Truman (2015)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Una película contemplativa, lenta y bien hecha.

Dos amigos de la infancia se reencuentran tras años sin verse. Separados por el océano Atlántico, han forjado sus vidas en continentes distintos, pero al reencontrarse sienten como si nunca se hubieran separado. Julián (Ricardo Darín) y Tomás (Javier Cámara) pasarán unos días inolvidables juntos: riendo, recordando, llorando, porque su reencuentro es también su última despedida. Es una elegía a la amistad y al amor. Un retrato sincero del valor que se necesita para aceptar que la muerte es solo una parte más de la vida.

Es raro encontrar una película que retrate con tanta convicción la sinceridad y la profundidad de una amistad masculina duradera, y es mérito de ambos actores.

Fue interesantes los diferentes escenarios utilizados para explorar los temas principales. Los cuatro días de la visita de Tomás, Julián se encuentre con un considerable número de personas clave que han influido en su vida. No solo llegamos a comprender su relación con Tomás, sino también con su hijo, su ex-esposa, sus supuestos amigos y aquellos a quienes lastimó.

El hecho de contar con el talento combinado del español Javier Cámara y el argentino Ricardo Darín debería ser razón suficiente para que el público del cine de autor busque este tierno drama sobre un querido actor que debe reconciliarse con varios problemas existenciales, como encontrar un hogar para su perro, antes de despedirse en sus propios términos. Si bien no es que sea algo revolucionario, consigue algunos momentos interesantes y conmovedores.

Ambos actores tienen una relación casi íntima y cordial, el director se toma su tiempo para manejar su reintroducción, con el fiel perro de Julián, Truman, como catalizador (en lugar de los logros profesionales de Julián o sus relaciones pasadas) de los momentos más sinceros de la película. Decidir con qué familia o persona dejar a Truman se convierte en la última gran misión de Julián. Del mismo modo, un momento inesperado en un restaurante con un hombre al que una vez engañó conserva ese mismo anhelo de dejar el mundo mejor de cómo lo encontró. Estos momentos suelen funcionar mejor que algunos de los diálogos más filosóficos o reflexivos de Julián. Una cosa es llenarse de palabras reflexivas y otra pasar a la acción.

Javier Cámara tiene el personaje más difícil de desentrañar, aunque se desarrolla una sutil simpatía en sus escenas con personajes secundarios, como la prima de Julián, Paula, interpretada por la actriz ‘Dolores Fonzi’. Esto da pie a un romance casi improbable, que permite a estos personajes liberar algo de angustia distrayéndose con el placer.

El ‘Truman’ del título es su querida mascota, a la que necesita encontrar un hogar pronto antes de que ya no pueda cuidarlo. Los dos amigos visitan un par de posibles hogares, pero nunca es una parte de la historia que resulte creíble, pareciendo más un recurso para hacer avanzar la trama que un elemento convincente del desenlace de Julián. Incluso parece olvidarse del perro por un tiempo, centrándose en Julián, Tomás y la prima, Paula. Cuando el animal reaparece al final, sirve para brindar un cierre para el duelo y la aceptación. Si bien el tiempo que pasamos con el animal, por muy adorable que sea, aporta poco, no ocurre lo mismo con Julián y Tomás, quienes capturan la experiencia de enfrentarse a lo inafrontable y reconectar después de que sus vidas los hayan llevado por caminos diferentes. Esto es más que suficiente para que Truman valga la pena verla.

Director: Cesc Gay

Coneheads (1993)

Los Coneheads ★★½ [👍] [👎] MIXTO

Comedia absurda, por momentos curiosa aunque se nota que su estilo ha envejecido algo mal. Me sorprendió ver a Adam Sandler y al actor que hacía del hermano de Saul Goodman en ‘Better Call Saul’, Michael McKean. Ahondan en temáticas como la inmigración, la adaptación social específicamente a la clase media estadounidense con su hija adolescente rebelde, todo ello usando la parodia y comedia. La escena del dentista fue extravagante pero me gusto. Eso sí, hubo un montón clichés de películas ochenteras o noventeras de comedia. El factor nostalgia sigue presente al verla, porque fue de las primeras película de comedia que vi, habré tenido 5 o 6 años y lo vi por TV en el año 1999 o 2000.

En esta película aparecen comediantes famosos, algunos quienes reconocí principalmente por su rostro: Chris Farley, Michael Richards, Sinbad, Ellen DeGeneres, Eddie Griffin, Jason Alexander y por supuesto Adam Sandler; estoy seguro que hay muchos más pero mi conocimiento de comediantes yanquis no es tan basta que digamos. Ninguno de estos actores busca protagonismo, lo que hace que sus apariciones sean divertidas. Durante toda la película uno puede decir: ¡Oye, conozco a ese actor, lo vi en otras películas! XD.

Ver a extraterrestres de aspecto extraño, obviamente lo que más llama la atención son sus cabezas, afirmar ser de Francia, hablar con un tono monótono y usar un vocabulario de formalismo casi robótico al del lenguaje cotidiano para expresar las ideas más básicas ya resulta gracioso a su manera. Su concepto al mostrar cómo un par de extraterrestres varados intentan integrarse en la vida urbana y suburbana de Estados Unidos da lugar a todo tipo de situaciones cómicas.

Tal vez su potencial cómico se vio limitado dado que los chistes tienen poco tiempo para desarrollarse. Sobre todo al principio, hay poco tiempo para asimilar un chiste antes de que pasen al siguiente. Pero lo compensan con los temas que abordan: La fidelidad conyugal, el romance adolescente, la aplicación de la ley, los debates religiosos y la inmigración ilegal, aunque generalmente lo tratan de forma superficial y cómica. Eso sí, su parodia a la ciencia ficción pone una puesta en escena de viajes espaciales, sociedad extraterrestre y una pelea de monstruos con stop-motion.

Desafortunadamente, Coneheads al ser una comedia resulta mediocre ya sea por buscar el chiste más básico, la cual no tiene nada de malo, pero no está bien ejecutado, y hay que decirlo también, el paso de los años no lo ha beneficiado. Más allá de su uso del humor escatológico, los chistes restantes de la película se vuelven bastante predecibles y caen en un patrón repetitivo, donde los malentendidos sobre la cultura terrestre se intercalan con bromas sobre la fisiología y los patrones de habla únicos de los ‘Remulak’ (el mundo donde provienen).

Y aunque los actores hacen lo mejor que pueden con el material que les dan, una sub-trama romántica se tornó poco creíble. Esta trama gira en torno al creciente enamoramiento de Connie por Ronnie, un mecánico de automóviles interpretado por Chris Farley. Si bien Farley (que en paz descanse) era un hombre de muchos talentos, su apariencia de alguien de 18 años o algo así, resulta forzada y algo absurda.

La película tiene algunos elementos graciosos, basados en el humor a través de acciones y gestos sobre extraterrestres realizando tareas humanas cotidianas de maneras inusuales. El momento más divertido, sutil y discreto, fue cuando Connie Conehead realiza una zambullida sin salpicar durante la competición de su equipo del instituto. La gente que ni se da cuenta ni le importa la forma de sus cráneos, una vez que explican que son de Francia. Sin embargo, eso que lo vuelve divertida se torna en una dinámica repetitiva a lo largo de la película.

A pesar de los posibles defectos de la película, las actuaciones me gustaron para ser una comedia. Aykroyd y Jane Curtin están geniales como los padres Conehead, cada uno con sus voces robóticas de extraterrestres, además de mover sus cuerpos de maneras extrañas y alienígenas. El reparto principal era una constelación de estrellas de la comedia de los 90s.

Me gustó el concepto, pero sus momentos monótonos hace que pierda algo de gracia.

Director: Steve Barron

The Invite (2026)

La invitación ★★★

Primero lo primero, este remake es inferior al original, principalmente por sus personajes, de lejos ‘Sentimental’ tiene el mejor cuarteto. Me decepciono un poco además la actuación de Edward Norton, quizás este papel no era para él por el guión. Tuvieron sus momentos divertidos en la escena donde intercambian parejas, la música de Sade, pero después de eso no hubo mucho que ofrecer. Los diálogos fueron inferiores también. Quizás estoy siendo mezquino, pero el reparto me resulta poco creíble, no tanto por su actuación, sino por su presencia, no me convenció.

La película expresa nuestras inseguridades actuales y cuánto hemos perdido de vista la felicidad. Los secretos y las frustraciones ya no pueden ocultarse por las apariencias; durante una cena improvisada con otra pareja, los infelices esposos Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde, quien también dirige) se ven obligados a reflexionar sobre sí mismos y a confrontar las verdades tácitas que los han llevado a esa noche en particular.

Algunos aspectos se mantienen ambiguos, como la rotunda insistencia de Joe en que su antigua carrera musical en una banda de un solo éxito no vuelva a mencionarse (ni siquiera en el tocadiscos). La verdadera causa de la infelicidad de Angela también se mantiene en la ambigüedad, aunque gran parte de ella proviene de la infelicidad de Joe. En medio de todo esto se encuentra su hija, a quien no vemos, y que parece ser la única razón por la que intentan que algo funcione. Pero ambos están atrapados en una espiral de discusiones y antagonismo, y no tienen ni  idea de qué hacer cuando se enfrentan a sus vecinos de arriba, Hawk (Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja cariñosa y comprensiva que son polos opuestos a Joe y Angela, tanto en lo personal como en lo profesional.

Por un lado, tenemos el realismo de las tensiones de la vida moderna, profundamente arraigado en la relación de Joe y Angela. Desde su constante actitud defensiva especialmente entre ellos, sin mencionar cómo se comportan con Hawk y Pina, hasta la actitud hastiada y desconfiada de Joe y la desesperación de Angela por cualquier cambio en su rutina o una salida del bache en el que se encuentra, esta pareja pasa casi toda la película criticándose mutuamente por supuestas faltas y negligencias.

Seth Rogen interpreta a su personaje con un arrepentimiento sombrío, añorando la vida divertida que Joe solía tener y los buenos momentos que pasaba con Angela, molesto porque el mundo lo ha relegado a este pequeño rincón para que se marchite y se vuelva inútil. Incluso su piano, en el que probablemente compuso gran parte de la música de su banda, permanece cerrado con llave y sin usar. Su conflicto con sus vecinos proviene sobre todo cuando Hawk y Pina los mantienen despiertos a él y a Angela con ruidos sexuales fuertes, a veces a las 3 de la mañana.

Lo que aqueja a Joe y Angela es la falta de sinceridad entre ellos y con respecto a sus deseos. Así que, cuando Hawk y Pina los visitan con la excusa de ver su apartamento recién reformado, Joe y Angela se sorprenden de lo relajados y abiertos que son entre sí, por no hablar de lo impactados que quedan por la franqueza de Hawk y Pina con ellos. Incluso son directos con el motivo de los ruidos sexuales, que Pina y Hawk no tienen inconveniente en comentar, pero que está totalmente fuera de la normalidad y la perspectiva de vida de Joe y Angela. Y cuando Pina y Hawk les dicen que hay otro motivo de su visita, es cuando la relación de Joe y Angela se pone aún más en tela de juicio.

En contraste, Penélope Cruz y Edward Norton interpretan a Pina y Hawk como personas relajadas y despreocupadas. Sin hijos, libres y comprensivos, parecen ser el tipo de personas que Joe y Angela podrían haber sido si se hubieran centrado en su felicidad y hubieran seguido adelante juntos. Parte de la diversión reside en ver a Cruz interpretar a una mujer seductora, pero es la inteligencia de su personaje la que cobra mayor importancia a medida que avanza la película, y es curioso presenciar la transformación gradual de Pina, de seductora a analítica, sin perder su atractivo. Del mismo modo, Norton se une a Cruz al mostrar cómo la vida lo ha cambiado, optando por un camino mejor y más altruista hacia la felicidad.  Norton le otorga a Hawk un temperamento más sabio, combinado con una seguridad y confianza inquebrantables en cada paso que da hacia su objetivo y el de Pina. Pero como mencione, la presencia de Norton no me convenció del todo, su contraparte de ‘Sentimental’ lo hizo mejor más directo y creíble,  aunque esa afirmación me lleva a una pregunta que lo plantearé más adelante.

Olivia Wilde equilibra la ira, la sensualidad y una desesperación cansada para crear este torpe y desesperado intento de salvar el matrimonio de Joe y Angela, o por el contrario, darle el golpe de gracia. La cuestión no es dónde terminarán, sino dónde están ahora y qué están dispuestos a hacer al respecto. Joe y Angela tienen lo que necesitan, pero en lo que parecen ser los últimos momentos de su relación, están tan a la defensiva y cansados como para entregarse el uno al otro. Y cuando sus posibles futuros yo alternativos se ven reflejados en Hawk y Pina, no saben si luchar o rendirse. Eso sí, la película no pretende decir nada profundo; simplemente nos invita a observar lo que hay y lo que les impide ser más como pareja.

Ahora me pregunto, ¿Qué hubiera pasado si hubiese visto primero esta versión y después la original? Quizás no le hubiese puesto 3 estrellas sino 3.5 XD. Pero estoy seguro que si hubiese visto el original después, igual me seguiría quedando con el original. Y también no criticaría tanto la inclusión y la presencia de Norton XD. Sin duda el tiempo y el momento son importantes cuando uno ve cine, porque eso cambia tu perspectiva y reflexión.

Directora: Olivia Wilde

Mutafukaz (2017)

★★★★ [👍]

La historia se desarrolla con un enfoque en las comunidades afroamericanas y latinas, la cual no se ve mucho en animaciones cuasi de nicho como esta. Por eso me parece interesante, además de que está bien ejecutado a su manera.

Angelino es un huérfano que vive en un apartamento destartalado con su amigo Vinz. Su vida es bastante monótona y aburrida, pero lo que ignora es que una organización secreta lo sigue de cerca. La razón es simple: Angelino posee poderes ocultos, aunque por ahora permanecen latentes. Cuando un camión lo atropella de camino a casa, algo se despierta en su interior y comienza a ver extrañas apariciones. Angelino no tiene mucho tiempo para reflexionar, ya que esa misma noche su apartamento queda destrozado a tiros, él y Vinz deben desaparecer sin dejar rastro durante un tiempo. Es el comienzo de una aventura de lo más alocada.

La película no oculta su inspiración en diversas influencias culturales. El estilo de animación tiene una clara (aunque alternativa) estética anime, mientras que los personajes presentan rasgos más occidentales. El ambiente urbano y marginal sitúa la película en suelo estadounidense, y las guerras de pandillas y los elementos de lucha libre hacen referencia a las comunidades minoritarias que conforman el trasfondo de la historia. Pero además hay una invasión alienígena, lo que añade toques de fantasía, algo terror y ciencia ficción. Percibo también una influencia de ‘Venom’ de Marvel en las secuencias de lucha de Angelino, mezclada con un humor al estilo Deadpool. Además, Angelino protagoniza algunas batallas sangrientas que evidencian la gravedad de su situación y momentos bastante intensos.

La película también resulta increíblemente singular por la forma en que construye su mundo oscuro y crudo, con apartamentos destartalados, pandillas y personajes que intentan sobrevivir en una zona de bajos ingresos. Todos estos elementos se muestran con claridad a lo largo de la película, lo que hace que los momentos más maduros de la historia funcionen. Este entorno realista cobra vida gracias al concepto de invasión alienígena, y este elemento de ciencia ficción, que normalmente no encajaría con este contexto, demuestra ser una parte fundamental de la trama. El misterio sobre por qué Angelino comienza a tener estas visiones tras un accidente es cada vez mayor, y resulta difícil ignorarlo.

Mutafukaz guarda un parecido con “Tekkonkinkreet” (2006), una de esas joyas infravaloradas de la animación, el cual vi y escribí de él en el blog. No alcanza el mismo nivel, pero la mezcla de dibujos tradicionales, la fotografía, los diseños y la animación es de primera categoría. El ritmo es vertiginoso, lo cual no sorprende dada la cantidad de trama que tiene que abarcar, y hacen un buen trabajo construyendo la locura y la tensión, evitando que se convierta en un torbellino constante de demencia. 

En cuanto a lo comercial, tal vez fue la película equivocada en el momento equivocado y para el público equivocado. No estoy seguro de por qué no tuvo más éxito; así que solo puedo esperar que encuentre un público (de culto) que la aprecie en los próximos años.

El sólido doblaje (español de España) es de destacar, sentí que todas las voces fluyeron de manera casi natural, y hubiese sido interesante tener un doblaje latino también.

Sin embargo, hay momentos en la historia que podría haber sido mejor, ya que suceden demasiadas cosas a la vez. Algunas sub-tramas y ciertos personajes secundarios no reciben suficiente atención como para desarrollarse por completo, por lo que parecen más una distracción que otra cosa. Es una lástima, porque disfruté mucho de algunas de sus personalidades extravagantes y sentí que podrían haber contribuido a la trama principal en lugar de desviarnos de ella.

El tono oscuro de la película también se mezcla con su humor, ya que sus protagonistas tienen una dinámica y una química cómica genial y divertida. Todo esto gracias a las excelentes interpretaciones de voz. Hacen un montón de referencias a la cultura pop y tienen un humor meta que al principio no me convenció del todo, pero que con el tiempo me acabó gustando.

En conjunto, las locuras y extravagancias la convierten en una película memorable e increíblemente original. Si bien algunos aspectos de la trama flaquean, sigue siendo una experiencia fluida y entretenida de principio a fin. Los dos ‘protas’ o los tres mejor dicho, son curiosos, disfrute muchos de sus personalidades. Y me sorprendió que en su banda sonora incluyeran canciones de reggaetón, la cual no se ve mucho en animaciones de este estilo, además de que le agrega una dosis de intensidad. Me gustó.

Director: Shoujirou Nishimi

Passenger (2026)

El Pasajero Del Diablo ★★★

Su enfoque narrativo, su ritmo y una atmósfera asfixiante me gustaron. Fue una pesadilla trepidante en la autopista.

Passenger narra la historia de una pareja cuyo viaje nocturno por un tramo remoto de la carretera se transforma poco a poco en algo cada vez más extraño e inquietante. Lo que comienza como un viaje ordinario rápidamente se convierte en paranoia, horror psicológico y encuentros perturbadores, a medida que la pareja se da cuenta de que algo anda muy mal mucho antes de comprender del todo a qué se enfrentan.

La película empieza con fuerza. La secuencia inicial presenta un plano secuencia que te atrapa de inmediato y marca el tono. Es tensa, inquietante y está dirigida sin pretensiones. Más adelante hay otro momento que involucra una secuencia de persecución en un aparcamiento casi vacío, y de nuevo, es el tipo de escena que te recuerda que su atmosfera va ser puro suspenso y tensión. Algunas de las escenas más tranquilas resultaron, más inquietantes que los momentos de terror más intensos. 

El problema es que hay ideas que resultan mucho más extrañas e interesantes de lo que la película se atreve a explorar. Al principio, la carretera interminable y el aislamiento constante crean una atmósfera onírica, como si los personajes estuvieran atrapados en algo de lo que no pueden escapar. Sinceramente, me hubiera gustado que la película profundizara más en ese aspecto, porque esos momentos fueron, sin duda, los mejores para mí.

En cambio, poco a poco se adentra en terrenos de terror mucho más familiares a medida que avanza. En el acto final, sobre todo, da la sensación de que la película deja de confiar en sus ideas más interesantes. Algunas partes del final de repente empieza a sentirse más predecible de lo que prometía la premisa original.

En cuanto a la interpretación, ‘Lou Llobell’ y ‘Jacob Scipio’ están bien. Ninguno ofrece una mala actuación. El mayor problema radica en que la relación entre ambos personajes no termina de cuajar emocionalmente, aunque creo que esto se debe más al guion que a los propios actores. Muchos de sus diálogos resultan algo forzados, lo que dificulta conectar con la historia cuando el aspecto emocional cobra mayor importancia. Dicho esto, hay escenas en las que ambos actores dejan entrever una profundidad emocional. Pero simplemente, la química no llega a ser lo suficientemente consistente.

Visualmente, la película logra mantener el interés, y hay momentos en que la atmósfera crea una auténtica sensación de inquietud. Sin embargo, nunca llega a explotarlas del todo. El ritmo decae ocasionalmente, el misterio pierde interés a medida que se revelan las respuestas, y la experiencia general se convierte en algo a veces frustrante.

La película luce genial, eso sí. El director sabe cómo usar la oscuridad a la perfección sin que resulte imposible ver nada. Las escenas nocturnas en la carretera, en particular, tienen una atmósfera realmente inquietante, y el diseño de sonido contribuye en gran medida a mantener esa tensión latente en segundo plano durante los momentos más tranquilos.

El problema del guion radica en su incapacidad para encontrar el equilibrio adecuado entre la dinámica de la pareja y la mitología del folclore del terror. Como resultado, las emociones fuertes siguen siendo escasas y distantes entre sí, incluso cuando se invierte más tiempo en explorar la reunión de personas que viven en furgonetas. Sigue siendo un problema muy específico porque los momentos de terror son ineficaces y están diseñados para funcionar solo de forma aislada. Serás testigo de un incidente aislado en la carretera que amenaza con aumentar el miedo, pero no se compromete del todo a crear una atmósfera de terror a su alrededor.

La mitología detrás del supuesto folclore es poco convincente, que apenas se basa en símbolos para comunicar el ángulo lógico de las cosas. Todo lo que obtienes es algo de información con la protagonista hojeando un libro que encuentra por casualidad en una librería. Esto, mientras ocurre después de un incidente aterrador en el estacionamiento que no fue captado por la cámara del auto. Desde una perspectiva estructural, el enfoque debería haber estado directamente en el folclore desde ese punto, pero en cambio lo que se obtiene son momentos acogedores seleccionados al azar, a menudo interrumpidos por situaciones de terror.

Passenger resulta frustrante por momentos. Aun así, la atmósfera funciona, un par de secuencias son memorables y es entretenida. Tiene algunos altibajos, pero nunca se desvía por completo de su rumbo y sigue siendo una película de terror disfrutable.

Director: André Øvredal

The Chaser (2008)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] [👎] MIXTO

No me gusto o tuve sentimientos encontrados al terminar de verla. Siento que los thriller de ese estilo medio tosco de asesinos seriales no han envejecido bien para mí, especialmente en películas de los 90s, 2000s incluso del 2010s, obviamente hay excepciones como la película Zodiaco (2007), pero las excepciones no hacen la regla. Aunque para ser sincero no soy fan de los thriller policiacos en general. Y fue estresante verla en el sentido de que su estilo brusco e intenso se me hacía monótono a lo largo de la película, tiene que haber un equilibrio para que las escenas intensas tengan más impacto. Por ejemplo otra película coreana “I Saw the Devil” (2010) lo hizo mejor, sus escenas fuertes tuvieron más impacto. Además no pude empatizar con casi ningún personaje.

La premisa de este thriller, un proxeneta persigue a un asesino en serie que ha secuestrado a una de sus chicas. El director ejecuta coreografiando un tenso juego del gato y el ratón en las calles de Seúl, al menos durante la primera media hora, hasta que el culpable es capturado y la persecución se convierte en una carrera contrarreloj para encontrar a la secuestrada. Parte de la tensión disminuye en el segundo acto ya que se vuelve algo lento y aburrida.

La búsqueda se convierte en una carrera contrarreloj, ya que el asesino solo puede ser detenido durante 12 horas sin pruebas, a pesar de haber confesado todo. Resulta curioso la forma en que se retrata a los policías: Incompetentes, dando vueltas en círculos, incapaces de conectar las pistas más simples, la imagen que se nos presenta recuerda mucho a otra película coreana "Memories of Murder" (2003) la cual me parece muy superior. No sorprende entonces que el proxeneta ex-detective, acabe convirtiéndose en un héroe involuntario. Su búsqueda comienza siendo egoísta, ya que simplemente su empresa no puede permitirse perder a otra chica.

El proxeneta es decir el protagonista es un hombre difícil de descifrar. Al menos durante la primera hora. Sigue siendo un personaje ambivalente, lo que le añade profundidad y permite al público sumergirse en la historia. Ya depende del espectador si logra empatizar con él, en mi caso no. Obliga a la chica aceptar un cliente a pesar de que está enferma. Por otro lado, también se preocupa por la seguridad de sus chicas. Sin embargo, su carrera y su círculo social se mantienen en una zona gris legal.

El asesino serial es todo lo contrario: desde el principio queda claro qué clase de monstruo es y sus motivos (aparte de la supuesta impotencia sexual). Esto podría considerarse demasiado simplista. Hubiera sido mejor que conservara al menos algunas facetas, porque aunque su personaje funciona como un villano vacío, su superficialidad es también uno de los puntos más débiles de la película.

Todas las demás actuaciones están a la altura, aunque ninguna destaca especialmente. Aun así, habría sido bueno que al menos uno de los policías hubiera mostrado algo de personalidad. En el aspecto técnico, ‘The Chaser’ sabe cómo cautivar al público: la casa, lúgubre y sucia, especialmente el baño del asesino. Además, el director utiliza ángulos de cámara y cortes dinámicos, estratégicamente ubicados en el momento justo. Nunca comete el error de priorizar los efectos técnicos sobre la historia, razón por la cual su trabajo se siente incómodamente realista, brutal y oscuro.

Si bien hay algunas escenas sangrientas, incluyendo un martillo usado como arma, el director no pierde la oportunidad de entrelazar toques de humor negro a lo largo de la película. Esto para mí no funciono del todo, ya que el contraste con las otras escenas, a menudo oscuras, no se siente ese impacto o equilibrio en su forma de narrar esta historia. En particular, la escena hacia el final de la película reduce nuestra reacción a gemidos de dolor de una lucha intensa, intentando derribar todos nuestros valores morales tradicionales, la cual se inspiró en “Seven” (1995), la cual confieso que si bien me gusto la película dirigida por David Fincher, igual considero que está sobrevalorada, pero eso ya es otro tema.

Es una lástima también que resulte un poco larga, con algunas tomas tal vez innecesariamente extensas. Las escenas de acción, o mejor dicho, las de lucha, son demasiado "auténticas", o mejor dicho, poco estéticas y algo aburridas. El final también es demasiado típico para el género. Aun así, como mencionó tengo sentimientos encontrados, este thriller tiene suficientes peculiaridades y un realismo bien logrado para mantenernos enganchados hasta el final.

Director: Na Hong-jin

Obsession (2026)

Obsesión -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Me gusto bastante pero por alguna razón se me hizo difícil calificarla con las famosas estrellitas, aunque le iba dar 4 estrellas pero mejor lo dejo en sin calificación. Eso sí, va estar en mi lista de las mejores del año junto con ‘Backrooms’, aunque en internet se menciona que se estrenó en 2025 en festivales, un pequeño dilema que tendré, igual será para el fin de año XD.

Bear (Michael Johnston), un tímido empleado de una tienda de música, está enamorado en secreto de su amiga de la infancia y compañera, Nikki (Inde Navarrette). Bear compra un amuleto místico llamado ‘One Wish Willow’ (un sauce de los deseos). Rompe una rama y desea que Nikki se enamore profundamente de él. El deseo se cumple, pero transforma a Nikki en una presencia hiper-dependiente, desquiciada y aterradora que destruye la vida de ambos.

La película parece sencilla, y en muchos sentidos lo es. Lo que la hace fascinante es que no se trata simplemente de otra historia sobre una mujer que enloquece peligrosamente por un amor obsesivo. El protagonista es el verdadero artífice de todo lo que sucede. Él creó la situación, y durante mucho tiempo se aprovecha de ella sin reparos. Sin embargo, incluso cuando reconoce su responsabilidad, no parece haber una salida fácil. Se construye escena tras escena una creciente incomodidad y violencia cada vez mayor, todo ello anclado en el comportamiento cada vez más errático de la protagonista Nikki, que pasa en un instante de la ternura a la brutalidad, de la devoción absoluta a la rabia explosiva, de las acusaciones a gritos intensos.

Tanto ‘Michael Johnston’ como ‘Inde Navarrette’ están brillantes a lo largo de la película, pero Navarrette destaca sin duda, robándose las mejores escenas, y su interpretación es muy creíble y genial. Es escalofriantemente buena en su transición de la Nikki normal a la Nikki obsesionada. Es una actuación muy física; Navarrette cambia su forma de moverse y hablar, dependiendo de cuán perdida se sienta dentro del deseo, y todo se funde en una amalgama de lo que Bear (el otro protagonista) creía que quería y el desvarío del amor forzado.

El guion le permite a Navarrette divertirse mucho interpretando a una persona obligada a hacer cosas que normalmente no haría. Consigue arrancar risas y sustos, al tiempo que nos recuerda que es prisionera en su propio cuerpo. Los personajes secundarios también contribuyen a generar ese ambiente de tensión y ambivalencia, a la vez que intensifican las cosas de maneras sorprendentes.

El director de fotografía realiza un trabajo excelente al crear una atmósfera de terror absoluto mediante el uso de sombras y espacios oscuros. Las tomas estáticas de la cámara, llenas de oscuridad y vacío, incitan al público adivinar qué podría estar oculto y observándolos fijamente. Además, toma lo que debería ser un escenario principal normal, la casa de Bear, y lo convierte en un capullo de soledad que solo empeora cuando Nikki se infiltra en él.

Obsession me sorprendió en cierto sentido por su originalidad, ya que podría haber resultado superficial, tanto en su premisa como en su ejecución. La sutil construcción del mundo contribuye a que la idea central de la película parezca potencialmente ambiciosa, pero sabiamente mantiene el enfoque en la difícil situación personal de Bear. Su particular estilo llevado al extremo, revitaliza un estilo de terror diferente a otras, ofreciendo una experiencia intensa, sangrienta y memorable gracias a su magnética y desquiciada coprotagonista.

Director: Curry Barker