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viernes, 13 de julio de 2018

André the Giant (2018)

★★★½



Director: Jason Hehir

Un documental biográfico producido por HBO y la WWE sobre la vida y muerta de una leyenda de la lucha libre, "André the Giant", aunque yo si nunca lo vi porque falleció el año en que yo nací, 1993. Un recuento de su vida privada y pública con invitados estrellas de la lucha libre como ‘Hulk Hogan’, y relatos íntimos sobre su carrera profesional. 
Si nunca has oído hablar de él y eres fanático de la lucha libre (especialmente de mi generación, el cual yo me volví fan pero en el año 2005) vas a pasar 85 minutos muy entretenidos viendo este documental. Si es de HBO va ser entretenido, te lo aseguro:). 

Recuerdo que yo me volví fan de la lucha libre cuando estaba en primero de secundaria (mi fanatismo duro unos tres años o un poco mas quizás) pero la primera experiencia que recuerdo fue años antes cuando era un niño de 6  o 7 años, ya que mi abuelo hasta el día que murió, siempre fue fanático en la lucha libre. Pero en particular recuerdo haber visto la pelea de Rocky Balboa con un luchador de pelo largo (el cual yo no sabía que era Hulk Hogan) como lo humillaba prácticamente en el ring y lo lanzaba a las tribunas, para mí de niño ver eso fue algo impactante. Después de ese acontecimiento tan sorprendente para un niño como yo, empecé a descubrir la lucha libre. Pero hasta que una vez que aceptas que la lucha libre profesional era falsa, seguramente ‘André the Giant’ también tenía que ser falso de alguna manera, un truco de perspectiva forzada o efectos especiales. Pero su gran tamaño en realidad era así. 

A menudo fue considerado como "La Octava Maravilla del Mundo", pero parece que todo lo que 'André Roussimoff' quería era ser tratado como un hombre normal todos los días. No es una solicitud fácil cuando uno mide más de siete pies y pesa casi 500 libras, pero el documental "André el gigante" hace un buen trabajo para conocer a la persona dentro de su increíble tamaño, buscando explorar cómo Roussimoff se convirtió en uno de los luchadores profesionales más populares de todos los tiempos. 

André Roussimoff nació en Francia en 1946 y disfrutó de la vida como un niño promedio hasta su adolescencia, donde comenzó a crecer y no se detuvo. Era un espectáculo extraordinario, usando su talla en numerosos deportes, pero el mundo de la lucha libre profesional lo llamaba, dándole una ventaja contra los oponentes y una apariencia comercial, el cual lo llevo recorrer muchos países pero el más importante fue en EEUU, donde el imperio de Lucha Libre se había establecido.   
El nombre de 'André the Giant' fue inventado durante sus giras, donde llamó la atención de 'Vince McMahon', quien estaba ocupado en reunir un arsenal de luchadores para ayudarlo a dominar el universo del entretenimiento de deportes. No había mejor manera de seducir al público que entregar a André el Gigante en una pelea, con multitudes completamente encantadas y quizás un poco temerosas del hombre enorme, que nunca perdió una pelea (supuestamente) en su camino hacia la cima. 

Hubo un lado privado de Roussimoff, y "André el gigante" detalla su batalla por cierto nivel de anonimato, finalmente compró una granja en Carolina del Norte para replicar su educación francesa, encontrando la aceptación de los lugareños. Los apetitos también son inspeccionados, incluyendo sus maneras de mujeriego y su afición al alcohol, consumiendo cantidades extraordinarias de vino y cerveza. Y "André the Giant" cubre la carrera de Roussimoff, apareciendo en películas, la más famosa quizás donde consiguió un papel secundario en "The Princess Bride" (esta película lo vi en mi infancia, creo que voy a verlo otra vez), con el director ‘Rob Reiner’ compartiendo historias sobre la presencia del luchador en el set. 

La lucha libre profesional es el enfoque principal de "André the Giant", que dedica una cantidad sustancial de tiempo a examinar cómo McMahon construyó su increíble imperio WWE, con André una de sus principales adquisiciones. Entrevistas con McMahon, sus amigos, personas cercanas, pero los mejores recuerdos son compartidos por Hulk Hogan, quien habla sobre su relación con André, incluyendo su legendario combate en Wrestlemania III. Mientras que la mayoría de los entrevistados ofrecen anécdotas sobre André, Hogan comparte la experiencia de trabajar con él, haciendo que su intervención sea la más satisfactoria. 

"André el gigante" se abre camino al declive físico y mental de Roussimoff debido a sus lesiones por su enorme tamaño, haciendo que el acto de simplemente pararse sea imposible para el luchador, que más tarde fue diagnosticado con acromegalia (crecimiento excesivo), prometiendo una muerte prematura, lo cual solo inspiró a Roussimoff a permanecer tan activo como sea posible. El documental pasa por alto muchos aspectos de la vida del luchador (incluido el descubrimiento de una hija, que solo se entrevistó brevemente aquí), permaneciendo más concentrado en la gloria de André el Gigante en el ring y su dolorosa incomodidad detrás del escenario, rompiendo la realidad de un hombre que siempre parecía irreal. "André el gigante" no puede poner sus manos sobre el tema, pero lo que logra es una rica comprensión del temperamento, soledad y mega-fama de Roussimoff como un titán de titanes de la lucha libre. 














-- Revisado el Jueves 12 de Julio del 2018 —

lunes, 29 de enero de 2018

Marina Abramovic: The Artist Is Present (2012)

★★★½



Director: Matthew Akers

En este documental nos presentan a una artista única, Marina Abramovic, que a lo largo de casi cincuenta años de carrera artística, ha 'redefinido' lo que es el arte y su poder transformador que desafía a la expresión artística en sí. Esto ha llevado a muchos a cuestionarse de lo que significa  el arte en sí y cuáles son sus límites.

Seductora, intrépida y escandalosa, Marina Abramovic ha redefinido lo que es el arte, usando su propio cuerpo como experimento para ir superando sus límites físicos y mentales, incluso arriesgando su vida en el proceso. Sus hazañas 'artísticas' son interpretaciones que desafían, conmocionan y conmueven el nuevo arte experimental. A través de ella y con ella, los límites se cruzan, la conciencia se expande y el arte tal como lo conocemos renace. Sin embargo, las preguntas permanecen ¿Esto se podría definir cómo arte? 
El documental también sigue una de sus exhibiciones más famosas y controvertidas realizado en la ciudad de Nueva York, en el "MoMA" (The Museum of Modern Art in New York).  El espectáculo de tres meses que incluyó a hombres y mujeres desnudos en varias poses, y una de las hazañas más increíbles de Marina fue sentarse durante siete horas cada día, todo el tiempo que durara la exhibición, mirando a los ojos de las personas que se sentaron directamente frente a ella. Algo así nunca vi, y hacerlo requiere de mucho esfuerzo mental. 
Durante muchas décadas de creación artística, Abramovic ha desafiado consistentemente no solo su propia mente y cuerpo, sino también a la audiencia que la observa. 

¿Su desnudez es pornográfica o artística? el director del documental, sabiamente no juzga el arte de Abramovic sino lo muestra tal como es, lo que permite que el público saque sus propias conclusiones sobre el arte y la artista. Sin embargo, no se puede negar que sus obra de arte son provocadoras y hasta cierto punto un tanto controversiales. 
Algo que no explica detalladamente el documental es que no está tan interesado en investigar el misterioso poder del arte de Abramovic, aunque también pienso que quizás ella tampoco lo sabe:). 

La filmación durante la exhibición fue a menudo tensa, ya que algunos participantes del público tienen comportamientos impredecibles, como por ejemplo: algunas personas llorando, otros literalmente se quitan la ropa (desnudándose) frente a Abramovic, incluso para la extravagancia, alguien se pone una máscara de espejo en la cabeza. De todas maneras siempre es cautivador como Abramovic y su equipo se preparan para la exposición. Algo curioso fue como ella utiliza una de sus piezas artísticas más conocidas, contratando a dos almas intrépidas (una mujer y un varón) para que estén parados desnudos en una de las puertas de la exhibición. 

Como personas, tenemos una tendencia a reírnos de cosas que no entendemos. En este caso del arte del performance. Por lo tanto, es bueno que el documental haya llegado para darle sentido en general. Marina Abramovic es considerada como la 'abuela del performance art' ya que está recibiendo una retrospectiva profesional en el Museo de Arte Moderno sobre su trayectoria artística. 

Nota curiosa: El momento más extraño y curioso fue el encuentro de Abramovic con David Blaine (el famoso ilusionista), donde incluso Blaine le propone hacer un acto juntos.









Man on Wire (2008)

★★★★★ (GRAN DOCUMENTAL)



Director: James Marsh

Este documental yo lo vi en Discovery, sino mal recuerdo en el año 2010, y ahora que lo he vuelto a ver realmente me ha sorprendido. Yo nunca había escuchado de Philippe Petit, hasta que vi este documental. 
Un documental que retrata las hazañas de Philippe Petit, un francés acróbata, malabarista o como el mismo se autodenomina, un funámbulo (una palabra que nunca había escuchado, siempre es bueno aprender algo nuevo) retratando una de sus acrobacias más recordadas. El 9 de agosto de 1974, realizó un acto increíble y muy ilegal: caminó a través de las torres del ‘World Trade Center’ sostenido por un cable en la cima entre los dos edificios. 
Desde el momento en que se enteró de la construcción del World Trade Center, Petit, que había realizado acrobacias similares a través de la Catedral de Notre Dame en París o en el Puente de la bahía de Sídney; él estaba obsesionado con encontrar una manera de cumplir su sueño de escalar las Torres Gemelas. Este documental detalla la planificación cuidadosa, la práctica intensa, el trabajo en equipo, la habilidad para solucionar una situación difícil y la complicidad para hacer realidad la atrevida ambición de Petit. El documental combina imágenes de archivo, entrevistas actuales (el año en que se produjo el documental) con aquellos que participaron y recrearon para mostrar los años de preparación, el acto en sí y las consecuencias inmediatas de los logros de Petit. 
Este es un documental inolvidable sobre no solo un truco atrevido sino también sobre la necesidad de seguir nuestra propia voz interior que nos impulsa a intentar y seguir nuestros propios sueños de grandeza. Uno solo puede esperar que las generaciones futuras, al imaginar el World Trade Center, no tengan inmediatamente las terribles imágenes del 11 de septiembre de 2001, y sus secuelas, sino que tendrán la imagen de un hombre caminando sobre un cable en lo alto entre las dos torres, en total y completa concentración, manteniendo el equilibrio.  Aunque Petit suena romántico cuando habla de que no habría mejor manera de morir que "en el ejercicio de tu pasión", esta "actuación" legendaria requirió mucho tiempo y esfuerzo, práctica y preparación, por no hablar de la complicidad de algunos que trabajaban en el WTC y de hombres y mujeres que potencialmente arriesgaban su propia libertad (si Petit hubiera muerto, muchos habrían sido acusados de complicidad en su asesinato) y ‘Man on a Wire’ llega lejos al mostrar todo lo necesario para lograr esto. 
Man on Wire es de 80 minutos seguidos de un clímax sorprendente y muy emocional. 
Una hazaña magnífica contada por sus propios participantes. Emocionalmente atractivo y estimulante. 
Lo curioso es que en el documental nunca menciona sobre los acontecimientos del 11 de septiembre. 
Sinceramente yo lo considero uno de los documentales más inspiradores que vi.






sábado, 20 de enero de 2018

Life Itself (2014)

★★★★ (ESENCIAL)



Director: Steve James

Si sabes quién es Roger Ebert, sabes de su gran influencia entre los críticos de cine jóvenes, te va resultar en un documental conmovedor, honesto, absorbente pero sobre todo muestra a una figura tan humana como tú y como yo. Lo que me fascina es la gran edición del documental, no necesariamente está destinada a envilecer tal figura, o ser sensacionalista cuando se habla de su vida privada, si no mostrar como él siempre ha sido. 
Nunca había escuchado de Roger Ebert hasta el año 2016, ya que a mediados de ese año empezaba a escribir mis opiniones sobre las películas o cualquier arte audiovisual que veía. Desde que tengo uso de razón siempre he disfrutado de ver películas, y para que no quede en solo haberlas visto, me propuse a escribir al menos una pequeña opinión sobre lo que disfrutaba hacer. Ahora realmente disfruto de escribir opiniones, comentarios; ser autocritico con uno mismo y con la sociedad. Siempre me encanta leer las opiniones tan diferentes de muchas personas sobre un tema en particular. En este caso en cuanto al cine, Roger Ebert ha sido una buena influencia en mí, aparte de leer sus críticas siempre me gusto su gran conocimiento que tenía acerca del cine (especialmente en el cine mundial). Si no fuera por él hubiera ignorado muchas películas europeas, asiáticas, Cine mudo, cine independiente, etc. Gracias a Roger conocí para mi satisfacción un mundo más amplio que hay en el séptimo arte, y que no solamente existe Hollywood en el cine. 

La película hace uso de imágenes y entrevistas Roger Ebert durante los últimos meses de su vida intercalados con entrevistas de sus amigos, colegas y familiares, entre ellos: Chaz Ebert (su esposa), Martin Scorsese, Werner Herzog, Errol Morris, entre otros. La película presenta clips del popular programa de televisión de Ebert con Gene Siskel, incluidos los detrás de cámara, y sus numerosas apariciones en programas de TV. La película también explora la relación entre Siskel y Ebert, la amistad de Roger con Russ Meyer y su colaboración en la película  “Beyond the Valley of the Dolls” (1970), y cómo Roger finalmente llegó a trascender la crítica cinematográfica para convertirse en una influyente voz cultural. 

El director es Steve James, un gran documentalista que retrata la vida de una manera muy realista y práctica.







sábado, 6 de enero de 2018

Jazz: La Historia. Episodio 12 (FINAL)

Una Obra Maestra a Medianoche ★★★½ (ESENCIAL)



Creo que esta ha sido una de las series documentales de mayor duración que he visto, casi 12 horas, pero sinceramente ha sido un placer apreciar y conocer más de esta música. Me sabia de varios artistas especialmente de los clásicos y más conocidos (Miles, Rollins, Coltrane, Armstrong). La historia del Jazz que presenta Ken Burns antes de 1960 es impresionante pero sobretodo muy informativo. Sin embargo en el último episodio; el cual lo etiqueto como esencial por la capacidad de Burns de englobar muchos años y temas variados (que no necesariamente pueden estar relacionados al jazz) en un capítulo de una hora; pero el linaje temporal del periodo 1961 hasta 2001 quedo corto e improductivo, tantos años el jazz se mantuvo en silencio, ¿Realmente hubo un gran abismo en el jazz en esos años? Es cierto que Coltrane lanzo el álbum "A Love Supreme" en 1964 y Miles Davis tuvo su último éxito con "Bitches Brew" en 1970, pero ¿Ya no hay más artistas? No creo que ese vacío haya sido tanto. 

Un gran tributo al saxofonista 'Dexter Gordon' y su imponente presencia en los escenarios. 

La música Jazz abarcaría una amplia gama de subgéneros: Dixieland, Swing, Bebop, Hard Bop, Cool, Modal, Free, Avant-Garde. La cuestión sobre que era el Jazz y que no era, había resurgido como no lo había hecho antes, dividiendo a audiencia, músicos y a generaciones. Para mucha gente, la verdadera cuestión era si el jazz sobreviviría. 

En febrero de 1964, The Beatles aterrizaron en América, el vacío entre el Jazz y el público en general, se amplió más pero había una excepción. Dos meses después de la invasión de Los Beatles, la canción "Hello, Dolly!" de Louis Armstrong llego al número uno en EEUU. Ningún tipo de Jazz volvió a experimentar ese tipo de popularidad. Pero al cabo de unas pocas semanas, el rock 'n' roll había reconquistado las sombras. 

Durante los años 60s, muchos jóvenes afroamericanos vieron la promesa de integración racial, como otro truco del hombre blanco. Algunos músicos negros llegaron a creerlo también, y lucharon por recuperar el jazz para que los blancos no pudieran controlarlo. Esa época turbulenta no tuvo un símbolo musical más turbulento que el contrabajo Charles Mingus. Él tenía grandes dotes, había tocado y aprendido de todos, desde Charlie Parker a Louis Armstrong y Duke Ellington. Y sus complejas composiciones con matiz Góspel, estaban llenas de ingeniosas alusiones a todos ellos. Mingus fue la voz más apocalíptica y persistente del jazz. 

John Coltrane llevo a un nuevo estilo llamado Avant-Garde, tuvo defensores y detractores. La visión de su nueva música se envidia más allá de la raza o nacionalidad. "Los más importante que un músico quiere hacer, es dar al oyente un visión de las cosas maravillosas que percibe en el universo" –John Coltrane. En 1964 lanzo en uno de los álbumes de jazz más vendidos de la década, uno de los discos más influyentes de todos los tiempos, "A Love Supreme". 
Durante los siguientes dos años, Coltrane publico diez álbumes más, cada uno más experimental que el anterior. En 1966 alguien le pregunto cuáles eran sus planes para la próxima década, "intentar convertirme en santo"-respondió Coltrane, pero solo le quedaban unos meses de vida. John Coltrane con cuarenta años, moría de cáncer el 16 de Julio de 1967. 

A mediados de los 60s, Miles Davis cambio la dirección de su música una vez más y formo un nuevo quinteto. Davis continuo tocando su nueva música en conciertos por todo el mundo, pero en sus ratos libre escuchaba otra cosa. Davis descarto los estándares del jazz que le hicieron tan famoso, y reemplazo instrumentos tradicionales por electrónicos; el resultado se llamaría "Fusión" (Jazz-rock). El álbum más conocido de 'Fusión' se publicó en 1970 y se llamó "Bitches Brew". Vendió más de 400 mil copias el primer año. Durante los siguientes cuatro años, Davis se las arregló para grabar 15 álbumes más, y toco para grandes multitudes en lugares donde solo los músicos de rock habían tocado antes. Algunos críticos y músicos empezaron a acusar a Davis de haber abandonado su arte, de venderse, pero al ayudar a fusionar el jazz con el rock, Miles Davis había creado una gran audiencia para su música, y engendro una gran cantidad de grupos de 'Fusión' que continuarían explorando el sonido hibrido durante décadas. 

Un repaso triste y nostálgico sobre "la muerte del Jazz". En los 60s, el ayuntamiento de Nueva Orleans derribo la casa en la que había nacido Louis Armstrong, para construir una comisaria; Por entonces, los jardines Lincoln en la zona sur de Chicago donde Armstrong había tocado con King Oliver, habían cerrado sus puertas hacia tiempo; La ley y el orden llegaron a Kansas City, y la mayoría de los clubes en los que Lester Young, Count Basie y Charlie Parker habían tocado alguna vez, desaparecieron; el Cotton Club de Harlem donde Duke Ellington presento por primera vez su ‘chamber music’ no existía, al igual que la sala de baile 'Savoy', donde Chick Webb desafío una vez a todas las promesas y Ella Fitzgerald se convirtió en estrella; el 'Bridland', el club llamados así por Charlie Parker, abandono el Jazz por el R&B. A finales de los años 30s el Jazz y el Swing habían proporcionado el 70% de las ganancias de la industria discográfica, a mediados de los 70s era menos del 3%. En 1975, el propio Miles Davis dijo que el Jazz había muerto. 'La música de museo'. 

Ya para finalizar hacer un repaso de algunos artistas post 70s: Dexter Gordon, Wynton Marsalis, Cassandra Wilson y otros más. 

En parte gracias a este documental soy fan del jazz hasta la muerte, ya pronto voy hacer una pequeña colección de mis piezas favoritas. ¡GRACIAS KEN BURNS! JAZZ > ROCK




Miles Davis


Dexter Gordon

Wynton Marsalis

Cassandra Wilson



Visto: 04/01/2017

Jazz: La Historia. Episodio 11

La Aventura ★★★★



El penúltimo episodio de esta gran serie documental; ya me anime por ver los demás trabajos de Ken Burns. El capítulo hace un repaso excepcional de verdaderos colosos del jazz; Miles Davis, John Coltrane, Sonny Rollins, Ornette Coleman -uff que más se puede pedir- y además describen otros dos movimiento del género: Avant-garde jazz y free jazz. 

Comenzando con un repaso de Sonny Rollins (particularmente uno de mis favoritos, debes en cuando escucho algunas de sus melodías, echado en mi cama con un cigarrillo encendido, mirando al vacío y contemplando mi existencia:-)) 
Para muchos críticos que buscaban un heredero de Charlie Parker, Sonny Rollins era el saxofonista de Jazz más innovador y más influyente. Sus solos (notas) eran largos, interminablemente imaginativos pero conectados a todo lo tocado anteriormente. Uno de los álbumes más conocidos de Rollins fue "Saxophone Colossus" (1956); un álbum ampliamente recomendable. Pero a pesar de estar muy seguro de su sonido, el propio Sonny Rollins fue su crítico más duro. En 1959, la urgencia de tener que superarse a sí mismo cada noche fue demasiado, dejo de actuar y empezó aislarse para tocar su saxofón al viento en un puente.

 El turno de Duke Ellington. Su música parecía entrar en una crisis en la década del 50's. Pero cuando participo en el "Newport Jazz Festival" en 1956, su actuación fue una de las más destacadas haciendo que su carrera musical tenga un pequeño resurgimiento. La forma en que narra este suceso fue genial, con solo fotos y música. Un disco del concierto vendió cientos de miles de copias, mucho más que cualquiera otro disco de Ellington. 

"Escuchando a escondidas". Otro pequeño repaso acerca de su trayectoria artística e íntima.
Después de que Miles Davis dejara su adicción a la heroína, se propuso a recuperar el tiempo perdido. Tenía un contrato con un pequeño sello discográfico y grabo varios álbumes con varios músicos de grupos dotados como Sonny Rollins y John Coltrane. 
Davis se había convertido en un profesional consumado y su ternura cuando tocaba canciones de amor, había empezado hacerle ganar una nueva audiencia. Pero Miles Davis quería más; había firmado para uno de los sellos discográficos más importante, "Columbia Records". En 1959, Miles asombro al mundo del Jazz una vez más con su álbum "Kind of Blue, es el disco más vendido de Jazz de todos los tiempos. 

Una mención especial se le hace a Sarah Vaughan; sinceramente es la primera vez que he escucho a esta cantante; voy a tenerla en cuenta en mi repertorio musical. 

"Música Existencial". John William Coltrane, como los grandes innovadores del jazz, esperaba a llevar la música a lugares insospechados, y convertirse en algo parecido a un 'salvador' (para los fanáticos del jazz) y una inspiración para toda una generación de músicos jóvenes. 
De muy joven, Coltrane aprendió a tocar saxofón en dos conservatorios de música, escuchaba a Lester Young y luego consiguió un trabajo con la orquesta que dirigía Dizzy Gillespie. Al principio gano fama tocando con Miles Davis, pero Davis le dejo marchar por un tiempo porque se había vuelto adicto a la heroína. En 1957 mientras tocaba con Thelonious Monk, Coltrane sufrió lo que él llamaba 'un despertar espiritual'. Dejo las drogas, el alcohol, los cigarrillos, empezó a estudiar religiones orientales, y música oriental y áfrica, iniciando una implacable búsqueda de significado que nunca abandono. Durante el resto de su vida John Coltrane, parecía dispuesto a llenar su música con más de todo, más notas, más ideas, más energía. Sinceramente recomiendo que escuchen su discografía, es exquisita. 

"La Aventura". Louis Armstrong y Duke Ellington; Charlie Parker y Dizzy Gillespie; Sonny Rollins, Miles Davis y John Coltrane; se reafirmaron en su propia personalidad mientras trabajaban dentro del ritmo y la armonía establecidos, y las secuencias de acordes. Pero un hombre rechazo todo eso, "el Jazz debe ser libre" - Ornette Coleman. 
En un garaje de Los Ángeles, Ornette Coleman reunió a un grupo de músicos que opinaban como él pero mucho más jóvenes. Coleman se las arregló para encontrar un pequeño sello discográfico deseoso de respaldarle, y grabo dos álbumes; poco a poco su reputación empezó a crecer. En noviembre de 1959, Ornette Coleman llevo su nuevo sonido al centro mundial del Jazz, Nueva York. En 1961 Ornette público un álbum titulado "Free Jazz", la portada incluía una pintura de Jackson Pollock, una sola pieza llenaba las dos caras del disco; eso ayudaría a provocar un debate sobre la definición del jazz que nunca acabaría. Durante los siguientes cuarenta años la música de vanguardia que Ornette Coleman y muchos otros tocaban, siguió inspirando, y dividiendo al mundo del jazz.

Sonny Rollins


Sonny Rollins (segunda imagen)



Miles Davis

Sarah Vaughan

John Coltrane



Ornette Coleman

Ornette Coleman (segunda imagen)