Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023)

A través del Spider-Verso ★★★★½ ✂ [👍]

Hay mucho que analizar en esta película, y si bien el guion hace un buen trabajo al presentarlo todo, es el trío de directores quienes realmente merecen elogios por guiar este viaje de superhéroes, ya que nunca se siente tan larga y tiene un ritmo relativamente bueno. Siempre hay algo que ver, algún personaje excéntrico, otro que aprende algo o algún tipo de gran revelación. Por lo tanto, la película logra mantenernos (a los que les gusto) interesados en ella y hace un gran trabajo al mantener esta secuela de Spider-Man atractiva y entretenida de principio a fin.

Por sus temas y conceptos morales, logra integrar de buena manera estos mensajes en la narrativa principal sin que resulten forzados. En realidad, los temas de la película son el corazón de su narrativa, mostrando la relación causa-efecto de las situaciones y cómo algunas cosas están predestinadas o predeterminadas y no pueden alterarse. Sin embargo, también es cierto que algunas cosas pueden cambiar, como se ve en el viaje de Miles, y la aceptación de las diferencias puede ser la clave para la salvación. Es una secuela que cumple con su premisa: una épica multi-versal (en su primera mitad) que se mantiene fiel a los personajes y la mitología de la película anterior, a la vez que desarrolla una aventura épica.

Su estilo visual se expande al mostrar nuevos escenarios y lugares, especialmente la ciudad inspirada en la India para Nueva York, llamada "Mumbahattan", y el vasto paisaje donde la Sociedad Arácnida llama hogar del universo de Miguel O'Hara. El diseño de producción, la dirección de arte, el diseño de los personajes y su vestuario, y la animación ayuda a elevar la valla para las películas animadas venideras. Además, la dirección de la película también da lugar a algunas tomas cinematográficas increíbles e impresionantes que continúan construyendo sobre una gran dinámica de diferentes estilos de animación. La banda sonora es genial a lo largo de toda la película y sin duda aporta la estética de superhéroes modernos, haciendo su acción trepidante y con momentos más tranquilos o contemplativos.

El principal antagonista de la película, la Mancha, un antiguo científico convertido en super-villano tras un accidente (causado por Miles), cuyo cuerpo ahora está cubierto de portales inter-dimensionales. Empieza como una amenaza criminal de bajo nivel, pero después se convierte en una amenaza mucho mayor para todos los personajes y en el villano principal de este conflicto multi-versal. Además de que la Mancha es visualmente impresionante donde no tengo dudas de la influencia del anime, porque sus poderes con esa aura de poder y resplandor es muy característico del 'shonen'.

Otra influencia muy marcada es el gran impacto que ha tenido ‘Deadpool’ principalmente con sus dos primeras película, por opinión personal más la segunda, que en cierta manera revolucionó el cine de superhéroes al demostrar que el público masivo conectaba profundamente con el humor ácido, la ironía y la irreverencia. Si bien personajes como el Spider-Man de Miles Morales no replican el contenido adulto de Deadpool, sí heredaron y adaptaron su agilidad mental, el uso de la comedia meta e irónica, y la deconstrucción del género.

Antes de Deadpool, las películas de superhéroes tendían a tomarse muy en serio o a usar un humor más blanco y tradicional. Deadpool popularizó la ruptura de la cuarta pared y el chiste "meta" (reírse de los propios clichés del cine de cómics). El impacto en la saga animada comenzando con “Spider-Man: Into the Spider-Verse” (2018), el uso de la voz en off, los chistes sobre el origen del personaje, y la constante burla a las dinámicas de los superhéroes clásicos son una evolución directa de esa autoconsciencia que Deadpool demostró que era comercialmente viable. Esto abrió la puerta para que personajes como Miles Morales pudieran mostrarse vulnerables, cometer errores graves, admitir que no quieren ser héroes en ciertos momentos y lidiar con el fracaso de una manera mucho más humana y terrenal. Y esa personalidad irreverente también se ve en la Mancha, que ascendió a nivel Deadpool porque tiene una personalidad divertida cómica a su manera, y hasta lo mismo se podría decir del ‘Spider-Man Punk’.

La parte dramática no me convence del todo, yo sé que está abarcando una temática universal y familiar, pero Miles Morales a pesar de que tiene 15 años, su personalidad es de alguien de 30 para la sociedad de hoy, eso no se puede negar, donde quizás se hubiese jugado con eso también. Me he dado cuenta (según mi percepción seguramente errada) que de manera meticulosa la temática del “maternalismo” empieza a ser repetitivo y algo simplón en sus escenas, los de Sony saben que puede causar aburrimiento incluso rechazo porque es un tópico monótono y cliché, pero lo saben sobrellevar con la comedia y la revelación de algún secreto. El giro de guion en el tramo final fue genial, y deja muy claro una tercera entrega.

Sin duda fue una de las mejores películas de ese año, y si quieres disfrutarla aún mas aunque igual lo vas a disfrutar, tienes que ver la anterior película, para que algún detalle no se te pierda en el camino, especialmente en el suspenso del final.

Directores: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson

Midnight Cowboy (1969)

Cowboy de medianoche

★★★★½ ESENCIAL ✂ [👍]

Los primeros 35 o 40 minutos es cine: bien montado, bien editado, dinámico escena tras escena, me impresiono. Las escenas psicodélicas también estuvieron geniales. El final fue un poco seco pero lo entiendo. Una película sin duda esencial por su estilo y temática, y se convirtió en una de mis favoritas de la década del 60s.

La versión que yo tengo tiene dos doblajes: español Latinoamericano y español de España, no me convencieron y decidí verlo escucharlo en su idioma original, con subtítulos, y creo que fue la mejor decisión para disfrutar aún más de la película.

Joe Buck, un joven ingenuo pero convencido, rubio y fanático de los vaqueros de Texas, decide dejar su trabajo de lavaplatos, y vestido como sus ídolos de la infancia, probar suerte en Nueva York, complaciendo a mujeres solitarias y adineradas a cambio de dinero, ser un “Hustler”. Sus sueños de trabajar como gigoló y la alegría con la que afronta su aventura —tanto literal como metafórica— se asemejan a los de aspirantes a actores y cantantes, que se esfuerzan por capitalizar su talento convirtiéndose en estrellas, reconocidas y adoradas por todos. Para Buck, escuchar un programa de radio de camino a Nueva York en el que las mujeres describen el tipo de hombre que buscan, solo alimenta sus fantasías sobre la suerte y la prosperidad que le esperan en la Gran Manzana, donde su único talento —el amor— será apreciado y aprovechado al máximo. Ni por un momento se le ocurre que ganarse la vida en las calles de Nueva York no es tan maravilloso como parece, y que no hay tantas mujeres dispuestas a acostarse con alguien vestido de vaquero y pagarle después. Otra cosa que no se le pasa por la cabeza es que, dado su trabajo, los hombres homosexuales serían clientes mucho más adecuados y dispuestos. Nueva York pronto demuestra ser una amante caprichosa, que te recibe con los brazos abiertos solo para devorarte y escupirte después de hacer contigo lo que quiera. Un encuentro así resulta ser bastante fortuito: al conocer a "Ratso" Rizzo, un estafador sin hogar y cojo que sueña con mudarse a Florida, Joe empieza a creer que su suerte ha cambiado y que podría haber encontrado a su "mánager", solo para darse cuenta de que está equivocado muy pronto. A pesar de un comienzo difícil y fraudulento, los dos se convierten en compañeros improbables, viviendo juntos en un edificio abandonado sin electricidad ni calefacción y ganando rara vez un par de dólares, gracias a la habilidad de Rizzo para robar carteras y sus tácticas de distracción. La carrera de gigoló de Joe no termina de despegar; solo consigue concertar un par de encuentros sexuales, dos de ellos con hombres, y ninguno termina bien ni para Joe ni para la otra persona.

La soledad, consecuencia de la marginación que sufren estos dos personajes, impregna cada fotograma de Midnight Cowboy, filmada magistralmente, cuya cámara captura el microcosmos crudo y realista de los bajos fondos de Nueva York en la década de 1960. La magnitud de la pobreza de los personajes no se transmite a través de conversaciones o monólogos ocasionales, sino que se evidencia en diversas situaciones que retratan la vida cotidiana de los dos amigos. Ambos son personas con grandes ilusiones —Joe fantasea con triunfar como “Hustler” y Rizzo sueña con una vida bajo el sol de Florida— y con razón. Si no fuera por sus ilusiones de un futuro brillante que acecha a la vuelta de la esquina, ligeramente fuera de su alcance pero aún alcanzable, habrían renunciado a la vida hace mucho tiempo. Son sus delirios los que les ayudan a mantener a raya la abrumadora sensación de soledad, permitiéndoles conservar la cordura y las ganas de vivir. Este tipo de retrato visceral es lo que convierte a la película en una obra cinematográfica verdaderamente triunfal, ofreciéndonos una de las representaciones más desgarradoras, crudas y profundamente empáticas de la indigencia que jamás pedimos, pero que sin duda necesitábamos. En muchas películas, la pobreza se presenta como un obstáculo a superar, una circunstancia de la que hay que liberarse, una tribulación que a menudo es necesaria para que un protagonista alcance la vida que realmente le corresponde. Pero en la película de Schlesinger, no hay un "antes" ni un "después". En la película de Schlesinger, la tribulación de la pobreza extrema no constituye el punto de partida, sino la totalidad de la trama. No hay liberación ni catarsis, solo diferentes variaciones y grados del statu quo. Se nos ofrece una visión del submundo oculto de la ciudad de Nueva York (y de cualquier ciudad del mundo en cualquier década, ya que la falta de vivienda es un fenómeno tan antiguo como el tiempo), un mundo que resulta muy fácil evitar y al que se puede hacer la vista gorda. Pero Midnight Cowboy hace que nos sea imposible apartar la mirada y nos enfrenta sin tapujos las facetas de la experiencia de una persona sin hogar que preferiríamos ignorar, pues tienen el poder de reflejar nuestros propios miedos a la carencia, la pérdida y la soledad.

Hubo una escena en particular que se convirtió en un clásico, y según Hoffman y Voight, fue completamente improvisada. Se trata, por supuesto, de la famosa escena de “I'm walkin' here!” ("¡Estoy caminando aquí!"), en la que Buck y Rizzo hablan mientras cruzan la calle cuando de repente, un taxi casi atropella a Rizzo, quien a su vez empieza a golpear el auto y a exclamar: "¡Estoy caminando aquí!".

Los flashbacks también son parte importante de su narrativa. Donde vemos la crianza del protagonista por parte de su abuela, una mujer a la que le gustaban los hombres y los masajes que recibía de un jovencito Joe. Luego, se muestran imágenes de él y Annie, aparentemente su primer y único amor. La historia no terminó bien, ya que Joe y Annie fueron violados por una pandilla de jóvenes y Annie se convirtió en la "loca Annie" y fue internada en una institución mental.

A pesar de lo traumático que fue el pasado de Joe con lo de Annie, la película logra enfatizar el poder que las mujeres ejercen sobre el joven tejano. Joe está fascinado por las mujeres, empezando por su abuela y Annie, y mientras viaja en autobús de Texas a Nueva York, sonríe y habla con algunas de ellas, sean más jóvenes o mayores. También escucha en la radio una entrevista con mujeres sexualmente liberadas y se emociona bastante, pensando que ligará con muchas de ellas una vez que llegue a Nueva York con su atractivo atuendo de vaquero que lo hacen un ‘galán’, aunque admite que no es un muy buen vaquero en un sentido tradicional. De hecho, Joe sabe muy poco sobre las mujeres de Nueva York, sobre las mujeres en general e incluso sobre sí mismo. Cree que solo es bueno en una cosa: hacer el amor, tener sexo, así que en un momento dado concluyó que podía ganar dinero con ello, dejó su trabajo de lavaplatos y se subió a un autobús en busca de nuevas experiencias.

Las secuencias iniciales y final de la película están memorablemente conectadas con una canción interpretada por Harry Nilsson, "Everybody's Talkin'", compuesta e interpretada originalmente por Fred Neil, y se relaciona con la idea de que Joe pasa la vida escuchando a todas esas mujeres, su radio, a Ratso, pero en realidad no escucha. Como ilustración musical encaja a la perfección, y no solo por la letra, también por la melodiosa voz de  Nilsson, te hace esperar algo con optimismo al principio, pero la melancolía que desprende la canción se puede interpolar o interpretar como la pérdida de una gran parte de la inocencia de Joe.

Otras temáticas que también fueron interesantes especialmente por su época y tiempo, es reconocer diversas preferencias y prácticas sexuales como una genuina intimidad. Vemos también la homofobia por parte de Ratso, que a lo largo de la película, de manera implícita, tiene como una especie de homosexualidad reprimida, pero claro, eso ya depende de la interpretación que le dé el público. 

Me sorprendió lo atemporal que es, y lo visualmente impactante y original que resulta después de tantos años de haberse estrenado. Se mantiene muy vigente. 

Director: John Schlesinger

Rick and Morty: Episodio 7x04

That's Amorte ★★★★ ✂ ESENCIAL

Ese eslogan de la prevención al suicido al inicio, me sorprendió porque la serie se burla de esas temáticas sensibles. Ya extrañaba las discusiones de Rick & Morty, y sabes que eso es presagio de un buen episodio.

Combina magistralmente el humor negro y absurdo característico de la serie con un profundo nihilismo existencial, sirviendo en última instancia como una crítica mordaz del capitalismo y la ética del consumo de alimentos. El episodio arranca con una rutina familiar y reconfortante: Rick preparando su famoso espagueti para la familia Smith. La pasta es tan popular que logra unir a toda la disfuncional familia en armonía. Sin embargo, Morty descubre la terrible verdad de los espaguetis.

Rick no ha estado cocinando pasta normal; descubrió una especie alienígena en un planeta similar a la Tierra (41-Kepler-B), cuando alguien se suicida, su cadáver se transforma directamente en unos espaguetis perfectos y deliciosos. El placer culinario favorito de la familia, libre de culpa, se convierte instantáneamente en una grotesca crisis moral.

El comercio de espaguetis transformó el planeta, que parecía un lugar agradable para vivir, en un infierno industrial contaminado. El planeta se convirtió en un lugar deprimente debido a la intensa industrialización, sin mencionar los factores adicionales que el gobierno impone a la población. Hubo una crítica a Discovery, la compañía propietaria de Cartoon Network/Adult Swim, lo cual fue curioso de ver.

Este episodio también se centra en la dinámica del profundo afecto de Morty contra la apatía cósmica de Rick. Los intentos de Morty por hacer lo correcto siempre resultan en consecuencias catastróficas, hilarantes y profundamente deprimentes. Morty confiesa el secreto de Kepler-B al público afligido, provocando inadvertidamente una crisis intergaláctica y destruyendo su suministro de alimentos.

Rick intenta arreglar las cosas, pero su inusual empatía se ve frustrada repetidamente por la cruda y desagradable realidad de la codicia humana. Cuando la presidenta alienígena se da cuenta de que los suicidios de sus ciudadanos pueden monetizarse, rápidamente crea una industria corporativa de cultivo de suicidios para alimentar a las masas. Es una crítica brillante y cínica al capitalismo del mundo real, que pone de manifiesto cómo las ganancias fácilmente anulan los límites éticos.

La solución parar este dilema, está en un montaje devastador. Para solucionar el colapso social y darle a Morty una lección sobre el peso de la existencia, Rick orquesta un montaje desgarrador y sin diálogos. Rick proyecta la historia de vida completa de la siguiente persona que será convertida en espaguetis.

Los espectadores se ven obligados a presenciar el nacimiento, el crecimiento, el enamoramiento, las tragedias, el envejecimiento y finalmente, la desesperación y el aislamiento que lo llevan al suicidio de un desconocido. Se trata de una secuencia impactante e innovadora, acompañada de una canción conocida “"Live Forever" de Oasis aunque interpretado por otro artista, que obliga tanto a Morty como al público a confrontar el costo humano que se esconde tras su entretenimiento.

La receta de Rick requiere un ingrediente vital para funcionar a nivel psicológico: proyectar la vida del difunto antes de comerlo. Esta es una brillante analogía de la ética del consumidor moderno. Al observar toda la trayectoria vital de ese individuo, la humanidad comprende el sacrificio, pero, en lugar de detenerse, lo racionaliza. Es la perfecta metáfora de cómo compramos ropa, tecnología o alimentos baratos sabiendo que la cadena de suministro está manchada de explotación. Nos lo comemos igual, porque es delicioso y barato.

Este episodio y como ha sido el estilo de la serie, se inclina hacia una visión profundamente pesimista y cínica de la vida. La lección filosófica final que Rick le transmite a Morty es que las células deben consumir otras células para vivir, lo que hace que la vida sea intrínsecamente mala; pero como no podemos ponernos del lado de la muerte, debemos seguir comiendo y viviendo de todos modos.

Posdata: La escena de los dos bandos políticos que están en contra de los espaguetis pero con diferentes perspectivas fue divertida.

Invincible: Episodio 3x08 (Final de Temporada)

I Thought You'd Never Shut Up

★★★★ ✂ ESENCIAL

Tras la presentación del guerrero viltrumita ‘Conquest’ al final del último episodio, quedó claro que Mark tendría que enfrentarse a él en este final. Gran parte del episodio se centró en la pelea, y vuelvo a mencionar aunque sea reiterativo, tiene una fuerte influencia del anime Shonen con toda su sangre y desgarradora intensidad, y esta genial. Con este combate pudimos comprobar cuánto ha mejorado Mark a lo largo de la serie, cada vez se está volviendo más poderoso.

Hubo momentos que recordaron la pelea de la primera temporada contra Omni-Man. Una escena en particular cuando Mark golpeó a Conquest contra el suelo, y me recordó cuando Omni-Man le hizo lo mismo a Mark. Esto demuestra cuánto ha practicado Mark sus habilidades y cómo ha aprendido de los errores del pasado.

Sin embargo, no luchó solo. Otros miembros de la GDA, amigos y familiares intentaron ayudar. Debbie sabía que Oliver tenía que salir a luchar. Mark no podía hacerlo solo, pero eso no significaba que ella no se preocupara por sus hijos.

Oliver no tiene ninguna posibilidad contra Conquest, pero se esfuerza al máximo. Por suerte, estará bien. Cecil logra entregarle la GDA justo a tiempo para sacarlo de la pelea y atenderlo en el hospital secreto de superhéroes. Además, ver a Oliver en tantos apuros le dio a Mark un empujón extra.

Los secretos de Eve salen a la luz y ofrecen pistas sobre lo que podría suceder en el futuro. Eve despierta del coma y descubre lo que está sucediendo. No pierde el tiempo y se ofrece a ayudar, demostrando que siempre antepondrá la Tierra y Mark a sí misma. Claro que, al principio, sus poderes no son rival para los de Conquest. Solo cuando le queda un agujero en el cuerpo y una mandíbula destrozada logra encontrar la fuerza para contraatacar.

Resulta que a Eva le implantaron bloqueos mentales durante su gestación. Estos bloqueos le impiden desarrollar todo su potencial hasta que se acerca a la muerte. Ya había ocurrido antes, y ahora ha vuelto a suceder. Cuando está cerca de morir, puede transformarse en una especie de ser celestial, y sus bloqueos mentales desaparecen temporalmente, otorgándole la capacidad de reconstruir materia orgánica consciente como órganos vitales o partes del cerebro.

No puedo evitar preguntarme si esta es una trama para la cuarta temporada de Invincible y las siguientes. ¿Existe la posibilidad de que ella y Mark decidan que sería beneficioso para Eve encontrar una manera de eliminar los bloqueos mentales? Implementarlos al principio tendría sentido, pero no cuando hay más amenazas de otros planetas. Conquest no será el último viltrumita en llegar a la Tierra, así que los superhéroes necesitarán todas las habilidades que puedan obtener.

Después de que Mark casi lograra matar a Conquest, Cecil y el resto de la GDA intervienen. Tienen a Conquest encerrado y usarán su cuerpo para encontrar una manera de detener a los viltrumitas en el futuro. Cecil sabe que la Tierra corre un gran riesgo sin algún tipo de experimento.

Con los ataques a la Tierra y a sus seres queridos, Mark se da cuenta de que no siempre puede salvar vidas. Algunas amenazas tendrán que morir. Agregándole quizás una capa más realista, a pesar de toda la tecnología y los superhéroes.

En un momento de la pelea, esperaba que Omni-Man y Allen el Alien aparecieran de repente. Los vimos escapar de la prisión Viltrumita, y supuse que regresarían a la Tierra. Hubiera sido interesante quizás ver a Omni-Man ayudar a Mark y verlos luchar en equipo.

Al final del episodio, vemos una nave alienígena encontrarse con una ‘Battle Beast’ congelada en medio del espacio. La suben a bordo y queda claro que ‘Bestia de Batalla’ sigue siendo una amenaza potencial (o un aliado, según de qué lado esté).

Al parecer tenemos la confirmación oficial de que Rex definitivamente ha muerto. Le hicieron un muy sentimental funeral, justo lo que merecía tras su sacrificio. Sin embargo, no puedo evitar pensar que su pérdida tendrá consecuencias negativas para Rae. ¿Buscará venganza u honrará el sacrificio supremo de Rex?

El final de la tercera temporada plantea algunas amenazas crecientes que Mark, Eve y la GDA deberán afrontar para la cuarta temporada. Me intrigan los parásitos marcianos que se adhieren a personas y animales en las alcantarillas aunque sigo pensando que es la sub-trama más débil de la serie pero ya veremos cómo lo desarrollan, y las criaturas que ayudaron a Angstrom Levy a curarse que claramente tienen en mente la dominación del universo. Son bastantes sub-tramas y lo mejor que ha hecho la serie es entrelazarlo de manera muy innovadora, para mí eso es su gran mérito por que ocurren prácticamente en simultaneo con la trama principal, solo esperemos que no se saturen.

Apareció uno de mis personajes favoritos de la serie, ‘Dark Blood’, cuando estaba en su faceta de detective, ahora tiene una apariencia diferente desde el infierno. Me gusto que apareciera, ojalá que tenga buenas escenas más adelante.

A-

Invincible: Episodio 3x03

You Want a Real Costume, Right? ★★★★½ ✂

Excelente episodio. Me tomo por sorpresa lo que fue capaz de hacer Oliver, parece que es más poderoso que su hermano Mark, teniendo ese gran poder desde niño. Y en general un episodio bien hecho, las escenas que contaron una historia pero sin dialogo, al principio me gusto también.

Comienza con una secuencia de atraco a un banco, pero con una perspectiva completamente diferente. Dos secuaces que aparecieron brevemente en temporadas anteriores, asaltan una sucursal bancaria local para robar dinero, pero sus reacciones, sin diálogos, cuentan una historia distinta a la habitual. No parecen disfrutar asustando a sus rehenes involuntarios, especialmente a los niños. Nos sumergimos por completo en el punto de vista de los villanos mientras escapan.

Es un montaje silencioso de siete minutos vemos al dúo de villanos —ahora revelado como una pareja romántica— esforzándose al máximo por alejarse de la vida criminal y conseguir un trabajo honesto, solo para que les cierren las puertas una y otra vez. Finalmente se ven obligados a robar, y cuando Mark/Invencible llega (con su hermano menor Oliver/Kid Omni-Man), adquiere una presencia inquietante.

Varios villanos callejeros reaparecen, principalmente en escenas de diálogo que establecen un conflicto futuro sin llegar a ninguna parte (es el único momento en que el episodio se estanca), pero las preocupaciones humanas siguen siendo interesantes. Atom Eve intenta mantener su amistad con Amber ahora que esta sabe que sale con Mark, y también retoma su relación con sus padres, quienes aún desaprueban su camino como súper-heroína y la ven como una decepción. Los demás Guardianes también tienen una o dos escenas de descanso, un cambio muy necesario respecto al estilo habitual de Invincible, donde solo aparecen en escenas de acción.

La serie, por supuesto, alcanza su punto álgido cuando se centra en el drama de la familia Grayson. Debbie tiene otra cita con Paul y decide unilateralmente que volver a confiar en alguien implica revelar detalles de su pasado: su marido supervillano y sus hijos justicieros disfrazados. Mark no está nada contento, pero también tiene su propio drama con Oliver sobre la mejor manera de que el compañero, al estilo de Robin, entrene y observe en el campo de batalla estando tan cerca de la acción.

Esa delgada línea entre observar y participar se rompe cuando los Gemelos Mauler regresan por enésima vez, sembrando el caos como de costumbre. Son un elemento recurrente en la serie, y justo cuando parece que estarán ahí para siempre, Oliver termina desmembrándolos de forma espantosa, obligando a Mark a enfrentarse a un serio dilema. Inculcarle a Oliver la paciencia para no matar a sus enemigos, incluso cuando las cosas parecen desesperadas, también implica retractarse de su recién descubierto rechazo a la reforma como concepto, una hipocresía que solo confunde a su hermano menor, y un punto muerto en el que no logra avanzar, al menos por ahora.

También resulta increíblemente revelador —y propio de la parodia de los cómics de superhéroes que sea la serie— que la visión de Oliver sobre matar no sea muy diferente a la de la mayoría de los superhéroes importantes, como si esto fuera menos una señal de inteligencia emocional que un rasgo distintivo de inmadurez emocional. Sin embargo, incluso Mark podría verse obligado a abordar este código moral de forma diferente cuando su familia sea atacada en casa por un dron explosivo controlado nada menos que por el villano principal de la temporada anterior, Angstrom Levy; un regreso que sin duda planteará graves complicaciones en el resto de la tercera temporada.

Invincible: Episodio 1x05

That Actually Hurt ★★★★ ✂ ESENCIAL

Este episodio ha estado genial. Admito que la primera parte era algo convencional casi parecido al anterior, el episodio 4, pero de la mitad del episodio hacia el final fue espectacular, tuvimos por ahora la mejor pelea de la serie y un giro inesperado que puede ser pretencioso pero quedo bien.

Este quinto episodio podría ser el mejor hasta ahora. Presenta la escena de lucha más intensa desde el final del episodio 1, y que también incluye algunas sorpresas, giros de trama divertidos. Uno de los puntos fuertes de la serie es su elenco de personajes secundarios. De hecho, a veces son más interesantes que el propio protagonista.

Lo bueno que el resto de los héroes son también interesantes. Monster Girl lucha por parecer de 12 años. Rex es un idiota, pero uno gracioso. Robot está tramando algo. Atom Eve ni siquiera está segura de querer ser una súper-heroína. Pero una serie no puede construirse solo con héroes, y este episodio es uno donde los villanos brillan. El episodio gira en torno a Invincible sopesando asociarse con un tipo malo que no parece tan malo después de todo. El villano principal de la serie es más unidimensional como un tipo malo puro, pero es divertido. Tiene los mejores diálogos del episodio y el hecho de que se las arregle con inteligencia lo distingue de la mayoría de los otros personajes de esta serie que básicamente aplastan a la gente. También nos fijamos en el malo azul que se clona a sí mismo y luego pelea por quién es el clon. 

Al final del episodio, Mark ha fracasado tanto como novio como superhéroe, la GDA tiene otra operación secreta en marcha y el matrimonio de sus padres se precipita hacia una implosión inevitable. Y para colmo, la compleja historia de Titán para mantener a su familia a salvo se complica aún más, lo que nos lleva a preguntarnos si Nolan o Debbie habían acertado con sus consejos. Por primera vez en la serie, Mark no parece tan invencible después de todo.

Invincible (Invencible) (TV Series 2021– )

Season 1 (2021)

Episodio: 1x01. It's About Time 

★★★★ ✂ ESENCIAL

Si ninguna duda su mejor presentación fue la parte final del episodio donde nos revela abiertamente cual va ser el estilo de la serie: una violencia descarnada y poco convencional en cuanto a historias de Superhéroes, y giros de trama algo impredecibles; quizás eso sea lo más interesante.

La historia sigue a Mark Grayson, quien comienza como un estudiante de secundaria aparentemente común y corriente. Digo aparentemente porque Mark creció sabiendo que es mitad humano y mitad ‘viltrumita’. Su padre, es el superhéroe más grande de la Tierra, Omni-Man. Inicialmente, Nolan es un sustituto bastante obvio de Superman: una poderosa figura de un mundo alienígena lejano que ha pasado años protegiendo noblemente a la gente de la Tierra, junto con los Guardianes del Globo, que son como un grupo al estilo de la ‘Liga de la Justicia’. Mark, de 17 años, comienza a heredar las habilidades de su padre. Esto incluye volar, súper fuerza y velocidad, y una resistencia extrema. Siguiendo los pasos de su padre, Mark asume su propia identidad de superhéroe. Pero pronto descubre que "Invencible" es un nombre que realmente tendrá que ganarse.

Esta fue una representación bien lograda de un mundo engañosamente colorido con una atmósfera intensa. Si bien la animación es convencional tal vez algo rígida en muchas partes, la serie suele saber dónde aplicar el presupuesto para dar a las escenas adecuadas el impacto adecuado especialmente por obvias razones en las escenas de lucha. La narrativa es sólida y se mueve a un ritmo rápido, incluso si hay algunos elementos de la trama que resultan demasiado cliché y otros que parecen un poco superfluos. Pero es divertida, entretenida, muchos héroes y villanos arquetípicos pero con un manejo único, con conflictos morales convincentes y mucha sangre que nos recuerda lo mucho que está en juego. Y la canción de la presentación de ‘Invencible’ me encanto, además de que la duración del episodio fue de casi 50 minutos.

♫♫♫ “Broken Boy”, Cage The Elephant ♫♫♫

Shingeki no Kyojin. 3x13 – Episodio 50 (TEMPORADA 3 - Parte 2)

La ciudad donde todo comenzó ★★★★ ✂

"La ciudad donde todo comenzó" marca un comienzo intenso para la última temporada de la serie, o es lo que dijeron. No solo es el episodio número 50 del programa, sino que también es un esperado regreso a casa para nuestros héroes; como sugiere el título, la segunda mitad de la temporada 3 comienza con Eren, Armin, Mikasa y el resto de los soldados que regresan a la muralla Maria y al distrito de Shiganshina. No hace falta decir que este capítulo de la historia tiene una tonelada de expectativas hacia el futuro. Para empezar, dejamos a la pandilla en un punto incómodo, y las primeras escenas de este estreno tienen el trabajo poco envidiable de trabajar la historia desde dos direcciones. Tenemos que restablecer los conflictos emocionales actuales para nuestros protagonistas, al mismo tiempo que reanudamos la acción y el suspenso como si no hubieran pasado seis meses desde que el programa estuvo al aire.

Es un acto de equilibrio difícil, y no ayuda que el primer acto pase demasiado tiempo con el viaje de medianoche del grupo a través de los bosques en el camino hacia la muralla Maria y los preparativos para la misión que sigue. Con Armin y Eren recibiendo tanta atención en este episodio, tiene sentido que la serie quiera refrescar a la audiencia sobre su amistad, que no ha recibido tanta atención esta temporada, pero el diálogo todavía es superficial. Las cosas se recuperan cuando la tripulación comienza su misión de sellar la brecha en la pared, pero con todo sucediendo tan rápido, es difícil aferrarse a la emoción y la catarsis que deberíamos experimentar después de tantos años de anticipación. Sin embargo, no es por falta del esfuerzo de Studio Wit: la animación y la dirección intensas del descenso y la transformación de Eren pueden ser algo exageradas, pero no es menos entretenido para el exceso.

Sin embargo, incluso Eren cree que el grupo logró la primera fase de su misión con demasiada facilidad, y fue en este segundo acto del episodio que comencé a sentir que la vieja magia de Titán se cerraba en su lugar. El extraño silencio del distrito fue evidente para todos desde el principio, y los soldados encapuchados han estado alrededor de la cuadra demasiadas veces para sospechar que otra cosa es una emboscada. Aquí es donde el suspenso realmente comenzó a unirse de nuevo, y me encantó ver a Armin obtener un papel más prominente dentro del comando de soldados. Como lo señala el propio Erwin, el cerebro de Armin ha sido el arma secreta del cuerpo durante mucho tiempo, por lo que es natural ponerlo a cargo de algunos soldados cuando nadie más tiene idea de cómo encontrar a los Titanes que se esconden. El breve rayo de la confusión cuando los demás se dan cuenta de que informan a Armin ahora también es un recordatorio de lo gracioso que puede ser la serie cuando ataca el estado de ánimo.

Naturalmente, la gran idea de Armin es la correcta, incluso cuando los demás se niegan a hacerlo. ¿Cómo pueden los Titanes mantener su posición ventajosa sin ser detectados por nadie en la ciudad? Es porque se esconden dentro de las paredes, por supuesto. Cuando un pobre tonto tiene sus entrañas torcidas por Reiner después de descubrir uno de los escondites de los Titanes, todo el tiempo que pasa este episodio está en la construcción de las bases, ya que Levi absolutamente brutaliza a Reiner en un destello de acción salvaje. No es el corte de animación más largo ni el más llamativo que hemos visto, pero creo que es uno de los más efectivos. Si alguna secuencia puede hacer que exclame "¡Carajo!" en voz alta, Shingeki no Kyojin tiene que estar haciendo algo bien.

Partimos de otro acantilado, uno que casi parece más apropiado para un final que un estreno: los Titanes han rodeado a todos dentro de los muros del distrito abandonado, y parece que los soldados tendrán que luchar contra el enemigo de frente o muere intentando. Dado el drama interpersonal que implica la etiqueta del episodio 49, parece que Eren tenía razón, y aún es demasiado pronto para celebrar cualquier tipo de victoria. La historia en medio de la acción, nos promete un viaje llenos de emociones.

Chou Kadou Girl ⅙: Amazing Stranger - Episodio 03

Episodio 3 ★★★½ ✂

Esto es tan divertido. ¿Cómo es que más personas no están viendo esto? Para cualquier persona que vea mucho anime, compre merchandising y dedique tiempo a este submarino con el tipo de combos que el MC tenía con su amigo, esto debería ser increíblemente relacionado. Solo estoy sonriendo y riendo a carcajadas varias veces.

Parece que su amigo es como el villano y de alguna manera está involucrado con la forma en que las figuras cobran vida. Aún más curioso qué demonios está pasando ahora. Aunque también creo que si eso nunca se explicara y todo fuera un sano romance entre un otaku y su waifu de anime a escala 1/6, entonces me sentiría mal por eso. Es tan agradable lo mucho que la apoya de su hermano otaku extremo.

Ahora que he hecho una declaración que nunca se dijo antes sobre este programa, este episodio fue genial. La discusión entre esos dos tipos fue especialmente divertida y provocadora. Esa discusión escandalosa de otaku en el elegante restaurante era demasiado divertida.

Es por eso que odio cuando la gente usa el término "basura" para describir un anime en todas las formas, excepto en las más amorosas. Si no estás invirtiendo o disfrutando de un espectáculo, es muy probable que te pierdas las explicaciones bastante lógicas de las cosas que crees que son agujeros de trama o que no tienen sentido.

Este show me sorprendió completamente. Llegué esperando basura, pero esto va más allá de lo que pensé que sería. Lo único malo es que este debería ser un anime completo. Todos estos cortos esta temporada me están matando. Como si no fuera suficientemente malo esperar una semana por 20 minutos de contenido nuevo. Solo diez minutos me deja mucha hambre por más.

Y Nona era tan linda al final. Este es el anime más subestimado de esta temporada.