Lee Cronin's The Mummy (2026)

La posesión de la momia ★★★

Lo mejor que ofrece la película es lo grotesco, y eso está genial, sin pretensiones y siendo directo, ya por lo demás aspectos se puede debatir pero eso es su eje principal, la repulsión.

Antes de que empiece la trama principal, hay un prólogo que involucra a una familia egipcia con un secreto que establece el tono sórdido de la película, antes de dar paso a los Cannon, una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie (Jack Reynor), es corresponsal de noticias de televisión. La pequeña hija Katie (Emily Mitchell) es secuestrada, y Charlie persigue en vano al secuestrador por calles azotadas por la tormenta de arena. Ocho años después, Charlie, su esposa Larissa (Laia Costa), su hijo adolescente Sebastián (Shylo Molina) y su nueva hija pequeña, Maud (Billie Roy), viven en Albuquerque cuando se enteran de que Katie, desaparecida hacía mucho tiempo, ha sido encontrada. Fue descubierta dentro de un sarcófago entre los restos de un accidente aéreo, un suceso que Cronin presenta de una manera sutilmente inquietante.

La singular visión de Cronin no es apta para personas sensibles. Su película es un espectáculo de terror y horror que busca un gore grotesco. Se inspira en el estilo de Evil Dead, pero con un inquietante elemento de misterio y un fuerte componente familiar. En esencia, es una película de terror genuinamente perturbadora que se te mete bajo la piel. Y lo que es aún más sorprendente, te genera tensión y al mismo tiempo te hace soltar algunas carcajadas, y eso está genial.

Una vez que Cronin tiene todo listo, intensifica su visión claramente perturbadora. No muestra interés en ir a lo seguro ni en complacer ciertas expectativas. En cambio, toma inspiración y teje su propia visión perversa que funciona a la vez como un horror de puro entretenimiento emocionante. Te estremecerás y según sea tu perspectiva te divertirás cuando lleve el horror al extremo, pues Cronin se divierte en hacerlo.

Es una película que deleita a la vez que repugna, lo que sin duda gustará a ciertos aficionados al terror. No es la historia más plausible, pero es difícil detenerse en eso cuando la película se entrega conscientemente a terrenos tan descabellados. El reparto entregado, el maquillaje y los efectos especiales impactantes, la fotografía y el diseño de sonido son efectivos en su contexto de horror y terror. La momia de esta película es un demonio como en ‘El Exorcista’, pero que lleva vendas egipcias. También hay algunas escenas grabadas en VHS para completar la historia, algo que muchas películas de terror especialmente en esta década lo han usado como recurso, ya que saben muy que el terror analógico gracias a internet tiene una popularidad considerable.

La joven actriz ‘Natalie Grace’ se entrega por completo al papel de Katie en su versión ocho después, transmitiendo eficazmente su tormento interno y el maquillaje despliega un arsenal completo de prótesis y efectos sangrientos bien logrados.

Una película que vale la pena ver. Tiene escenas de terror corporal muy buenas y una tensión, no tan lograda como otras, pero bien hecha a su estilo. Las críticas sobre los personajes unidimensionales son justas, pero el elemento de terror lo compensó, en mi opinión. Como una película de terror puede ser perfectamente disfrutable.

Posdata: Que guapa es la actriz May Calamawy.

Director: Lee Cronin

The Night House (2020)

La casa oscura ★★★

¿Qué puede hacer una mujer cuando su marido se suicida y luego empieza a descubrir extraños secretos mientras intenta seguir adelante? Pues seguir adelante sin importar si hay una entidad sobrenatural :).

Si te gustan las historias de fantasmas un poco más complejas y sofisticadas, entonces este misterio que se va desentrañando podría ser justo lo que buscas. Beth (Hall) acaba de perder a su esposo en un trágico suicidio y ahora debe seguir viviendo su vida en su casa de lago, construida por ellos mismos de una manera inusual, con ventanales de cristal que llegan hasta el techo y tablas de madera que crujen. Es una puesta en escena que toda historia de fantasmas debería hacer: hacer que el público mire más allá del actor para ver si alguien se esconde al fondo.

La Casa de la Noche  utiliza prácticamente todos los recursos a su alcance para aumentar la tensión, crear una atmósfera ominosa y construir una película angustiosa. Las ideas de laberintos y la dualidad impregnan la película. Colocan encuadres dentro de otros encuadres, utilizan espejos y superficies reflectantes para desorientar, y juegan con las peculiaridades arquitectónicas de la casa y los espacios negativos para escenificar ilusiones ópticas. Todo esto subraya las capas y la multiplicidad, así como el deterioro mental de Beth.

Rebecca Hall realiza un buen trabajo en esta película, retratando las complejas emociones que se experimentan tras la muerte de un ser querido. Con una atmósfera intensa, la película te sumerge en un suspenso. Me mantuvo pegado y entretenido aunque esperaba una ejecución un poco mejor pero está bien.

Ya hemos visto esto muchas veces y siempre es difícil ir más allá de los clichés típicos del cine de terror moderno. Tenemos algunos sustos repentinos y estridentes, presagios inquietantes, el inevitable cuestionamiento de la realidad, pesadillas que aluden a algo que ha sucedido o está sucediendo en la vida real. La película se limita a recordarnos constantemente que se trata de una historia de fantasmas, pero es cuando, poco a poco, va desvelando las capas tras los inquietantes secretos que Beth descubre sobre su difunto esposo, que la historia cobra verdadera vida propia.

Hay momentos realmente tensos y una secuencia en el baño con un espejo roto que es escalofriante. Es un guion lleno de conceptos ambiciosos que no todos llegan a su conclusión. Coquetea con lo oculto. Juega con la noción de lo siniestro. El giro final podría haber tenido más impacto si la revelación se hubiera insinuado antes en la película en lugar de (lo que pareció) una simple conversación intrascendente. Aun así, funciona bien como metáfora de los pensamientos suicidas tras un evento traumático. Nunca sabemos con certeza qué es real y qué es alucinación, y ahí reside la magia. El marido de Beth se suicidó atormentado por una entidad llamada Nada, y ahora Beth misma no siente "nada".

Director: David Bruckner

Mimic (1997) Director's Cut

★★★

Mimic narra la historia de una ciudad de Nueva York asolada por una epidemia que está matando a cientos de niños. Los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) rastrean la causa de la enfermedad hasta las cucarachas en las alcantarillas y se unen a un científico para erradicarlas mediante la introducción de un híbrido genético conocido como "La Raza Judas", cuyas secreciones acabarán con la población de cucarachas existente. Tres años después, la enfermedad prácticamente ha desaparecido, pero misteriosas personas con largos abrigos rondan la ciudad y la gente está desapareciendo. Peter (Jeremy Northam), un médico de los CDC, descubre una iglesia abandonada llena de suciedad y enfermedades, donde alguien o algo a colgado excremento en las paredes. Al mismo tiempo, su esposa Susan (Mira Sorvino) recibe un extraño insecto de unos niños del vecindario y descubre que comparte la composición genética de la Raza Judas, que fue criada para morir después de seis meses. Juntos se aventuran en el metro de la ciudad para descubrir la horrible verdad sobre en qué se ha convertido su creación y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.

Me gustan las películas de monstruos. Y esta se deleita con la belleza de sus sórdidos y oscuros escenarios subterráneos. La versión del director, por lo que estuve revisando en otras web, no incluye material adicional sobre los insectos. No aparecen los insectos que atacan a los neoyorquinos ni los que forman réplicas humanas perfectas de los que habla Del Toro en los extras. Los siete minutos adicionales de metraje se encuentran en la primera hora y se centran principalmente en el desarrollo de los personajes y en profundizar en la sub-trama del embarazo de la protagonista. Supongo que gracias a estas adiciones, la película tiene un ritmo más ágil y más entretenido, tomándose su tiempo para llegar a sus escenas más memorables. El final medio simplón y genérico de la película supongo que sigue presente, pensaba que quizás había un final alternativo. Fue interesante ver a un joven Josh Brolin y a Norman Reedus (El famoso ‘Daryl’ de The Walking Dead) completan el reparto secundario y están excelentes en sus respectivos papeles.

Del Toro crea con maestría secuencias de terror, construidas a partir de su característico diseño de producción, efectos especiales de criaturas, trabajo de cámara y buenas interpretaciones. Me sumergí de inmediato en su mundo, aunque la primera mitad de la película resulta un poco repetitiva. La segunda mitad de la película es más contenida y mucho más emocionante. Tuve algunas dudas sobre la lógica del clímax, pero, de nuevo, tras conocer mejor la visión original y los desafíos de la producción de esta película, estos pequeños fallos son comprensibles. Aunque algunas tomas CGI desentonan. Al igual que "Se7en" de David Fincher, "Mimic" tiene un aire muy noventero, no solo por su estética, sino también por su conexión con los thrillers de esa década, por lo que le da una aire de ser obras de época, ya depende del público actual como percibe que ha envejecido esta cinta, por mi parte lo he visto casi 30 años después, quizás lo habré visto de niño pero no me acuerdo del todo así que no me quiero arriesgar en afirmar que si lo vi de niño, pero envejeció bien en cierta manera ya que te mantiene entretenido a lo largo de toda la película. Lo que si me decepcionó, no es en si la película sino su historia de cómo fue la producción de la misma, ya que limitaron mucho la parte creativa del director. Más adelante comparto un link de YouTube sobre cuál hubiese la historia original creativa del directores sin las limitaciones de los ejecutivos y productores.

“Concebida originalmente como una épica película de hombres contra insectos gigantes con profundas connotaciones religiosas sobre la selección natural, la película sufrió un recorte de presupuesto a la mitad y terminó por no representar la visión original del director. Posteriormente, la película enfrentó más dificultades en la sala de edición, ya que los hermanos Weinstein le pedían constantemente a Del Toro que recortara segmentos. En ese momento, Del Toro apenas estaba dirigiendo su segundo trabajo, por lo que tenía poca influencia para enfrentarse a un poderoso grupo de productores como los Weinstein. Aparentemente, estaban especialmente nerviosos por una escena en la que unos niños son brutalmente asesinados, lo que debió haber impactado al público en los años 90.”

La fuente de esto lo leí en Wikipedia en Ingles del artículo de esta película, para que tengan presentes estos detalles que son muy importantes, porque “Mimic” tenía un mejor potencial pero que fue desperdiciado y no tanto por la culpa del director.

Mimic sigue siendo una sólida película con mucho que ofrecer. Es divertida, da miedo y es maravillosamente gótica y repulsiva. Sin embargo, por decisiones ajenas mataron un mejor potencial de la misma. Tiene una historia muy interesante como para hacerle un buen remake.

EL HORROR DE MIMIC, por ‘Davitxenko’ [https://www.youtube.com/@davitxenko]

Director: Guillermo del Toro

Project Hail Mary (2026)

Proyecto Salvación

★★★★★ GRAN PELÍCULA

Hay un elemento en la capacidad del cine que nunca desaparece, sin importar cuánto tiempo pase. Ese elemento implica un verdadero escapismo hacia los rincones más recónditos de nuestra imaginación. Pienso que esto sucede especialmente en películas de ciencia ficción que tienen un buen equilibrio o una buena mezcla de diferentes temáticas.

Puede ser una mezcla entre “ET, el extraterrestre” e “Interstellar”; y también tiene elementos de “Gravity” o “The Martian”, haciendo que su historia que te atrapa al instante. Los elementos de ciencia ficción no son necesariamente nuevos, pero la forma en que se presentan es muy interesante e innovadora. Disfruté de esta película, de principio a fin.

‘Project Hail Mary’ narra la historia del profesor de ciencias Dr. Ryland Grace, quien despierta solo en una nave espacial a varios años luz de la Tierra sin recordar cómo llegó allí. Y, sinceramente, eso es todo lo que necesitas saber antes de verla.

Mientras Grace reconstruye su memoria fragmentada, descubre que el sol de la Tierra está muriendo, al igual que casi todas las demás estrellas de los sistemas circundantes. Su misión es viajar al único sistema donde una estrella no está muriendo, descubrir por qué ha sobrevivido y traer la solución a la Tierra. Para complicar aún más las cosas, sus dos compañeros de tripulación han muerto en hibernación pero no está solo. Aparece «Rocky» un extraterrestre sin rostro y con un nombre impronunciable, con quien Grace entabla amistad.

Lo que sigue es una película espacial de camaradería inesperadamente conmovedora, a veces divertida y profundamente humana, que trata sobre la soledad, la conexión y lo que realmente significa ser valiente. Está lleno de pequeños y encantadores momentos de comunicación entre Grace y Rocky, que sinceramente, espero que se conviertan en parte de la cultura popular.

Ryan Gosling está genial como Grace, aportando el equilibrio perfecto entre torpeza, encanto y heroísmo a regañadientes. Es un papel exigente (lleva el peso de gran parte de las dos horas y media que dura la película) y lo interpreta con naturalidad, manteniéndonos enganchados en todo momento. En la Tierra, ‘Sandra Hüller’ ofrece un contrapunto sereno y controlado, aportando matices y humanidad a un personaje que fácilmente podría haber resultado frío o antipático.

Los efectos visuales son igualmente notables y sorprendentemente tangibles. Gran parte de la película se basa en construcciones reales, desde los interiores de la nave espacial a escala real hasta el magnífico trabajo de los marionetistas detrás de Rocky. En una era dominada por los efectos CGI, demuestran que el espectáculo no tiene por qué sacrificar la calidad de la ejecución. Rocky, en particular, logra un equilibrio perfecto entre lo totalmente ajeno y lo emocionalmente comprensible.

Los directores Phil Lord y Christopher Miller combinan magistralmente acción, emociones, humor y le otorgan un estilo visual increíble. Sin embargo, lo mejor de todo es la emotividad de Rocky, hasta el punto de que llegas a sentir empatía por el alienígena de una forma inesperada. Los momentos más emotivos, así como los más divertidos, surgen de las interacciones entre Grace y Rocky.

Durante dos horas y media, me sentí completamente inmerso en ella. Esto es lo que el cine de gran presupuesto puede y debe ofrecer: emoción e ideas, junto con un guion sólido, una dirección brillante y una actuación central espectacular. Es la mejor película que he visto en lo que va de 2026. Es una experiencia cinematográfica conmovedora, de esas que te recuerdan por qué vamos al cine.

Directores: Phil Lord, Christopher Miller

The Secret Life of Walter Mitty (2013)

La increíble vida de Walter Mitty

-☆☆☆☆☆- [👍]

Hay momentos brillantes en la película y escenas que me atraparon por completo. Pero también había algo que faltaba, algo que la frenaba y le impedía ser la gran película que a menudo nos prometen. Pero como menciono en otras opiniones de cintas que vi, son de esas películas que al menos debes verla una vez en la vida.

Walter Mitty (Ben Stiller) trabaja en el departamento de "negativos fotográficos" de la revista Life. Una mañana, los empleados reciben la noticia de que la publicación se convertirá en una revista exclusivamente online digital, lo que hará que muchos de sus trabajos dejen de ser esenciales. El aclamado fotoperiodista Sean O'Connell (Sean Penn) envía a la revista un negativo que cree perfecto para la portada final de Life. Pero Walter lo extravía. Así que, con su trabajo en peligro y el supervisor de la transición de la empresa (Adam Scott) presionándolo, Walter se embarca en una aventura alrededor del mundo para encontrar a O'Connell, y con suerte, el negativo.

El viaje de Walter lo lleva a lugares interesantes como Groenlandia, Islandia y el Himalaya. Nos sumergen en estos lugares, a veces con perspectivas sobrecogedoras. Esto da vida al viaje de Walter, y en cierto modo, justifica su transformación personal. Sin embargo, también tuve dificultades con ciertos aspectos de su aventura. Hay tantas preguntas obvias que la película prefiere que no nos planteemos. Y también hay una cantidad desmesurada de conveniencias que facilitan la búsqueda de Walter. Independientemente de la situación, casi siempre encuentra una salida perfecta. Quizás haya un significado más profundo, pero la historia no lo insinúa.

Walter Mitty también parece tener una pequeña crisis de identidad. Hay momentos divertidos al principio, pero luego hay un largo tramo en el que se toma las cosas muy en serio. El humor queda en segundo plano y se convierte en un drama de ritmo pausado, con sus buenos y malos momentos. Carece de la consistencia de las grandes películas, pero también tenía un atractivo inexplicable del que me mantuvo atento toda la película.

En cuanto al trabajo de Stiller como director y actor, estuvo bien. Pero hay un encanto genuino y entrañable en lo que le aporta al personaje de Walter Mitty. Me sentí muy atraído por él y personalmente empaticé con su percepción de sí mismo y sus inseguridades. Ben Stiller captura todo eso mágicamente. Kristen Wiig estuvo bien también, pero su personaje de la "chica de los sueños de Walter" estaba poco desarrollado. Adam Scott es más difícil de evaluar. Su actuación no es tan mala, pero el guion hace que este típico villano corporativo sea demasiado obvio.

Es una película difícil de calificar. Sin duda, destaca por su estilo visual y sus hermosos escenarios. También por la excelente actuación de Stiller y el dulce y contagioso encanto de su personaje. Desafortunadamente, es una película irregular, con demasiados giros argumentales forzados y momentos de bajón. Sin embargo, hay algo en ella que no puedo ignorar. Me ha impactado y me ha dejado con ganas de volver a verla. Eso suele ser señal de que una película funciona, al menos en algunos aspectos.

Director: Ben Stiller

Beau Is Afraid (2023)

Beau Tiene Miedo

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Es una película extraña y respeto eso. No es necesariamente algo malo; las anteriores películas de Ari Aster que vi fueron ‘Hereditary’ y ‘Midsommar’, la cual me encantaron. Pero ‘Beau is Afraid’ no es terror porque carece de elementos de terror tradicionales, en lo que sí se puede parecer es que optan por una atmósfera completamente inquietante y tensa pero con un perspectiva diferente.

Resumir los acontecimientos de la película, con sus 2 horas y 59 minutos de duración, es toda una hazaña. En esencia, la película consiste en tres horas de Beau (Joaquin Phoenix) sufriendo un ataque de pánico prolongado, provocado por su lucha entre evitar y afrontar su trauma familiar, en concreto el materno. Beau es un hombre atormentado que se embarca en un viaje surrealista a través de una serie de situaciones extravagantes para encontrar el camino de regreso a la casa de su infancia. Perseguido por recuerdos fugaces del pasado y preguntas sin respuesta, Beau no encuentra ni un momento de paz; tampoco el público.

Su mayor defecto es su excesiva duración. Como ya se mencionó, la película apenas llega a las tres horas, y se nota. Podría haber recortado fácilmente una hora y probablemente habría tenido mucho más impacto. Para mí la trama no tiene suficiente sustancia para tanta duración pero lo entiendo. La narrativa no la requiere, y en consecuencia, tiende a alargar momentos que podrían haber sido memorables.

Más allá del arduo viaje que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película, es de digno elogio por su singular e imaginativa puesta en escena. La producción  de animadores creó una serie de secuencias surrealistas que complementan a la perfección los giros y vueltas sobrenaturales de la narrativa. Las secuencias animadas son una estética improvisada con grabaciones de acción real del reparto, fusionando ambas estéticas para crear una paleta estética visual única y reconocible.

Otro punto a favor son las magníficas interpretaciones de su reparto. Joaquin Phoenix es un protagonista sólido cuya actuación transmite una profundidad que, lamentablemente, la película no logra explorar por completo. Beau es un personaje indudablemente complejo, cuyas intenciones y traumas desencadenantes nunca se explican del todo; sin embargo, la intriga que Phoenix plantea al espectador lo mantiene en vilo de principio a fin.

El personaje que más se asemeja a la intensidad de Beau es su madre, ‘Mona Wasserman’, una mujer cuyo amor por su hijo es evidente. La actriz Patti LuPone encarna a una Mona que capta a la perfección el impacto de equilibrar su éxito con la compleja relación maternal que mantiene con su hijo, quien atraviesa dificultades. Mona es una presencia constante en la vida de Beau y en la narrativa de la historia.

Sinceramente, no sé muy bien cómo resumir lo que vi por eso se me hizo difícil darle una calificación pero son de esas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, por eso la recomiendo, además de que te invita a verla de nuevo. La película es sin duda interesante y presenta tantos elementos que verla una sola vez no basta para apreciar todos sus detalles en su caos.

Director: Ari Aster

Gintama: Episodio 5

Make Friends You Can Call By Their Nicknames, Even When You're An Old Fart – Has amigos a los que puedas llamar por apodos aunque seas un vejestorio.

★★½ MIXTO

Sigue sin convencerme, estos primeros cinco episodios ha sido la introducción pero por el momento no sentí una conexión con su estilo. Me gustan los personajes, solo que su estructura narrativa y estilo de comedia es bien japonés, quizás en mi caso haya una brecha cultural, sin embargo seguiré insistiendo hasta que me adapte a su estilo.

El episodio comienza con el trío gestionando una entrega que sale mal, lo que da lugar a un enfrentamiento con diplomáticos alienígenas y a una huida precipitada. Presenta las dinámicas clave de los personajes y la naturaleza caótica y a menudo perezosa de Gintoki. La comedia de situación en formato anime, que equilibra el humor absurdo con toques de acción.

Gintama no es un shonen convencional, enfocándose más en la interacción de personajes extravagantes, parodias rápidas y un toque melodramático pero en el fondo sabes que no te lo puedes tomar en serio el drama. Lo malo que la ejecución de este estilo por el momento no me ha logrado convencer o conectar.

Gintama: Episodio 4

Watch Out! JUMP Sometimes Comes Out On Saturdays! – ¡Ten cuidado! ¡La Jump a veces sale los sábados!

★★½ MIXTO

Tuve sentimientos encontrados con este episodio, yo sé que sigue la introducción de personajes como Kagura, una de las chicas protagonistas. Pero su acción cómica parodiando lo intenso, el gag recurrente de la búsqueda desesperada de Gintoki de una revista JUMP que se publica los sábados, se me hace repetitivo por su ejecución en este capítulo pero ya veremos esto más adelante. Kagura, la tercera integrante principal del equipo Yorozuya, al menos ayuda a mejorar la química de los personajes.

El tema central gira en torno a la decisión de Kagura de abandonar el peligroso mundo del hampa (Yakuza) y unirse al trío de nuestros protagonistas, al tiempo que se destaca la dedicación de Gintoki para obtener su manga de la Jump.

Shinpachi y Gintoki atropellan a una joven alienígena (Kagura) que está siendo perseguida por gánsteres. Resulta ser miembro del poderoso clan Yato y se encarga de la amenaza con su paraguas-pistola, dando lugar a una secuencia de acción trepidante y cómica. El episodio juega con el contraste entre la cómica búsqueda de una revista Shonen JUMP y los peligros de alto riesgo del submundo criminal de Edo.

Gintama: Episodio 3

Nobody With Naturally Wavy Hair Can Be That Bad – No hay tipos malos con la permanente natural.

★★★

Esta parece ser una introducción más entretenida que al anterior doble episodio. Establece la mezcla de comedia, acción y momentos emotivos, presentando la dinámica de los personajes y el escenario.

Aquí si presentaron adecuadamente a ‘Shinpachi Shimura’ y su decisión de unirse al negocio de trabajos ocasionales de Gintoki. El episodio resalta como comenzó el vínculo entre ellos, mostrando tanto travesuras cómicas como profundidad emocional.

El humor característico de Gintama como fue el anterior episodio, presentando rupturas de la cuarta pared, a la vez que ofrece una escena de acción para mostrar las habilidades de Gintoki.

Es una mejora con respecto a los dos primeros, pero aparte de que fue entretenido, poco a poco ya veremos el potencial de la serie.

La llegada del Amanto ha obligado a los samuráis a tirar sus espadas. Pero el padre de Shinpachi vivió a costa de la espada y nunca perdió su honor samurái. Con su último suspiro, el padre confía a sus dos hijos el espíritu samurái. Para proteger el dojo que dejó su padre, Shinpachi trabaja arduamente en trabajos que no está acostumbrado a hacer. Pero para un chico que solo sabe manejar la espada, el mundo no es un lugar amable. Cuando Shinpachi es ridiculizado por su jefe y los Amanto se ríen de ellos, un hombre se pone de pie para enfrentarse a ellos. Shinpachi ve a un samurái honesto dentro del hombre mientras golpea al jefe y acaba con el Amanto por arruinar su helado de chocolate. Sí, este hombre es en realidad Gintoki Sakata ¿El último samurái con cabello permanente como marca?—Crunchyroll 

Gintama (TV Series 2006–2010)

Episodio 01–02. You Guys!! Do You Even Have Gintama?! – ¡¿Chicos?! ¿¡¿Acaso tienen Gintama?!

-☆☆☆☆☆- [sin calificación]

Hace años que quería ver este anime que para los Otakus es muy icónico. Empezando esta nueva aventura y espero disfrutarlo. Aunque este primer episodio estuve casi todo el tiempo confundido, todo era caótico pero ya voy conociendo el estilo de este anime.

Supongo que sirve como una introducción caótica, confusa y meta-humorística a la serie, centrándose en presentar al trío principal de Yorozuya. Aunque está repleta de acción cómica y sin sentido a su manera, quizás para muchos sea un comienzo confuso. Tal vez el episodio va dirigido a los espectadores que ya estén familiarizados con el ‘manga’.

Lo que si noté es que está repleto de rupturas de la cuarta pared, parodias de la ‘Shonen Jump’ y acción caótica, lo que refleja la naturaleza impredecible de la serie.

Presentan a ‘Gintoki Sakata’ como un samurái perezoso pero habilidoso, junto con Shinpachi y Kagura, quienes están montando su negocio de "trabajos ocasionales". Como mencione puede haber confusiones, ya que los personajes se introducen sin contexto.

No lo voy a poner una calificación ni recomendar este episodio, tampoco quiero decir que sea algo negativo, simplemente esperar a ver el siguiente capítulo. Solo espero que el ritmo y la estructura del anime mejoren pero que mantenga su estilo. Puede ser un "mal comienzo" para algunos, pero es una buena muestra de su humor caótico.

The Drama (2026)

El Drama -☆☆☆☆☆- [Sin calificación] [👍]

Una película que me anime a verla y estoy seguro que la mayoría así lo hizo también, por ver como conectan Robert Pattinson y Zendaya. Al terminar de verla me gusto, puede tener sus defectos y bemoles pero tampoco me quiero andar de pretencioso dándole críticas negativas molestas. Los dos protagonistas estuvieron bien.

No deberías guardar secretos a la persona que amas. ¿O sí? Esa es, en resumen, la premisa de ‘El Drama’, que, bajo la apariencia de una comedia romántica poco convencional, explora el perdón y la comprensión (o la falta de ella) en un mundo que juzga con demasiada facilidad. Si bien la película se beneficia del encanto y la química de sus dos protagonistas, a mitad de camino se vuelve talvez algo larga, culminando en un final de ‘farsa’ para preservar la humanidad de los personajes. Pero esto también ser una bocanada de aire fresco, incluso si sigue caminos predecibles en su trama.

Puede ser una comedia algo fría que resulta bien para mí, una provocación atrevida que plantea un escenario extremo con la intención crear un concepto ingenioso a su manera, pero su ejecución muestra una visión confusa a lo largo de la película, más allá de explotarlo para provocar comedia que te incomode. Parece indeciso sobre qué hacer con el personaje de Emma (Zendaya), por lo que esencialmente la convierte en un catalizador narrativo para la crisis personal de Charlie (Pattinson), una decisión que, en el mejor de los casos, resulta algo decepcionante y, en el peor, desagradable. Charlie es un personaje más vulnerable y por ende un poco más empático, pero cuando se trata de Emma, la película se comporta como un psicoanalista que se niega a aceptarla como paciente porque no está a la altura del desafío del desafío que plantea la cinta.

Algunos fragmentos de la película funcionan bastante bien, mostrando su potencial: imágenes inquietantes de Charlie caminando junto a la problemática versión joven y adolescente de Emma mientras lidia con esta sorprendente faceta psicológica de su prometida; una escena en la que Charlie se encuentra atrapado en una espiral de justificaciones atormentadas mientras lucha con las muchas incertidumbres de la zona gris que acechan entre la aceptación y el rechazo. 

Sin embargo, el trasfondo está plagado de cabos sueltos, ya que la película coquetea con ideas sobre el perdón y el amor incondicional, sobre el dilema del control de armas, tan característico de Estados Unidos, pero nunca las desarrolla del todo. Dan ganas de rogarle al director que reconsidere el final ambiguo, que no encaja con lo anterior: una película que nos invita a ponernos en el lugar de Charlie y reflexionar sobre sus éxitos y fracasos al navegar por la densa niebla moral de una situación insostenible. Parece que no hay victoria posible. No hay posibilidad de "empezar de nuevo". Y, lo que es más importante, no hay una comprensión profunda del personaje de Emma, quien, sin que Zendaya tenga culpa alguna, está tan superficialmente esbozada que no es más que un recurso argumental.

En conclusión para mí, la película resulta atractivo por sus dos protagonistas que son súper conocidos, y su concepto prometedor, y tiene momentos memorables. Sin embargo, quizás para algunos decepciona en su intento de encontrar comedia y profundidad en una situación algo absurda. Por mi parte la recomiendo si quieres entretenerte con algo fácil de ver y digerir.

Director: Kristoffer Borgli

Smile (2022)

Sonríe ★★★½ [👍]

Los primeros 40 o 45 minutos de la película tiene un ritmo lento, algo cansino; después de eso hasta la parte final esta genial a su estilo con todos sus errores y defectos, pero como cinta de terror maldita y psicológica esta genial y entretenida.

Sosie Bacon interpreta a la Dra. Rose Cotter, quien trabaja en una sala psiquiátrica. Allí conoce a una paciente, quien le cuenta que ve una criatura que se hace pasar por otras personas con una sonrisa extraña. La paciente es la única que ve a la criatura, lo que la aterroriza tanto que se quita la vida frente a Rose, transmitiéndole así la "maldición" de la criatura sonriente. A partir de ahí, Rose comienza a ver a la criatura, y su percepción de la realidad y la ficción se distorsiona. Luego, se desencadena una serie predecible de desafortunados sucesos que involucran a Rose, quien intenta convencer a todos de que no está loca y que está maldita (y, por supuesto, nadie le cree, pensando que ha perdido la cabeza), excepto su exnovio, quien casualmente es un policía que investiga los suicidios. A medida que descubre más sobre la criatura, la premisa se vuelve más interesante.

Smile con su temática sobrenatural de la maldición propagada es parecido a la película "El Aro" (2002). Lo interesante es que una especie de posesión viral se contagia a quienes presencian los suicidios de los infectados. Pero, como en muchas películas de terror, se dejan suficientes cabos sueltos para mantener la ambigüedad.

El principal elemento de terror reside en que los malditos se transforman únicamente con la aparición de una sonrisa demente. No una sonrisa feliz, sino la de una persona perturbada que indica que ahora están afectados.

Una criatura que se alimenta del trauma puro para aterrorizar a alguien hasta el punto de que se suicide (o mate a alguien) después de una semana es un excelente modelo para un interesante villanos de terror. Y cuando ves a la criatura en su clímax, da miedo. 

Ayuda mucho que la película tenga un diseño de sonido, efectos especiales convincentes, incluyendo un buen diseño de la criatura. Todo esto combinado con una banda sonora que hace que el espectador sienta que está perdiendo la cabeza junto con nuestra heroína crea una atmósfera increíble.

En cuanto a su temática implícita, es una visión integral de la salud mental y los sistemas y normas que afectan a las personas. Smile es también una clara metáfora del trauma y su insidioso efecto dominó.

Convertir algo tan inofensivo como una sonrisa en un gesto amenazante conlleva una inquietud primigenia que explota con bastante eficacia a lo largo de la película. Aun así, las casi dos horas de duración se hacen excesivas cuando la búsqueda de Rose para descubrir el origen de su maldición empieza a hacerse algo pesada sobre todo al principio. Pero por lo demás, es una película de terror altamente recomendable.

Director: Parker Finn

Mars Express (2023)

★★★★ [👍]

Una joven acaricia a su gato robot. De repente, suena el timbre. Abre la puerta, sin saber que tras ella se esconde su perdición. Desde sus primeros minutos, la película te engancha. En el desolador mundo futurista la esperanza parece una rareza, sustituida por el cinismo tanto de robots y/o IA como de humanos.

Siguiendo a Aline Ruby, una detective privada obsesionada con el intento de asesinato de Jun Chow, quien en realidad era el objetivo del asesino que eliminó a aquella estudiante al principio de la película, descubrimos un futuro sombrío donde los androides son la última especie esclavizada por la humanidad. Rechazados por la sociedad y tratados como monstruos, se ven obligados a satisfacer todas las necesidades y deseos humanos, incluso, por supuesto, los más oscuros.

Lo que me encantó de Mars Express es que, al igual que Ghost in the Shell, descubrimos este mundo no solo desde el punto de vista de Aline, sino también a través de los ojos holográficos del androide Carlos Rivera. Rivera, colega de Aline durante muchos años, murió cinco años antes de los eventos de la película en una traumática campaña de mercenarios, y su conciencia ahora está transferida a un cuerpo cibernético oxidado y obsoleto. La desgarradora historia de este personaje, que anhela reunirse con su esposa e hija, quienes han seguido adelante con sus vidas tras su muerte, da lugar a muchos momentos impactantes. ¿Se reunirá Rivera con su familia al final? ¿Qué le sucederá a Jun Chow, en medio de la gran conspiración que la película insinúa poco a poco? ¿Y cuál es la conexión entre Rivera, Ruby y el excéntrico multimillonario Chris Royjacker, el hombre más influyente de Marte?

A veces resulta difícil seguir la trama de la película. Pero es precisamente esa densidad de personajes, argumento y diseño del mundo lo que me mantuvo pegado, que para mí fueron como una inmersión lenta y profunda al borde de un abismo inexplorado. Un lugar donde se revelarían misterios, con personajes que se esfuerzan por encontrar la respuesta definitiva, el sentido de sus vidas. Esta atmósfera única se logra no solo gracias a un guion denso y diálogos complejos, sino también a través de la banda sonora, mezclando música electrónica y ambientes típicos de ciencia ficción, dan vida a este universo tecnocrático donde la humanidad es a la vez dueña y esclava de sus propios designios.

Por otro lado, me costó conectar con los personajes. Como ya se mencionó, Rivera y Ruby forman un dúo implacable, pero no me convencieron del todo hasta que la película empezó a profundizar en sus historias, especialmente en la de Carlos, que sin duda es el personaje más interesante. El hecho de que sea el androide dice mucho sobre el punto de vista cínico que impulsa Mars Express de principio a fin. Aunque los humanos tengan la mayor parte del tiempo en pantalla, queda meridianamente claro que los personajes, ya sean Aline, Jun o incluso el multimillonario Royjacker, han perdido completamente el rumbo en esta realidad. Sus acciones, impulsadas por una voluntad primigenia de supervivencia, fatalismo, locura o incluso pura desesperación, le dan a Mars Express un tono adulto radical y un mensaje sombrío.

Para los amantes de acción Cyberpunk encontrarán momentos memorables en las espectaculares secuencias de lucha, que si bien son escasas, rebosan intensidad. Se ve la influencia de Ghost in the Shell o RoboCop. Y esta es solo una de las muchas influencias que descubrirás al explorar esta película.

Es una película densa, el ritmo es irregular, a algunos personajes les falta profundidad y no todas las tomas fueron de mi agrado. Sin embargo, cuando más pienso en ella logra sumergirme aún más en el corazón de su fascinante oscuridad.

Director: Jérémie Périn

X (2022)

★★★★ [👍]

La gran influencia de esta película fue el gran impacto que tuvo ‘La masacre de Texas’ para el género de terror ‘slasher’, ambientada en la misma década setentera pero con una trama ingeniosa, ya que no es simplemente de jóvenes inocentes y vulnerables. Su historia comienza, al igual que La masacre de Texas, con un grupo de jóvenes (en esta ocasión, cineastas) que se dirigen a una zona rural de Texas, pero con un plan diferente: rodar una película porno.

Desde el principio, queda claro que X es una demostración de talento cinematográfico, ofrece una dirección dinámica, sus composiciones de planos y secuencias, con una atención meticulosa al detalle y un dominio de los escenarios, lo que le permite aprovechar al máximo el entorno en cada escena y exprimir al máximo la tensión y la presión de cada momento. Al igual que ‘La masacre de Texas’, aprecia la crudeza y la suciedad del campo texano con su cámara.

El enérgico montaje también dinamiza considerablemente la película, con transiciones vertiginosas que contribuyen enormemente a mantener el suspense a lo largo de toda la cinta. Tampoco se pueden pasar por alto los esfuerzos por recrear la época de finales de los 70, ya que va más allá de la mera incorporación de elementos históricamente precisos (como algunas excelentes selecciones musicales) al plasmar la estética y el ambiente de la época en su obra.

Es esa última parte la que más impacta, incluso quizás más que cualquiera de sus sustos repentinos, hábilmente orquestados y tremendamente subversivos, ya que sería fácil descartar X como otra simple película slasher barata con tetas y sangre a raudales, pero es evidente que la película tiene algo más en mente, pues su guion incluye un comentario social complementario mientras nos vemos cautivada por el sexo y la matanza en pantalla. No sorprende que una película sobre la realización de una película porno tenga algo que decir sobre el sexo y la sexualidad en general, pero lo más llamativo es cómo los mensajes se expanden y evolucionan a medida que avanza la película (y un torrente de giros complica esta historia tórrida), particularmente en cómo se vincula con las acciones de nuestros antagonistas.

Sin adentrarnos demasiado en el terreno de los spoilers, el verdadero villano en X es la represión sexual, tanto a nivel personal como político, como lo demuestran las enseñanzas constantemente anunciadas de un telepredicador conservador en un televisor de fondo en muchas escenas. El choque entre este grupo y dos ancianos erráticos simboliza una brecha generacional más profunda entre los "amantes libres" de los 70 y los conservadores más religiosa (y sus víctimas) de los 30 y 40, que desprecian a estos desviados tras haberse privado de los mismos placeres años atrás. Y, sin justificar en ningún momento su maldad, la película encuentra la manera de hacer que sus villanos sean increíblemente reales y cercanos, y, como resultado, aún más amenazantes.

Otro aspecto que distingue a X de sus contrapartes más cutres del subgénero slasher es la simpatía y el encanto de su reparto. Normalmente, en alguna secuela sórdida de Viernes 13 o Halloween, no nos importa lo que les pase a los adolescentes problemáticos; solo queremos ver el caos clásico de Jason o Myers. Sin embargo, aquí, gracias a la escritura empática sobre estos actores sexuales y a las interpretaciones divertidas y apasionadas del elenco, nos sentimos realmente conmovidos cuando alguien encuentra su espantoso final. Algunos pueden tener personalidades pomposas, pero en general son buenas personas que simplemente intentan triunfar en este mundo perverso, y sus interacciones son peculiares y atractivas, a medida que cada personaje trasciende su arquetipo de terror.

Martin Henderson es divertido como un productor vaquero arrogante con la suficiente confianza para todo el equipo, y Kid Cudi se lo pasa en grande interpretando los estereotipos pornográficos de finales de los 70 y principios de los 80; pero son las mujeres quienes realmente llevan la batuta. Brittany Snow puede tener el aspecto de una rubia tonta y de pelo voluminoso, pero también tiene una desfachatez seductora que resulta instantáneamente revitalizante, mientras que Jenna Ortega, que salió a la fama por su serie de Merlina, demuestra que no fue algo puntual, asumiendo aquí un papel más resignado que se desarrolla de forma fascinante a medida que avanza la película.

Y por último pero no menos importante, Mia Goth, es una de las protagonistas femeninas de terror más divertidas y feroces de los últimos años, hace poco me vi ‘Pearl’ (2022) y fue espectacular su actuación, y aquí con X sigue aportando una sutil sensibilidad al personaje y participando en alguna masacre cuando la ocasión lo requiere, un halago verla en toda la película. Mientras que algunas películas luchan por combinar el terror con la hilaridad, X logra un equilibrio perfecto gracias a la narrativa y la técnica cinematográfica, deleitándose tanto en el absurdo cómico como en la cruda atrocidad de todo ello en igual medida. En un mundo donde los estudios se contentan más con producir secuelas de slasher que con crear nuevas obras de terror, películas como X son más esenciales que nunca, ya que este es el tipo de creatividad emocionante (tomar una fórmula existente y reinventarla) que el género y la industria en su conjunto necesitan para sobrevivir. Y además, es una película bien hecha.

Director: Ti West

NOPE (2022)

¡Nop! ★★★

Daniel Kaluuya y Keke Palmer interpretan a los hermanos OJ y Emerald Haywood, dueños de un rancho en una zona rural aislada. Sin embargo, su mayor preocupación no es la salud de los caballos ni el alquiler de este mes. Un extraño objeto volador está provocando una serie de sucesos insólitos en el pueblo. Así que, en lugar de hacer lo más sensato, como mudarse al pueblo más cercano, deciden reunir todos sus recursos para intentar documentar este fenómeno. Diría que es poco realista, pero parece que hoy en día volverse viral en YouTube y ganar dinero con así tiene más peso que el bienestar personal.

Tenía expectativas altas para Nope. El hecho de que fuera de Jordan Peele sin duda ayudó, considerando que tiene películas como ‘Get Out’ y ‘Us’. Pero personalmente me atrajo más la premisa en sí. Si bien el tema de los extraterrestres y las civilizaciones extraterrestres aparece con frecuencia, estas películas suelen abordar el tema desde una perspectiva de ciencia ficción. Lo que Nope parecía prometer era una historia que recordaba a las historias de extraterrestres más clásicas, con gente común que se encuentra con ovnis. Esta premisa parecía perfecta para una película de terror.

No es que sea una película mal hecha. Está filmada y editada con competencia, y sobre todo, logra transmitir bien el terror por momentos. Como muchos han dicho, lo que realmente hace que el terror funcione es el miedo a lo desconocido. Y dado que esta película trata literalmente sobre un objeto volador no identificado, naturalmente introduce ese factor de miedo. A lo largo de la película, los personajes no tienen ni idea de dónde viene, qué quiere ni cómo funciona. Por lo tanto, se quedan en vilo, a la espera de cuál será su próximo movimiento.

Pero incluso en una película de terror, no basta con encadenar momentos de miedo y darlo por terminado, pues se convierte en una atracción de casa encantada demasiado larga. Una historia y unos personajes atractivos son esenciales para que el público se sumerja en la trama. Quizás pienses que estoy haciendo la crítica más obvia, y tendrías razón, pero el problema es que Jordan Peele parece haber olvidado ese hecho tan evidente.

Peele sin duda tiene mucho que decir con Nope , quizás demasiado. Al igual que en sus películas anteriores, incluye una buena dosis de crítica social, que abarca desde videos virales hasta la cultura de la vigilancia, el atractivo del cine, la historia afroamericana en el cine. Sin duda, todos estos son temas interesantes para reflexionar, y no le reprochó a una película que intente hacerme pensar. Lo que sí me molesta es que la película sacrifique la estructura básica en aras de la reflexión.

El ritmo de la película da saltos bruscos, como montar un caballo. Durante los dos primeros tercios, las cosas simplemente suceden, y aunque hay algunos momentos de tensión, en general se siente plano. Luego, la película pasa a un último acto que se siente más bien superficial. De nuevo, no quiero revelar demasiado, pero los personajes escapan tras una situación extremadamente peligrosa y lo logran. Sin embargo, luego deciden hacer algo que parece completamente irracional dada su situación actual. Quizás si comprendiera mejor a los personajes y sus emociones, podría entender por qué tomarían esa decisión, pero ese es otro problema de la película, ya que no logró que me involucrara con los personajes principales.

Daniel Kaluuya y Keke Palmer, al igual que el resto del reparto secundario, ofrecen interpretaciones sinceras. Sin embargo, la dinámica entre OJ y Emerald, y su historia en común, se abordan de forma muy superficial. En el clímax, la película recurre al recurso narrativo tan manido de que una acción o frase aparentemente inocente del protagonista al principio se convierte en parte de un momento emotivo más adelante, y resulta completamente forzado, porque incluso en el clímax me costaba entender quiénes eran estos personajes y por qué actuaban como lo hacían.

En lugar de una progresión natural de la trama o un desarrollo de los personajes, nos encontramos con múltiples personajes o escenas que aparentemente no aportan nada a la película. El mejor ejemplo es una sub-trama que involucra a un chimpancé que aparece y desaparece constantemente. No entendía su relevancia para la trama principal, e incluso después de pensar en ello, seguía sin entender nada.

En cambio, Nope impone sus ideas de tal manera que resultan intrusivas para el desarrollo de la trama, lo que me lleva a cuestionar más la película en sí que sus temas. Y, como ya dije, hay muchísimos, y no hay tiempo suficiente para explorarlos todos. Algunos podrían haberse eliminado y reservado para otra película, porque cuando una película intenta abarcar demasiado, es muy probable que no domine nada.

Quizás el problema soy yo. Quizás simplemente no lo entiendo, sea lo que sea. Tal vez si volviera a analizar cada escena hasta el último detalle, todo empezaría a encajar. Pero entonces, la pregunta sería: "¿Por qué tendría que volver a verla?". Si una película me deja confundido y poco interesado la primera vez que la veo, pues lo más probable que no lo vuelva a ver por mucho tiempo.

Director: Jordan Peele

Invincible: Episodio 3x04

You Were My Hero ★★★★

Otro episodio de “créditos finales falsos” a los treinta, y luego nos ofrece un vistazo a una trama completamente diferente. De esta manera, nos ponemos al día con Allen y Nolan y el episodio cumple una doble función para su narrativa. Una de las grandes virtudes de la serie es que no se alarga innecesariamente para crear más episodios. Sin embargo, acortarlo permite una narración eficiente por parte de todos los involucrados.

Además, la historia de Mark y Eve ofrece un momento de felicidad que faltaba en los últimos episodios. Su historia, que se desarrolla dentro de otra historia, nos da esperanza para ambos personajes. La dinámica entre Mark y Eve siempre estuvo marcada por la tensión sexual, pero juntos han encontrado una calma inesperada. Es maravilloso presenciar su evolución, y da la sensación de que estaban destinados a estar juntos.

El mundo del futuro es interesante y devastador. La caída de ‘Inmortal’, convertido en tirano, es preocupante, pero no tan impactante como el futuro de Mark. Si algo nos las otras líneas temporales es que Mark suele volverse malvado ¿Podemos confiar en el Mark de esta línea ‘original’ del tiempo o prueba de que estamos siguiendo al villano de esta historia?

Fue divertido ver el regreso de ‘Battle Beast’, ya que su aparición inicial fue trepidante, presentando una gran pelea en la primera temporada. Si bien el monstruo busca la muerte, es un luchador formidable. Su retorcida ideología espartana lo distingue, pero incluso su sola presencia visual le aporta una dinámica divertida.

Por último, pero no menos importante, la revelación de Nolan es trascendental. Si los viltrumitas siempre han controlado su entorno mediante la fuerza, y la amenaza de miles de ellos mantenía la galaxia bajo control, con un número tan reducido y dos más muertos, los viltrumitas restantes serán vulnerables. Tal como Allen esperaba, esta deserción podría cambiar el rumbo de la guerra.