivocado y para el público equivocado. No estoy seguro de por qué no tuvo más éxito; así que solo puedo esperar que encuentre un público (de culto) que la aprecie en los próximos años.

El sólido doblaje (español de España) es de destacar, sentí que todas las voces fluyeron de manera casi natural, y hubiese sido interesante tener un doblaje latino también.

Sin embargo, hay momentos en la historia que podría haber sido mejor, ya que suceden demasiadas cosas a la vez. Algunas sub-tramas y ciertos personajes secundarios no reciben suficiente atención como para desarrollarse por completo, por lo que parecen más una distracción que otra cosa. Es una lástima, porque disfruté mucho de algunas de sus personalidades extravagantes y sentí que podrían haber contribuido a la trama principal en lugar de desviarnos de ella.

El tono oscuro de la película también se mezcla con su humor, ya que sus protagonistas tienen una dinámica y una química cómica genial y divertida. Todo esto gracias a las excelentes interpretaciones de voz. Hacen un montón de referencias a la cultura pop y tienen un humor meta que al principio no me convenció del todo, pero que con el tiempo me acabó gustando.

En conjunto, las locuras y extravagancias la convierten en una película memorable e increíblemente original. Si bien algunos aspectos de la trama flaquean, sigue siendo una experiencia fluida y entretenida de principio a fin. Los dos ‘protas’ o los tres mejor dicho, son curiosos, disfrute muchos de sus personalidades. Y me sorprendió que en su banda sonora incluyeran canciones de reggaetón, la cual no se ve mucho en animaciones de este estilo, además de que le agrega una dosis de intensidad. Me gustó.

Director: Shoujirou Nishimi

Passenger (2026)

El Pasajero Del Diablo ★★★

Su enfoque narrativo, su ritmo y una atmósfera asfixiante me gustaron. Fue una pesadilla trepidante en la autopista.

Passenger narra la historia de una pareja cuyo viaje nocturno por un tramo remoto de la carretera se transforma poco a poco en algo cada vez más extraño e inquietante. Lo que comienza como un viaje ordinario rápidamente se convierte en paranoia, horror psicológico y encuentros perturbadores, a medida que la pareja se da cuenta de que algo anda muy mal mucho antes de comprender del todo a qué se enfrentan.

La película empieza con fuerza. La secuencia inicial presenta un plano secuencia que te atrapa de inmediato y marca el tono. Es tensa, inquietante y está dirigida sin pretensiones. Más adelante hay otro momento que involucra una secuencia de persecución en un aparcamiento casi vacío, y de nuevo, es el tipo de escena que te recuerda que su atmosfera va ser puro suspenso y tensión. Algunas de las escenas más tranquilas resultaron, más inquietantes que los momentos de terror más intensos. 

El problema es que hay ideas que resultan mucho más extrañas e interesantes de lo que la película se atreve a explorar. Al principio, la carretera interminable y el aislamiento constante crean una atmósfera onírica, como si los personajes estuvieran atrapados en algo de lo que no pueden escapar. Sinceramente, me hubiera gustado que la película profundizara más en ese aspecto, porque esos momentos fueron, sin duda, los mejores para mí.

En cambio, poco a poco se adentra en terrenos de terror mucho más familiares a medida que avanza. En el acto final, sobre todo, da la sensación de que la película deja de confiar en sus ideas más interesantes. Algunas partes del final de repente empieza a sentirse más predecible de lo que prometía la premisa original.

En cuanto a la interpretación, ‘Lou Llobell’ y ‘Jacob Scipio’ están bien. Ninguno ofrece una mala actuación. El mayor problema radica en que la relación entre ambos personajes no termina de cuajar emocionalmente, aunque creo que esto se debe más al guion que a los propios actores. Muchos de sus diálogos resultan algo forzados, lo que dificulta conectar con la historia cuando el aspecto emocional cobra mayor importancia. Dicho esto, hay escenas en las que ambos actores dejan entrever una profundidad emocional. Pero simplemente, la química no llega a ser lo suficientemente consistente.

Visualmente, la película logra mantener el interés, y hay momentos en que la atmósfera crea una auténtica sensación de inquietud. Sin embargo, nunca llega a explotarlas del todo. El ritmo decae ocasionalmente, el misterio pierde interés a medida que se revelan las respuestas, y la experiencia general se convierte en algo a veces frustrante.

La película luce genial, eso sí. El director sabe cómo usar la oscuridad a la perfección sin que resulte imposible ver nada. Las escenas nocturnas en la carretera, en particular, tienen una atmósfera realmente inquietante, y el diseño de sonido contribuye en gran medida a mantener esa tensión latente en segundo plano durante los momentos más tranquilos.

El problema del guion radica en su incapacidad para encontrar el equilibrio adecuado entre la dinámica de la pareja y la mitología del folclore del terror. Como resultado, las emociones fuertes siguen siendo escasas y distantes entre sí, incluso cuando se invierte más tiempo en explorar la reunión de personas que viven en furgonetas. Sigue siendo un problema muy específico porque los momentos de terror son ineficaces y están diseñados para funcionar solo de forma aislada. Serás testigo de un incidente aislado en la carretera que amenaza con aumentar el miedo, pero no se compromete del todo a crear una atmósfera de terror a su alrededor.

La mitología detrás del supuesto folclore es poco convincente, que apenas se basa en símbolos para comunicar el ángulo lógico de las cosas. Todo lo que obtienes es algo de información con la protagonista hojeando un libro que encuentra por casualidad en una librería. Esto, mientras ocurre después de un incidente aterrador en el estacionamiento que no fue captado por la cámara del auto. Desde una perspectiva estructural, el enfoque debería haber estado directamente en el folclore desde ese punto, pero en cambio lo que se obtiene son momentos acogedores seleccionados al azar, a menudo interrumpidos por situaciones de terror.

Passenger resulta frustrante por momentos. Aun así, la atmósfera funciona, un par de secuencias son memorables y es entretenida. Tiene algunos altibajos, pero nunca se desvía por completo de su rumbo y sigue siendo una película de terror disfrutable.

Director: André Øvredal

The Chaser (2008)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] [👎] MIXTO

No me gusto o tuve sentimientos encontrados al terminar de verla. Siento que los thriller de ese estilo medio tosco de asesinos seriales no han envejecido bien para mí, especialmente en películas de los 90s, 2000s incluso del 2010s, obviamente hay excepciones como la película Zodiaco (2007), pero las excepciones no hacen la regla. Aunque para ser sincero no soy fan de los thriller policiacos en general. Y fue estresante verla en el sentido de que su estilo brusco e intenso se me hacía monótono a lo largo de la película, tiene que haber un equilibrio para que las escenas intensas tengan más impacto. Por ejemplo otra película coreana “I Saw the Devil” (2010) lo hizo mejor, sus escenas fuertes tuvieron más impacto. Además no pude empatizar con casi ningún personaje.

La premisa de este thriller, un proxeneta persigue a un asesino en serie que ha secuestrado a una de sus chicas. El director ejecuta coreografiando un tenso juego del gato y el ratón en las calles de Seúl, al menos durante la primera media hora, hasta que el culpable es capturado y la persecución se convierte en una carrera contrarreloj para encontrar a la secuestrada. Parte de la tensión disminuye en el segundo acto ya que se vuelve algo lento y aburrida.

La búsqueda se convierte en una carrera contrarreloj, ya que el asesino solo puede ser detenido durante 12 horas sin pruebas, a pesar de haber confesado todo. Resulta curioso la forma en que se retrata a los policías: Incompetentes, dando vueltas en círculos, incapaces de conectar las pistas más simples, la imagen que se nos presenta recuerda mucho a otra película coreana "Memories of Murder" (2003) la cual me parece muy superior. No sorprende entonces que el proxeneta ex-detective, acabe convirtiéndose en un héroe involuntario. Su búsqueda comienza siendo egoísta, ya que simplemente su empresa no puede permitirse perder a otra chica.

El proxeneta es decir el protagonista es un hombre difícil de descifrar. Al menos durante la primera hora. Sigue siendo un personaje ambivalente, lo que le añade profundidad y permite al público sumergirse en la historia. Ya depende del espectador si logra empatizar con él, en mi caso no. Obliga a la chica aceptar un cliente a pesar de que está enferma. Por otro lado, también se preocupa por la seguridad de sus chicas. Sin embargo, su carrera y su círculo social se mantienen en una zona gris legal.

El asesino serial es todo lo contrario: desde el principio queda claro qué clase de monstruo es y sus motivos (aparte de la supuesta impotencia sexual). Esto podría considerarse demasiado simplista. Hubiera sido mejor que conservara al menos algunas facetas, porque aunque su personaje funciona como un villano vacío, su superficialidad es también uno de los puntos más débiles de la película.

Todas las demás actuaciones están a la altura, aunque ninguna destaca especialmente. Aun así, habría sido bueno que al menos uno de los policías hubiera mostrado algo de personalidad. En el aspecto técnico, ‘The Chaser’ sabe cómo cautivar al público: la casa, lúgubre y sucia, especialmente el baño del asesino. Además, el director utiliza ángulos de cámara y cortes dinámicos, estratégicamente ubicados en el momento justo. Nunca comete el error de priorizar los efectos técnicos sobre la historia, razón por la cual su trabajo se siente incómodamente realista, brutal y oscuro.

Si bien hay algunas escenas sangrientas, incluyendo un martillo usado como arma, el director no pierde la oportunidad de entrelazar toques de humor negro a lo largo de la película. Esto para mí no funciono del todo, ya que el contraste con las otras escenas, a menudo oscuras, no se siente ese impacto o equilibrio en su forma de narrar esta historia. En particular, la escena hacia el final de la película reduce nuestra reacción a gemidos de dolor de una lucha intensa, intentando derribar todos nuestros valores morales tradicionales, la cual se inspiró en “Seven” (1995), la cual confieso que si bien me gusto la película dirigida por David Fincher, igual considero que está sobrevalorada, pero eso ya es otro tema.

Es una lástima también que resulte un poco larga, con algunas tomas tal vez innecesariamente extensas. Las escenas de acción, o mejor dicho, las de lucha, son demasiado "auténticas", o mejor dicho, poco estéticas y algo aburridas. El final también es demasiado típico para el género. Aun así, como mencionó tengo sentimientos encontrados, este thriller tiene suficientes peculiaridades y un realismo bien logrado para mantenernos enganchados hasta el final.

Director: Na Hong-jin

Obsession (2026)

Obsesión -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Me gusto bastante pero por alguna razón se me hizo difícil calificarla con las famosas estrellitas, aunque le iba dar 4 estrellas pero mejor lo dejo en sin calificación. Eso sí, va estar en mi lista de las mejores del año junto con ‘Backrooms’, aunque en internet se menciona que se estrenó en 2025 en festivales, un pequeño dilema que tendré, igual será para el fin de año XD.

Bear (Michael Johnston), un tímido empleado de una tienda de música, está enamorado en secreto de su amiga de la infancia y compañera, Nikki (Inde Navarrette). Bear compra un amuleto místico llamado ‘One Wish Willow’ (un sauce de los deseos). Rompe una rama y desea que Nikki se enamore profundamente de él. El deseo se cumple, pero transforma a Nikki en una presencia hiper-dependiente, desquiciada y aterradora que destruye la vida de ambos.

La película parece sencilla, y en muchos sentidos lo es. Lo que la hace fascinante es que no se trata simplemente de otra historia sobre una mujer que enloquece peligrosamente por un amor obsesivo. El protagonista es el verdadero artífice de todo lo que sucede. Él creó la situación, y durante mucho tiempo se aprovecha de ella sin reparos. Sin embargo, incluso cuando reconoce su responsabilidad, no parece haber una salida fácil. Se construye escena tras escena una creciente incomodidad y violencia cada vez mayor, todo ello anclado en el comportamiento cada vez más errático de la protagonista Nikki, que pasa en un instante de la ternura a la brutalidad, de la devoción absoluta a la rabia explosiva, de las acusaciones a gritos intensos.

Tanto ‘Michael Johnston’ como ‘Inde Navarrette’ están brillantes a lo largo de la película, pero Navarrette destaca sin duda, robándose las mejores escenas, y su interpretación es muy creíble y genial. Es escalofriantemente buena en su transición de la Nikki normal a la Nikki obsesionada. Es una actuación muy física; Navarrette cambia su forma de moverse y hablar, dependiendo de cuán perdida se sienta dentro del deseo, y todo se funde en una amalgama de lo que Bear (el otro protagonista) creía que quería y el desvarío del amor forzado.

El guion le permite a Navarrette divertirse mucho interpretando a una persona obligada a hacer cosas que normalmente no haría. Consigue arrancar risas y sustos, al tiempo que nos recuerda que es prisionera en su propio cuerpo. Los personajes secundarios también contribuyen a generar ese ambiente de tensión y ambivalencia, a la vez que intensifican las cosas de maneras sorprendentes.

El director de fotografía realiza un trabajo excelente al crear una atmósfera de terror absoluto mediante el uso de sombras y espacios oscuros. Las tomas estáticas de la cámara, llenas de oscuridad y vacío, incitan al público adivinar qué podría estar oculto y observándolos fijamente. Además, toma lo que debería ser un escenario principal normal, la casa de Bear, y lo convierte en un capullo de soledad que solo empeora cuando Nikki se infiltra en él.

Obsession me sorprendió en cierto sentido por su originalidad, ya que podría haber resultado superficial, tanto en su premisa como en su ejecución. La sutil construcción del mundo contribuye a que la idea central de la película parezca potencialmente ambiciosa, pero sabiamente mantiene el enfoque en la difícil situación personal de Bear. Su particular estilo llevado al extremo, revitaliza un estilo de terror diferente a otras, ofreciendo una experiencia intensa, sangrienta y memorable gracias a su magnética y desquiciada coprotagonista.

Director: Curry Barker

Eiga Daisuki Pompo-san (Pompo: The Cinephile) (2021)

Pompo, la magia del cine ★★★

Curiosa película anime, que es una carta de amor al cine en su mirada más técnica que cinematográfica. Trata sobre la realidad de hacer una película, y cómo a veces, hay que hacer grandes sacrificios. Esta película no fue hecha para el público general, sino para quienes desean formar parte del proceso creativo del cine. Si disfrutas del arte de hacer películas, encontrarás algo interesante en la película y probablemente aprenderás algo.

En este mundo ficticio que es básicamente igual al nuestro, nos transportamos a “Nyallywood”, la versión ficticia de la capital del cine estadounidense, donde trabaja Pompo, la productora. Es una chica bajita y enérgica que come dulces o batidos constantemente, nieta de un famoso director, y creció rodeada de películas. Por lo tanto es una de las mejores en el negocio, que trabaja exclusivamente en películas de serie B (tanto porque son divertidas como por el desafío que representan para atraer al público). Ella es solo la productora, que pasa su tiempo corriendo entre sets de filmación, contratando actores y equipo, planificando y presupuestando todo.

Esperaba innumerables homenajes a otras películas de Hollywood, pero no había tantos. En realidad, trata sobre el proceso de realización cinematográfica, más que sobre el amor por el cine en sí. Trata sobre el casting, las relaciones profesionales, el trabajo en equipo, la retroalimentación y su correcta aplicación. Trata sobre rodar en exteriores y lidiar con el clima y otros factores ajenos al control del equipo. Trata sobre seguir el guion, pero también sobre probar nuevas ideas y escenas sobre la marcha. Y trata sobre el montaje, la parte que más le gusta a Gene: pero con casi 100 horas de metraje, ¿cómo puede llegar al montaje final antes del estreno? Entonces la realidad se impone cuando determina que se requieren regrabaciones y surgen problemas con los inversores de la película. Centrándose en la energía y el espíritu del trabajo en equipo y la producción artística, con sus altibajos.

Esta es la única película que recuerdo que logra que el proceso de edición resulte realmente interesante y por momentos épico. La película está llena de saltos en el tiempo hacia adelante y hacia atrás, pantallas divididas, títulos superpuestos y un montón de otros trucos. La duración oficial de esta película es exactamente 90 minutos, un gran guiño que cobra sentido después de verla. A veces, la película tiene tanta energía que la edición corre el riesgo de descarrilarse, pero todo se mantiene en el camino, y las historias y conclusiones complicadas tienen sentido sin perder al espectador. Además muestra el detrás de cámaras, donde la industria del entretenimiento está llena de productores desesperados por convertir en superestrellas a actores sin experiencia y arriesgarse con directores nuevos, dándoles el montaje final, incluso si eso casi lleva a la bancarrota la producción, simplemente porque les apasiona el proyecto. Y cabe destacar que en la película todos admiten abiertamente que la premisa de esta película ficticia es una farsa para ganar un Óscar, añadiendo que la profundidad de los personajes compensa la trillada premisa.

No se puede negar que este anime tiene buen corazón, incluso cuando es un poco brusco con sus filosofías. (Pompo argumenta que "Cinema Paradiso" es demasiado larga y, bueno, tal vez tenga razón), y por algunos tramos se hace aburrido e innecesario. Pero sin duda es una película entrañable sobre lo maravilloso que sería tener a alguien que apoye de verdad tu visión artística, y eso es algo genial con lo que fantasear, o si tienes mucha suerte, con lo que vivir.

Director: Takayuki Hirao

Moonrise Kingdom (2012)

Un reino bajo la luna ★★★★ [👍]

Wes Anderson hace películas muy singulares e interesantes, algunos les gusta y a otros no, la cual me parece excelente que se polarice esa cuestión en el arte, lo hace más entretenido. Por mi parte Moonrise Kingdom me pareció un estilo bien marcado y elegante del director.

Lo primero que destaca es su estética visual. Verla fue un deleite para la vista, posee una mirada artística y saca más partido que nunca a sus técnicas cinematográficas, cada una de las cuales revela algo sobre los personajes, sus conflictos y su universo. Los planos medios prolongados de dos personas conversando, siempre en perfecta armonía con el desarrollo de los personajes. Son recursos que se llevan utilizando, sin embargo, nunca han resultado tan efectivos ni tan impactantes como en esta.

El casting tiene un reparto genial: Edward Norton, Bruce Willis, Billy Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel. Cada personaje tiene una personalidad y una perspectiva únicas, y juntos crean una reflexión filosófica sobre el significado del amor y el autodescubrimiento. Norton interpreta a un líder scout divertido que se ve superado por las circunstancias cuando su tropa se desmorona. Vemos cómo su personaje supera su torpeza y sus dudas para convertirse en el líder que estaba destinado a ser. Bruce Willis lo hace genial también como un policía algo desaliñado pero bienintencionado.

Pero el eje central de Moonrise Kingdom es el amor adolescente entre Sam y Suzie, la cual depende casi por completo de la actuación de los niños/adolescente, por suerte, los dos protagonistas y todos sus compañeros hacen un trabajo excelente. Captura el romance y el misterio de la adolescencia: su absurdo, ternura, brutalidad y los hilarantes intentos por darle sentido a todo.

La banda sonora de la película me gusto también, donde incluye varias canciones de la leyenda del country ‘Hank Williams’, que además es uno de mis cantantes favoritos. Escuchamos la pegadiza melodía de "Kaw-Liga" en dos o tres escenas de la película, así como otras que se integran a la perfección en las armonías de fondo.

Todo ello se complementa con el estilo surrealista y el tono fantástico de la historia. El humor de la película es peculiar: todos los chistes parecen muy sutiles y educados, como si no debieras darte cuenta. Todo queda agridulce en el buen sentido; y se complemente a su manera en historias únicas sobre la transición a la adultez.

Wes Anderson nos transporta una vez más a un mundo singular y peculiar gracias a su ingenio visual, una producción impecable y un diseño de producción excepcional. Cada escena y diálogo es tan importante como la historia en sí, y la música y otros detalles sutiles se integran a la perfección en la película. Es una obra exquisitamente elaborada sobre un amor juvenil poco convencional, pero encantador y conmovedor. Me dejó con ganas de ver más.

Director: Wes Anderson