The Invite (2026)

La invitación ★★★

Primero lo primero, este remake es inferior al original, principalmente por sus personajes, de lejos ‘Sentimental’ tiene el mejor cuarteto. Me decepciono un poco además la actuación de Edward Norton, quizás este papel no era para él por el guión. Tuvieron sus momentos divertidos en la escena donde intercambian parejas, la música de Sade, pero después de eso no hubo mucho que ofrecer. Los diálogos fueron inferiores también. Quizás estoy siendo mezquino, pero el reparto me resulta poco creíble, no tanto por su actuación, sino por su presencia, no me convenció.

La película expresa nuestras inseguridades actuales y cuánto hemos perdido de vista la felicidad. Los secretos y las frustraciones ya no pueden ocultarse por las apariencias; durante una cena improvisada con otra pareja, los infelices esposos Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde, quien también dirige) se ven obligados a reflexionar sobre sí mismos y a confrontar las verdades tácitas que los han llevado a esa noche en particular.

Algunos aspectos se mantienen ambiguos, como la rotunda insistencia de Joe en que su antigua carrera musical en una banda de un solo éxito no vuelva a mencionarse (ni siquiera en el tocadiscos). La verdadera causa de la infelicidad de Angela también se mantiene en la ambigüedad, aunque gran parte de ella proviene de la infelicidad de Joe. En medio de todo esto se encuentra su hija, a quien no vemos, y que parece ser la única razón por la que intentan que algo funcione. Pero ambos están atrapados en una espiral de discusiones y antagonismo, y no tienen ni  idea de qué hacer cuando se enfrentan a sus vecinos de arriba, Hawk (Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja cariñosa y comprensiva que son polos opuestos a Joe y Angela, tanto en lo personal como en lo profesional.

Por un lado, tenemos el realismo de las tensiones de la vida moderna, profundamente arraigado en la relación de Joe y Angela. Desde su constante actitud defensiva especialmente entre ellos, sin mencionar cómo se comportan con Hawk y Pina, hasta la actitud hastiada y desconfiada de Joe y la desesperación de Angela por cualquier cambio en su rutina o una salida del bache en el que se encuentra, esta pareja pasa casi toda la película criticándose mutuamente por supuestas faltas y negligencias.

Seth Rogen interpreta a su personaje con un arrepentimiento sombrío, añorando la vida divertida que Joe solía tener y los buenos momentos que pasaba con Angela, molesto porque el mundo lo ha relegado a este pequeño rincón para que se marchite y se vuelva inútil. Incluso su piano, en el que probablemente compuso gran parte de la música de su banda, permanece cerrado con llave y sin usar. Su conflicto con sus vecinos proviene sobre todo cuando Hawk y Pina los mantienen despiertos a él y a Angela con ruidos sexuales fuertes, a veces a las 3 de la mañana.

Lo que aqueja a Joe y Angela es la falta de sinceridad entre ellos y con respecto a sus deseos. Así que, cuando Hawk y Pina los visitan con la excusa de ver su apartamento recién reformado, Joe y Angela se sorprenden de lo relajados y abiertos que son entre sí, por no hablar de lo impactados que quedan por la franqueza de Hawk y Pina con ellos. Incluso son directos con el motivo de los ruidos sexuales, que Pina y Hawk no tienen inconveniente en comentar, pero que está totalmente fuera de la normalidad y la perspectiva de vida de Joe y Angela. Y cuando Pina y Hawk les dicen que hay otro motivo de su visita, es cuando la relación de Joe y Angela se pone aún más en tela de juicio.

En contraste, Penélope Cruz y Edward Norton interpretan a Pina y Hawk como personas relajadas y despreocupadas. Sin hijos, libres y comprensivos, parecen ser el tipo de personas que Joe y Angela podrían haber sido si se hubieran centrado en su felicidad y hubieran seguido adelante juntos. Parte de la diversión reside en ver a Cruz interpretar a una mujer seductora, pero es la inteligencia de su personaje la que cobra mayor importancia a medida que avanza la película, y es curioso presenciar la transformación gradual de Pina, de seductora a analítica, sin perder su atractivo. Del mismo modo, Norton se une a Cruz al mostrar cómo la vida lo ha cambiado, optando por un camino mejor y más altruista hacia la felicidad.  Norton le otorga a Hawk un temperamento más sabio, combinado con una seguridad y confianza inquebrantables en cada paso que da hacia su objetivo y el de Pina. Pero como mencione, la presencia de Norton no me convenció del todo, su contraparte de ‘Sentimental’ lo hizo mejor más directo y creíble,  aunque esa afirmación me lleva a una pregunta que lo plantearé más adelante.

Olivia Wilde equilibra la ira, la sensualidad y una desesperación cansada para crear este torpe y desesperado intento de salvar el matrimonio de Joe y Angela, o por el contrario, darle el golpe de gracia. La cuestión no es dónde terminarán, sino dónde están ahora y qué están dispuestos a hacer al respecto. Joe y Angela tienen lo que necesitan, pero en lo que parecen ser los últimos momentos de su relación, están tan a la defensiva y cansados como para entregarse el uno al otro. Y cuando sus posibles futuros yo alternativos se ven reflejados en Hawk y Pina, no saben si luchar o rendirse. Eso sí, la película no pretende decir nada profundo; simplemente nos invita a observar lo que hay y lo que les impide ser más como pareja.

Ahora me pregunto, ¿Qué hubiera pasado si hubiese visto primero esta versión y después la original? Quizás no le hubiese puesto 3 estrellas sino 3.5 XD. Pero estoy seguro que si hubiese visto el original después, igual me seguiría quedando con el original. Y también no criticaría tanto la inclusión y la presencia de Norton XD. Sin duda el tiempo y el momento son importantes cuando uno ve cine, porque eso cambia tu perspectiva y reflexión.

Directora: Olivia Wilde

Passenger (2026)

El Pasajero Del Diablo ★★★

Su enfoque narrativo, su ritmo y una atmósfera asfixiante me gustaron. Fue una pesadilla trepidante en la autopista.

Passenger narra la historia de una pareja cuyo viaje nocturno por un tramo remoto de la carretera se transforma poco a poco en algo cada vez más extraño e inquietante. Lo que comienza como un viaje ordinario rápidamente se convierte en paranoia, horror psicológico y encuentros perturbadores, a medida que la pareja se da cuenta de que algo anda muy mal mucho antes de comprender del todo a qué se enfrentan.

La película empieza con fuerza. La secuencia inicial presenta un plano secuencia que te atrapa de inmediato y marca el tono. Es tensa, inquietante y está dirigida sin pretensiones. Más adelante hay otro momento que involucra una secuencia de persecución en un aparcamiento casi vacío, y de nuevo, es el tipo de escena que te recuerda que su atmosfera va ser puro suspenso y tensión. Algunas de las escenas más tranquilas resultaron, más inquietantes que los momentos de terror más intensos. 

El problema es que hay ideas que resultan mucho más extrañas e interesantes de lo que la película se atreve a explorar. Al principio, la carretera interminable y el aislamiento constante crean una atmósfera onírica, como si los personajes estuvieran atrapados en algo de lo que no pueden escapar. Sinceramente, me hubiera gustado que la película profundizara más en ese aspecto, porque esos momentos fueron, sin duda, los mejores para mí.

En cambio, poco a poco se adentra en terrenos de terror mucho más familiares a medida que avanza. En el acto final, sobre todo, da la sensación de que la película deja de confiar en sus ideas más interesantes. Algunas partes del final de repente empieza a sentirse más predecible de lo que prometía la premisa original.

En cuanto a la interpretación, ‘Lou Llobell’ y ‘Jacob Scipio’ están bien. Ninguno ofrece una mala actuación. El mayor problema radica en que la relación entre ambos personajes no termina de cuajar emocionalmente, aunque creo que esto se debe más al guion que a los propios actores. Muchos de sus diálogos resultan algo forzados, lo que dificulta conectar con la historia cuando el aspecto emocional cobra mayor importancia. Dicho esto, hay escenas en las que ambos actores dejan entrever una profundidad emocional. Pero simplemente, la química no llega a ser lo suficientemente consistente.

Visualmente, la película logra mantener el interés, y hay momentos en que la atmósfera crea una auténtica sensación de inquietud. Sin embargo, nunca llega a explotarlas del todo. El ritmo decae ocasionalmente, el misterio pierde interés a medida que se revelan las respuestas, y la experiencia general se convierte en algo a veces frustrante.

La película luce genial, eso sí. El director sabe cómo usar la oscuridad a la perfección sin que resulte imposible ver nada. Las escenas nocturnas en la carretera, en particular, tienen una atmósfera realmente inquietante, y el diseño de sonido contribuye en gran medida a mantener esa tensión latente en segundo plano durante los momentos más tranquilos.

El problema del guion radica en su incapacidad para encontrar el equilibrio adecuado entre la dinámica de la pareja y la mitología del folclore del terror. Como resultado, las emociones fuertes siguen siendo escasas y distantes entre sí, incluso cuando se invierte más tiempo en explorar la reunión de personas que viven en furgonetas. Sigue siendo un problema muy específico porque los momentos de terror son ineficaces y están diseñados para funcionar solo de forma aislada. Serás testigo de un incidente aislado en la carretera que amenaza con aumentar el miedo, pero no se compromete del todo a crear una atmósfera de terror a su alrededor.

La mitología detrás del supuesto folclore es poco convincente, que apenas se basa en símbolos para comunicar el ángulo lógico de las cosas. Todo lo que obtienes es algo de información con la protagonista hojeando un libro que encuentra por casualidad en una librería. Esto, mientras ocurre después de un incidente aterrador en el estacionamiento que no fue captado por la cámara del auto. Desde una perspectiva estructural, el enfoque debería haber estado directamente en el folclore desde ese punto, pero en cambio lo que se obtiene son momentos acogedores seleccionados al azar, a menudo interrumpidos por situaciones de terror.

Passenger resulta frustrante por momentos. Aun así, la atmósfera funciona, un par de secuencias son memorables y es entretenida. Tiene algunos altibajos, pero nunca se desvía por completo de su rumbo y sigue siendo una película de terror disfrutable.

Director: André Øvredal

Eiga Daisuki Pompo-san (Pompo: The Cinephile) (2021)

Pompo, la magia del cine ★★★

Curiosa película anime, que es una carta de amor al cine en su mirada más técnica que cinematográfica. Trata sobre la realidad de hacer una película, y cómo a veces, hay que hacer grandes sacrificios. Esta película no fue hecha para el público general, sino para quienes desean formar parte del proceso creativo del cine. Si disfrutas del arte de hacer películas, encontrarás algo interesante en la película y probablemente aprenderás algo.

En este mundo ficticio que es básicamente igual al nuestro, nos transportamos a “Nyallywood”, la versión ficticia de la capital del cine estadounidense, donde trabaja Pompo, la productora. Es una chica bajita y enérgica que come dulces o batidos constantemente, nieta de un famoso director, y creció rodeada de películas. Por lo tanto es una de las mejores en el negocio, que trabaja exclusivamente en películas de serie B (tanto porque son divertidas como por el desafío que representan para atraer al público). Ella es solo la productora, que pasa su tiempo corriendo entre sets de filmación, contratando actores y equipo, planificando y presupuestando todo.

Esperaba innumerables homenajes a otras películas de Hollywood, pero no había tantos. En realidad, trata sobre el proceso de realización cinematográfica, más que sobre el amor por el cine en sí. Trata sobre el casting, las relaciones profesionales, el trabajo en equipo, la retroalimentación y su correcta aplicación. Trata sobre rodar en exteriores y lidiar con el clima y otros factores ajenos al control del equipo. Trata sobre seguir el guion, pero también sobre probar nuevas ideas y escenas sobre la marcha. Y trata sobre el montaje, la parte que más le gusta a Gene: pero con casi 100 horas de metraje, ¿cómo puede llegar al montaje final antes del estreno? Entonces la realidad se impone cuando determina que se requieren regrabaciones y surgen problemas con los inversores de la película. Centrándose en la energía y el espíritu del trabajo en equipo y la producción artística, con sus altibajos.

Esta es la única película que recuerdo que logra que el proceso de edición resulte realmente interesante y por momentos épico. La película está llena de saltos en el tiempo hacia adelante y hacia atrás, pantallas divididas, títulos superpuestos y un montón de otros trucos. La duración oficial de esta película es exactamente 90 minutos, un gran guiño que cobra sentido después de verla. A veces, la película tiene tanta energía que la edición corre el riesgo de descarrilarse, pero todo se mantiene en el camino, y las historias y conclusiones complicadas tienen sentido sin perder al espectador. Además muestra el detrás de cámaras, donde la industria del entretenimiento está llena de productores desesperados por convertir en superestrellas a actores sin experiencia y arriesgarse con directores nuevos, dándoles el montaje final, incluso si eso casi lleva a la bancarrota la producción, simplemente porque les apasiona el proyecto. Y cabe destacar que en la película todos admiten abiertamente que la premisa de esta película ficticia es una farsa para ganar un Óscar, añadiendo que la profundidad de los personajes compensa la trillada premisa.

No se puede negar que este anime tiene buen corazón, incluso cuando es un poco brusco con sus filosofías. (Pompo argumenta que "Cinema Paradiso" es demasiado larga y, bueno, tal vez tenga razón), y por algunos tramos se hace aburrido e innecesario. Pero sin duda es una película entrañable sobre lo maravilloso que sería tener a alguien que apoye de verdad tu visión artística, y eso es algo genial con lo que fantasear, o si tienes mucha suerte, con lo que vivir.

Director: Takayuki Hirao

A Knight of the Seven Kingdoms: Episodio 04

Seven ★★★

El episodio comienza con Dunk en una celda oscura tras su ataque a Aerion Targaryen para proteger a la titiritera. Se revela el verdadero linaje real de Egg, lo que complica aún más las cosas. Equilibra el encarcelamiento de Dunk, las consecuencias emocionales de la identidad secreta de Egg y la pesada carga de la caballerosidad.

La Famosa Prueba de los Siete. En lugar del combate singular habitual, el desesperado Príncipe Aerion exige una antigua prueba de siete hombres, en la que catorce combatientes luchan a muerte. Esto lleva a Dunk en una busca desesperada de aliados, para encontrar a otros seis caballeros dispuestos a arriesgar sus vidas contra los acusadores Targaryen. Logra obtener la ayuda de algunos aliados leales, entre ellos los primos Fossoway. La parte emotiva de esa búsqueda es cuando el príncipe Baelor Targaryen da un paso al frente para ponerse al lado de Dunk, ofreciendo una poderosa defensa de sus acciones.

Este episodio profundiza en la cambiante visión del mundo de Dunk, quien se pregunta si el verdadero honor aún existe en Westeros, mientras que la dinámica cambiante de Egg con él trae consigo algo tragicómico.

A pesar de su duración relativamente corta, el guion y la dirección transmiten la fidelidad de la serie original de GoT especialmente por sus diálogos. En cuanto al tono se basa en interpretaciones profundas centradas en los personajes en lugar de en la acción, ya que todo esto se está preparando para el siguiente episodio.

Hokum (2026)

La Maldición de la Bruja ★★★

Hokum narra el viaje de un apático escritor estadounidense ‘Ohm Bauman’ (Adam Scott) al hotel rural irlandés donde sus padres pasaron su luna de miel. La película comienza y termina dentro de la novela que Bauman está concluyendo. Desde el principio, la tensión se entrelaza con la tragicomedia en el hotel, y Bauman se muestra a la vez curioso y hostil con sus habitantes: pregunta por la ballesta de un empleado y charla con el camarero sobre su novela, pero también quema la mano del botones con una cucharilla.

Es evidente que su único propósito —esparcir las cenizas de sus padres en los jardines del hotel— debe cumplirse sin rodeos ni atenciones excesivas hacia el personal. Algo atormenta a Bauman (y sus problemas de salud mental quedan patentes desde el principio en una escena de la película) y, volvemos a los temas del trauma, la culpa y el duelo. Adam Scott retrata este trauma de forma interesante, aunque en cuanto al guion, creo que las alusiones al suceso traumático que «persigue la narrativa», por así decirlo, resultan demasiado obvias al ser explícitas en lugar de implícitas.

Lo que realmente funciona para mí, en cuanto a sus característicos sustos repentinos, es que los demás elementos espeluznantes y siniestros de sonido e imagen fluyen bien con los diálogos. Y no se trata solo de un monstruo o aparición fantasmal, sino que hay una variedad de figuras embrujadas que aparecen en estos destellos. El diseño de sonido lo complementa bien, repleto de lamentos espeluznantes, campanillas y pausas instrumentales.

La claustrofobia y el aislamiento son fundamentales para el terror de Hokum: la suite nupcial abandonada y los múltiples espacios que contiene contribuyen a una enfermiza sensación de encierro. El ominoso montaplatos, ocupado durante casi todo el segundo y tercer acto, se utiliza con gran eficacia como escondite y medio de transporte, descendiendo a las profundidades de la guarida de las brujas.

Lo que se nos recuerda es que la brutalidad e impunidad bien humana está en el centro de Hokum, y los monstruos folclóricos ofrecen la posibilidad de una retribución kármica. Me hubiera gustado ver una exploración más profunda de la bruja y el antiguo terror asociado a ella; quizás la trama se centra demasiado en el aspecto humano, por eso para mí pierde algo de fuerza cuando el personaje principal queda atrapado en la habitación y lucha por sobrevivir. Si bien mantiene la tensión, la amenaza de la bruja que acecha está bien hecha, se vuelve poco efectiva durante el resto de la película.

Hay un drama humano intrigante que entra en juego, incluyendo un par de giros argumentales, pero en algunos momentos va erosionando la atmósfera retorcida que el director estaba construyendo.

Director: Damian Mc Carthy

Rick and Morty: Episodio 7x07

Wet Kuat Amortican Summer ★★★

Fue un episodio divertido. Que sin duda hace parodia disparatada de ‘Total Recall’ y ‘Taken’.L a historia une a Rick con una Summer empoderada para rescatar a un Morty psíquico, "Kuato", fusionado físicamente con otro ser, de un inframundo alienígena . El resultado es una aventura entretenida y llena de acción, con toques de absurdo de ciencia ficción y un desarrollo genuino de los personajes.

El caos comienza cuando Rick les regala a Summer y Morty un "controlador de atributos", un aparato que funciona como un mod de videojuego y les permite aumentar su fuerza física, inteligencia y destreza. Al pelearse por el único dispositivo, se fusionan accidentalmente en un "Kuato" (el mutante psíquico de Total Recall), dejando el rostro de Morty sobresaliendo del estómago de Summer.

Cuando la fusión falla, Morty es secuestrado por traficantes de Kuato, lo que obliga a Summer y Rick a emprender una frenética misión de rescate al estilo de "Taken" a través de la galaxia.

Como casi siempre, el episodio destaca por fusionar elementos icónicos de la cultura pop con el humor negro característico de la serie. Los creadores dan un giro ingenioso, pasando de la fiesta de fútbol escolar a un exclusivo y retorcido club clandestino diseñado para alienígenas adinerados que buscan explotar a Kuatos para revoluciones o trabajos forzados.

Para aquellos que buscan un desarrollo de personajes a largo plazo, el episodio proporciona un excelente nexo de unión. Por ejemplo, el vínculo entre Rick y Summer: Rick admite explícitamente que Summer le recuerda a su difunta esposa, Diane. Este vínculo emocional le da verdadero peso a su relación, demostrando que, a pesar de su insensibilidad, Rick siente un profundo respeto y afecto por Summer.

Fue entretenido por sus clásicas parodias de buena originalidad y el ritmo algo intenso del episodio. Aunque la trama de los Kuato, puede ser absurda y que se prolonga demasiado. No obstante, como episodio independiente es disfrutable.

Rick and Morty: Episodio 7x06

Rickfending Your Mort ★★★

Tras el buen episodio anterior, este recurre a un recurso clásico de recopilación de escenas flashback. Su narrativa está impulsada por una raza alienígena omnisciente conocida como los "Observadores".

Debido a que recuerdan todo lo sucedido, estas rocas extraterrestres obligan a Rick y Morty a un juicio al estilo de un tribunal después de que el dúo mata accidentalmente a una de ellas. Esto da paso a la presentación de recuerdos holográficos, revelando un tesoro de micro-aventuras inéditas y trepidantes.

El episodio funciona principalmente como un escaparate de frases ingeniosas y parodias de ciencia ficción rápidas y creativas. Se nutre de la tensión cómica que surge entre Rick y Morty, que disfrutan del absurdo de su universo.

Está repleto de recreaciones holográficas de alta calidad de momentos del pasado y secuencias de universos alternativos extravagantes y referencias culturales, como escenas parodiando la película ‘Cementerio de Mascotas’.

Si bien los segmentos de recopilación de escenas y las parodias pueden ser divertidos, la segunda mitad del episodio decae en calidad. Cuando por completo a un juicio al estilo de un tribunal, donde el Observador comienza a proyectar recuerdos humillantes del resto de la familia Smith, la escalada se siente un tanto desordenada. Además, la postura cínica de Rick sobre que "el matrimonio es una estafa" resultaba un tanto hipócrita, dada la evolución de su propio personaje.

Si bien no profundiza en la compleja mitología de los episodios anteriores, sigue siendo una entrega ingeniosa y divertida que restablece la dinámica entre Rick y Morty, preparándolos para futuras aventuras.

Rick and Morty: Episodio 7x02

The Jerrick Trap ★★★

Un clásico intercambio de cuerpos de ciencia ficción sale mal, ese mal al estilo de la serie obviamente. Tras una discusión en la que Jerry afirma que Rick simplemente "nació inteligente", intercambian sus cerebros, pero ambos cuerpos originales mueren instantáneamente. Una reparación médica fallida los convierte en un híbrido de Rick y Jerry

Mentes y cerebros se mezclan accidentalmente. Como resultado, se forman dos nuevas entidades: una mezcla equitativa del genio y el cinismo de Rick con la ingenua inocencia y el optimismo de Jerry. Esto para algunos va ser como una exploración filosófica de la identidad. Normalmente, Rick trata a Jerry con absoluto desprecio. Sin embargo, al fusionar sus mentes, ambos forjan un vínculo inesperado. Logran comprender las perspectivas del otro, demostrando que nadie nace completamente inteligente y que la felicidad requiere una combinación de inteligencia y sencillez. Esto los obliga a respetarse mutuamente, revelando un afecto genuino y silencioso que suele permanecer oculto en su relación.

Hay otra trama secundaria donde Morty se encuentra fuera del planeta traficando cristales. Morty termina siendo capturado por un grupo de mafiosos alienígenas. Para rescatarlo, los recién formados híbridos Rick-Jerry deben usar su inteligencia combinada. Esto da lugar a una secuencia de acción extraña, divertida y creativa, en la que derrotan a los mafiosos y rescatan al resto de la familia Smith.

Esto recuerda a anteriores episodios que ponen a prueba los límites de la relación entre Rick y Jerry, ofreciendo diálogos ingeniosos, giros inesperados y un desenlace emocional al estilo de la serie. Aunque por el momento voy a seguir siendo un pincha globos, se sigue sintiendo el bajón de calidad.

Rick and Morty (TV Series 2013– )

Episodio 7x01. How Poopy Got His Poop Back

★★★

Fue entretenido el episodio pero sentí un bajón de calidad. Lo que me sigue gustando de la serie es que utiliza el dolor y penurias de sus personajes para que los chistes tengan mayor impacto y sentido.

El episodio se centra en la grave espiral descendente del Sr. Poopybutthole. Tras una serie de tragedias —que incluyen el divorcio de su esposa, quedarse en casa de los Smith y caer en el alcoholismo— la familia le ruega a Rick que intervenga.

El Sr. Poopybutthole contrato al Depredador para que espié a su ex, pero el Depredador y Amy se enamoraron o algo así. Es curioso ver como el Depredador se involucra directamente en el clímax de esta historia.

La trama absurda sincera, y eso me gusta. Rick junto con Jerry y otros personajes, se embarca en una desenfrenada juerga multidimensional que de alguna manera termina en una fiesta con una versión ficticia del actor ‘Hugh Jackman’. Aunque se inclina más hacia las payasadas ridículas que hacia las profundidades emocionales, ofrece una comedia negra entretenida y demuestra que la esencia de la serie permanece intacta.

El "Robot Fantasma" también fue curioso. Rick construye un robot, lo destruye y lo convierte en un fantasma solo para tener con quién discutir, lo que ofrece una perspectiva novedosa de sus procesos científicos tan particulares.

Y como ha sido ‘Rick & Morty’ en sus largas temporadas, se centra en lo superficial, carece de la profundidad emocional muchas veces, pero la comunidad de fans van a ser fieles a la serie, al menos para que sigan creyendo que es de ‘genios’ ver este programa, y yo también lo veo por eso XD.

Spider-Noir: Episodio 02

Tread Lightly ★★★

Ben Reilly, un ex-superhéroe convertido en detective privado fracasado, se encuentra en medio de un misterio que se vuelve cada vez más extraño a medida que profundiza en la investigación. Pero como ya empieza afectar a personas cercanas a él, se pone la máscara.

Para ser sincero, la trama esta medio aburrida. Obviamente ya sabíamos que iba a regresar en su traje o estropajo elegante del hombre araña. Por lo que entiendo en los flashback es que ¿dejo de ser el enmascarado por la muerte de su pareja, quien murió ahogada en su auto, intento salvarla pero no pudo? La pelea en la parte final es de lo más normal que esperarías de una película de Spider-Man, pero hecho sin tanto esfuerzo. Al menos Nicolas Cage le agrega diálogos medio satíricos, que puede funcionar pero como  menciono, todo el episodio está hecho sin tanto esfuerzo.

El apartado visual me empieza a cansar un poco, supongo porque lo estoy viendo en su estética de blanco y negro, creo que me estoy arrepintiendo, tal vez a color era la mejor opción, y eso lo sabía Cage. La narrativa no es interesante, y por ahora no logro conectar con ningún personaje a excepción de Cage porque es Nicolas Cage, casi siempre te va caer bien en sus actuaciones.

Esperemos que más adelante se ponga mucho más interesante, pero para ser honesto, si sigue con este estilo, no tengo esperanzas de nada, otra serie sobrevalorada en un inicio pero que el tiempo lo pondrá en su lugar, o eso espero. ¿Seguiré viendo el siguiente episodio? No aseguro nada pero si lo continuo lo veré muy desanimado y con bajas expectativas.

Lee Cronin's The Mummy (2026)

La posesión de la momia ★★★

Lo mejor que ofrece la película es lo grotesco, y eso está genial, sin pretensiones y siendo directo, ya por lo demás aspectos se puede debatir pero eso es su eje principal, la repulsión.

Antes de que empiece la trama principal, hay un prólogo que involucra a una familia egipcia con un secreto que establece el tono sórdido de la película, antes de dar paso a los Cannon, una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie (Jack Reynor), es corresponsal de noticias de televisión. La pequeña hija Katie (Emily Mitchell) es secuestrada, y Charlie persigue en vano al secuestrador por calles azotadas por la tormenta de arena. Ocho años después, Charlie, su esposa Larissa (Laia Costa), su hijo adolescente Sebastián (Shylo Molina) y su nueva hija pequeña, Maud (Billie Roy), viven en Albuquerque cuando se enteran de que Katie, desaparecida hacía mucho tiempo, ha sido encontrada. Fue descubierta dentro de un sarcófago entre los restos de un accidente aéreo, un suceso que Cronin presenta de una manera sutilmente inquietante.

La singular visión de Cronin no es apta para personas sensibles. Su película es un espectáculo de terror y horror que busca un gore grotesco. Se inspira en el estilo de Evil Dead, pero con un inquietante elemento de misterio y un fuerte componente familiar. En esencia, es una película de terror genuinamente perturbadora que se te mete bajo la piel. Y lo que es aún más sorprendente, te genera tensión y al mismo tiempo te hace soltar algunas carcajadas, y eso está genial.

Una vez que Cronin tiene todo listo, intensifica su visión claramente perturbadora. No muestra interés en ir a lo seguro ni en complacer ciertas expectativas. En cambio, toma inspiración y teje su propia visión perversa que funciona a la vez como un horror de puro entretenimiento emocionante. Te estremecerás y según sea tu perspectiva te divertirás cuando lleve el horror al extremo, pues Cronin se divierte en hacerlo.

Es una película que deleita a la vez que repugna, lo que sin duda gustará a ciertos aficionados al terror. No es la historia más plausible, pero es difícil detenerse en eso cuando la película se entrega conscientemente a terrenos tan descabellados. El reparto entregado, el maquillaje y los efectos especiales impactantes, la fotografía y el diseño de sonido son efectivos en su contexto de horror y terror. La momia de esta película es un demonio como en ‘El Exorcista’, pero que lleva vendas egipcias. También hay algunas escenas grabadas en VHS para completar la historia, algo que muchas películas de terror especialmente en esta década lo han usado como recurso, ya que saben muy que el terror analógico gracias a internet tiene una popularidad considerable.

La joven actriz ‘Natalie Grace’ se entrega por completo al papel de Katie en su versión ocho años después, transmitiendo eficazmente su tormento interno, y el maquillaje despliega un arsenal completo de prótesis y efectos sangrientos bien logrados.

Una película que vale la pena ver. Tiene escenas de terror corporal muy buenas y una tensión, no tan lograda como otras, pero bien hecha a su estilo. Las críticas sobre los personajes unidimensionales son justas, pero el elemento de terror lo compensó, en mi opinión. Como una película de terror puede ser perfectamente disfrutable.

Posdata: Que guapa es la actriz May Calamawy.

Director: Lee Cronin

The Night House (2020)

La casa oscura ★★★

¿Qué puede hacer una mujer cuando su marido se suicida y luego empieza a descubrir extraños secretos mientras intenta seguir adelante? Pues seguir adelante sin importar si hay una entidad sobrenatural :).

Si te gustan las historias de fantasmas un poco más complejas y sofisticadas, entonces este misterio que se va desentrañando podría ser justo lo que buscas. Beth (Hall) acaba de perder a su esposo en un trágico suicidio y ahora debe seguir viviendo su vida en su casa de lago, construida por ellos mismos de una manera inusual, con ventanales de cristal que llegan hasta el techo y tablas de madera que crujen. Es una puesta en escena que toda historia de fantasmas debería hacer: hacer que el público mire más allá del actor para ver si alguien se esconde al fondo.

La Casa de la Noche  utiliza prácticamente todos los recursos a su alcance para aumentar la tensión, crear una atmósfera ominosa y construir una película angustiosa. Las ideas de laberintos y la dualidad impregnan la película. Colocan encuadres dentro de otros encuadres, utilizan espejos y superficies reflectantes para desorientar, y juegan con las peculiaridades arquitectónicas de la casa y los espacios negativos para escenificar ilusiones ópticas. Todo esto subraya las capas y la multiplicidad, así como el deterioro mental de Beth.

Rebecca Hall realiza un buen trabajo en esta película, retratando las complejas emociones que se experimentan tras la muerte de un ser querido. Con una atmósfera intensa, la película te sumerge en un suspenso. Me mantuvo pegado y entretenido aunque esperaba una ejecución un poco mejor pero está bien.

Ya hemos visto esto muchas veces y siempre es difícil ir más allá de los clichés típicos del cine de terror moderno. Tenemos algunos sustos repentinos y estridentes, presagios inquietantes, el inevitable cuestionamiento de la realidad, pesadillas que aluden a algo que ha sucedido o está sucediendo en la vida real. La película se limita a recordarnos constantemente que se trata de una historia de fantasmas, pero es cuando, poco a poco, va desvelando las capas tras los inquietantes secretos que Beth descubre sobre su difunto esposo, que la historia cobra verdadera vida propia.

Hay momentos realmente tensos y una secuencia en el baño con un espejo roto que es escalofriante. Es un guion lleno de conceptos ambiciosos que no todos llegan a su conclusión. Coquetea con lo oculto. Juega con la noción de lo siniestro. El giro final podría haber tenido más impacto si la revelación se hubiera insinuado antes en la película en lugar de (lo que pareció) una simple conversación intrascendente. Aun así, funciona bien como metáfora de los pensamientos suicidas tras un evento traumático. Nunca sabemos con certeza qué es real y qué es alucinación, y ahí reside la magia. El marido de Beth se suicidó atormentado por una entidad llamada Nada, y ahora Beth misma no siente "nada".

Director: David Bruckner

Mimic (1997) Director's Cut

★★★

Mimic narra la historia de una ciudad de Nueva York asolada por una epidemia que está matando a cientos de niños. Los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) rastrean la causa de la enfermedad hasta las cucarachas en las alcantarillas y se unen a un científico para erradicarlas mediante la introducción de un híbrido genético conocido como "La Raza Judas", cuyas secreciones acabarán con la población de cucarachas existente. Tres años después, la enfermedad prácticamente ha desaparecido, pero misteriosas personas con largos abrigos rondan la ciudad y la gente está desapareciendo. Peter (Jeremy Northam), un médico de los CDC, descubre una iglesia abandonada llena de suciedad y enfermedades, donde alguien o algo a colgado excremento en las paredes. Al mismo tiempo, su esposa Susan (Mira Sorvino) recibe un extraño insecto de unos niños del vecindario y descubre que comparte la composición genética de la Raza Judas, que fue criada para morir después de seis meses. Juntos se aventuran en el metro de la ciudad para descubrir la horrible verdad sobre en qué se ha convertido su creación y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.

Me gustan las películas de monstruos. Y esta se deleita con la belleza de sus sórdidos y oscuros escenarios subterráneos. La versión del director, por lo que estuve revisando en otras web, no incluye material adicional sobre los insectos. No aparecen los insectos que atacan a los neoyorquinos ni los que forman réplicas humanas perfectas de los que habla Del Toro en los extras. Los siete minutos adicionales de metraje se encuentran en la primera hora y se centran principalmente en el desarrollo de los personajes y en profundizar en la sub-trama del embarazo de la protagonista. Supongo que gracias a estas adiciones, la película tiene un ritmo más ágil y más entretenido, tomándose su tiempo para llegar a sus escenas más memorables. El final medio simplón y genérico de la película supongo que sigue presente, pensaba que quizás había un final alternativo. Fue interesante ver a un joven Josh Brolin y a Norman Reedus (El famoso ‘Daryl’ de The Walking Dead) completan el reparto secundario y están excelentes en sus respectivos papeles.

Del Toro crea con maestría secuencias de terror, construidas a partir de su característico diseño de producción, efectos especiales de criaturas, trabajo de cámara y buenas interpretaciones. Me sumergí de inmediato en su mundo, aunque la primera mitad de la película resulta un poco repetitiva. La segunda mitad de la película es más contenida y mucho más emocionante. Tuve algunas dudas sobre la lógica del clímax, pero, de nuevo, tras conocer mejor la visión original y los desafíos de la producción de esta película, estos pequeños fallos son comprensibles. Aunque algunas tomas CGI desentonan. Al igual que "Se7en" de David Fincher, "Mimic" tiene un aire muy noventero, no solo por su estética, sino también por su conexión con los thrillers de esa década, por lo que le da una aire de ser obras de época, ya depende del público actual como percibe que ha envejecido esta cinta, por mi parte lo he visto casi 30 años después, quizás lo habré visto de niño pero no me acuerdo del todo así que no me quiero arriesgar en afirmar que si lo vi de niño, pero envejeció bien en cierta manera ya que te mantiene entretenido a lo largo de toda la película. Lo que si me decepcionó, no es en si la película sino su historia de cómo fue la producción de la misma, ya que limitaron mucho la parte creativa del director. Más adelante comparto un link de YouTube sobre cuál hubiese la historia original creativa del directores sin las limitaciones de los ejecutivos y productores.

“Concebida originalmente como una épica película de hombres contra insectos gigantes con profundas connotaciones religiosas sobre la selección natural, la película sufrió un recorte de presupuesto a la mitad y terminó por no representar la visión original del director. Posteriormente, la película enfrentó más dificultades en la sala de edición, ya que los hermanos Weinstein le pedían constantemente a Del Toro que recortara segmentos. En ese momento, Del Toro apenas estaba dirigiendo su segundo trabajo, por lo que tenía poca influencia para enfrentarse a un poderoso grupo de productores como los Weinstein. Aparentemente, estaban especialmente nerviosos por una escena en la que unos niños son brutalmente asesinados, lo que debió haber impactado al público en los años 90.”

La fuente de esto lo leí en Wikipedia en Ingles del artículo de esta película, para que tengan presentes estos detalles que son muy importantes, porque “Mimic” tenía un mejor potencial pero que fue desperdiciado y no tanto por la culpa del director.

Mimic sigue siendo una sólida película con mucho que ofrecer. Es divertida, da miedo y es maravillosamente gótica y repulsiva. Sin embargo, por decisiones ajenas mataron un mejor potencial de la misma. Tiene una historia muy interesante como para hacerle un buen remake.

EL HORROR DE MIMIC, por ‘Davitxenko’ [https://www.youtube.com/@davitxenko]

Director: Guillermo del Toro

Gintama: Episodio 3

Nobody With Naturally Wavy Hair Can Be That Bad – No hay tipos malos con la permanente natural.

★★★

Esta parece ser una introducción más entretenida que al anterior doble episodio. Establece la mezcla de comedia, acción y momentos emotivos, presentando la dinámica de los personajes y el escenario.

Aquí si presentaron adecuadamente a ‘Shinpachi Shimura’ y su decisión de unirse al negocio de trabajos ocasionales de Gintoki. El episodio resalta como comenzó el vínculo entre ellos, mostrando tanto travesuras cómicas como profundidad emocional.

El humor característico de Gintama como fue el anterior episodio, presentando rupturas de la cuarta pared, a la vez que ofrece una escena de acción para mostrar las habilidades de Gintoki.

Es una mejora con respecto a los dos primeros, pero aparte de que fue entretenido, poco a poco ya veremos el potencial de la serie.

La llegada del Amanto ha obligado a los samuráis a tirar sus espadas. Pero el padre de Shinpachi vivió a costa de la espada y nunca perdió su honor samurái. Con su último suspiro, el padre confía a sus dos hijos el espíritu samurái. Para proteger el dojo que dejó su padre, Shinpachi trabaja arduamente en trabajos que no está acostumbrado a hacer. Pero para un chico que solo sabe manejar la espada, el mundo no es un lugar amable. Cuando Shinpachi es ridiculizado por su jefe y los Amanto se ríen de ellos, un hombre se pone de pie para enfrentarse a ellos. Shinpachi ve a un samurái honesto dentro del hombre mientras golpea al jefe y acaba con el Amanto por arruinar su helado de chocolate. Sí, este hombre es en realidad Gintoki Sakata ¿El último samurái con cabello permanente como marca?—Crunchyroll 

Beef: Episodio 2x03

The Increasing Flimsiness of Any Certainties about the Future

★★★

Vamos a esperar pero por el momento no me está gustando del todo los caminos de la trama y sus personajes. En la primera temporada se sintió algo más prolijo y creíble. El final si fue demasiado melodramático, y se hace algo insoportable por sus personajes.

El episodio comienza con el Dr. Kim llamando a la presidenta Park para informarle del accidente en la mesa de operaciones. Ella le pregunta cuántos cirujanos estaban presentes, pero él miente. Ella le dice que cancele las cirugías restantes. Él continúa operando para evitar sospechas.

Mientras tanto, Austin está nervioso por darle a Eunice una sesión de entrenamiento físico. Los dos terminan incómodamente cerca mientras él la ayuda a estirar.

En otro lugar, Josh y Lindsay hablan de expandir su negocio de alojamiento y desayuno con dinero blanqueado del club de campo. Ashley le envía un mensaje a Josh diciéndole que no pudo enviar las facturas y que lo hará al día siguiente, lo que lo molesta, pero Lindsay le recuerda que Ashley es su chivo expiatorio.

En escenas posteriores, Austin y Ashley desayunan con Eunice. Hay tensión en el ambiente, pero Eunice le miente a Ashley sobre la sesión anterior. Ashley intenta conectar con ellos hablando de su herencia coreana, pero señala que Austin no parece mestizo porque creció en Estados Unidos.

Me gusta esta temporada. Mi preocupación es que por el momento no se siente como la temporada 1 ya que cada vez hay más distancia en cuanto a calidad. Claro que hubiera sido repetitivo y flojo que hicieran lo mismo con personajes distintos. Pero es más metódica, pero igual logra mantener ese trasfondo de intensidad e incomodidad que yo llegué a apreciar de la temporada uno.

Beef: Episodio 2x02

A New Starting Point for Further Desires

★★★

Me gusto principalmente por la inclusión del actor sur-coreano ‘Song Kang-ho’. Pero de ahí fue un episodio normal, no tuvo mucho que ofrecer, solo mantuvo el puente para ir construyendo el clímax de su historia.

La segunda temporada de Beef ya está en pleno apogeo, y esto es solo el comienzo. Me entusiasma ver cómo el plan de Josh para estafar a la presidenta Park se entrelaza con el de Ashley. Ambos se están usando como chivos expiatorios, ya que cualquier cosa que les suceda a la presidenta Park o a su esposo debido a la falta de cualificaciones de Austin repercutiría directamente en Josh como un gerente general incompetente.

Aunque me hubiera gustado ver al ídolo del K-pop BM interpretando a un mujeriego como Woosh, es divertido ver cómo Lindsay lo presiona para que pague su cirugía. También me pregunto si Woosh tiene alguna conexión con la presidenta Park más allá de que ella lo acogiera bajo su protección tras la muerte de sus padres.

El caso que se analiza en los momentos finales del episodio es muy grave, sobre todo en Corea del Sur. Dada la influencia y la riqueza de su esposa, será interesante ver si el Dr. Kim será castigado por la muerte de un paciente en la mesa de operaciones o si logrará quedar impune.

Bokutachi wa Benkyou ga Dekinai - Episodio 03

Los genios conectan emocionalmente con X ★★★

La primera mitad del episodio fue divertido pero después con el protagonista y la chica deportista (que es muy guapa), se sumaron en una secuencia de comedia algo cursi y de poca gracias, pero eso no merma la personalidad de nuestros protagonistas.

Con el elenco montado y la premisa establecida, es hora de que nunca aprendamos a mostrarnos cómo se ve su status quo. Este tercer episodio es absolutamente una historia de "línea de base", que le da a Nariyuki un poco de tiempo de calidad con cada una de las tres chicas principales, mientras que generalmente se vincula con el tema educativo que impulsa este harén de la escuela secundaria. Para su crédito, la idea motivadora central de este episodio aumenta nominalmente la apuesta por la historia. Pero también está encajonado tan rígidamente en un patrón de viñetas de personajes que no puede evitar sentirse como la serie en su nivel más promedio.

La apertura de este episodio lo configura todo. Los exámenes principales se están acercando en sus tutorías para Rizu y Fumino, y si no muestran resultados, entonces la posición de Nariyuki como su tutor y esa importante recomendación de VIP estarán en peligro. Hay algunos giros interesantes presentes en esta configuración. Nariyuki reconoce rápidamente que quiere ayudar a las niñas por su propio bien y no por su propio beneficio, mientras que Rizu y Fumino escuchan la situación y resuelven desempeñarse bien para ayudar a asegurar la posición de Nariyuki y su propio futuro. Esta idea de que los personajes estén motivados por el bien de cada uno de ellos desde el principio de las relaciones que han establecido es atractiva, lo que ayudará a apoyar el lado romántico de las cosas.

Nunca aprendemos la perspectiva sobre el papel de la tutoría ya está siendo clara, comenzando con el diálogo entre el director y el maestro al comienzo de este episodio. Descubrimos que Rizu y Fumino están siendo presionados principalmente por sus maestros para que renuncien a la búsqueda de sus temas más débiles y se adhieran a sus especialidades. El punto parece ser que los maestros menores solo intentan guiar a los estudiantes en función de sus fortalezas naturales para que tengan un buen desempeño, en lugar de ayudarlos a desarrollar las habilidades que realmente les interesan o que podrían necesitar para ser más completos. Demuestra cómo un profesor como Nariyuki que realmente cree en sus estudiantes puede ayudarlos a lograr cosas mejores, y es una observación apreciable de todos modos. Y como lo demuestra el final de este episodio.

Es bueno que una serie de harén de otra manera estándar como esta tenga algunas ideas relativamente sustanciosas que la guíen, porque la trama real puede ser bastante peatonal. Nariyuki pasa un tercio del episodio cada uno con Rizu y Fumino, enseñándoles o ayudando con otros problemas de una manera que ya sabemos que él puede hacer. Su sesión con Rizu transcurre de una manera sorprendentemente sin incidentes. La escena en la que cuida a un Fumino enfermo en la víspera de su examen tiene un poco más de sustancia e incluso viene con más servicio de fans de lo que esperaba de esta serie, aunque Uruka roba el programa en lo que debería ser el segmento de Fumino para la mayor parte. De hecho, a pesar de mi apreciación general por el desarrollo de este episodio, el problema sigue siendo que, incluso después de haberse dividido en tres partes simples, este episodio pareció continuar para siempre.

Si ya has elegido a una chica favorita de este harén, probablemente te alegrará pasar mucho más tiempo de ejecución prolongado con ellos, así que para mí la parte de Uruka fue la salvación de este episodio. La integridad periodística exige que me nivele con usted en este momento y revele que Uruka es mi personaje, y todo sobre ella está en plena forma para su segmento en el episodio. Por supuesto, todavía no compro que esta pobre amiga de la infancia condenada tenga alguna oportunidad con el chico principal, pero explorando cómo su atracción vinculada a su complejo sobre su propia feminidad se desarrolló dulcemente, trabajando de nuevo en los temas principales del programa de una manera sorprendente, con Uruka queriendo ser una "princesa" a pesar de que la gente le dice que es contra ella, su personalidad encaja perfectamente con las otras chicas de la serie que quieren especializarse en sus materias extrañas. En ese sentido, Uruka y Nariyuki que participan en un concurso de parejas y ganadores reflejan su capacidad para ayudar a todas las chicas a aprobar "exámenes" en sus temas problemáticos. Expande el alcance de la tutoría literal del programa pasado, mostrando cómo un buen maestro puede ayudar a desarrollar aspectos de ti mismo que deseas crecer.

Así que los temas del anime son bastante importantes en este episodio, y como fan de Uruka, me encanta cómo el programa se enfrentó a sus problemas. Pero dejando a un lado la tendencia de las mejores chicas, no puedo ignorar lo típico que se siente esta salida. Este espectáculo es bueno para atraer a sus personajes a la audiencia, pero todavía se siente como si apenas fuera lo suficientemente bueno como una comedia romántica del harén cuando debería estar luchando por algo más.

Gunjou no Magmel - Episodio 02

El Gobernante de la Zona 7 ★★★

Así que todavía no hay señales de la trama principal, pero por ahora, esto se trata de un nuevo continente (¡Magmel!) Ha sido descubierto, y está lleno de riquezas potenciales de flora y fauna pero algo peligrosas. Eso atrae a la fama y a los buscadores de fortunas por la multitud, y una industria casera de "pescadores" ha surgido para rescatar sus asnos cuando se meten en problemas. Inyou es uno de esos Anglers, y vive con su asistente Zero. Entonces, cada semana, tendremos un caso diferente de tener que salvar a alguien que se haya metido en una situación difícil en Magmel.

La historia del segundo episodio es sobre un científico al frente de un laboratorio de investigación en estado de sitio, cuando "Kerbear" (en serio, ese es un nombre algo raro para los osos) atacan el laboratorio. Le ha ordenado a su hija que busque la ayuda de Inyou en caso de que alguna vez esté en problemas (lo que implica que él sabía bastante bien que tendría problemas, por lo que ella lo hace) y es inmediatamente hostil a su solicitud. Hay un comentario obvio sobre las pruebas en animales que se están realizando. Aquí, no es que tenga un problema con una serie que dice eso.

La trama se desarrolla de manera bastante directa, y un kaijuu llamado Scalegorgon aparece para vengarse del ejército privado corporativo que ha eliminado a los osos. Pero hay un par de elementos interesantes para esto. Primero, Inyou, a pesar de todo su desprecio, de hecho está del lado de los humanos sobre las criaturas que están explotando, quienes casi todos encuentran un final trágico. Y, de hecho, el científico le había pedido a su hija que buscara un pescador llamado Shuin (en la misma dirección), a quien solo vemos en silueta pero que era claramente importante para Inyou (y quizás su mentor). Definitivamente no hay mucho subtexto en esta serie, pero sigo siendo bastante interesante en cuanto a dónde va esta premisa, así que sospecho que me quedaré con ella por un tiempo como espectador.

Este episodio realmente hizo un buen trabajo al representar la codicia del hombre y todo lo que hacen para ganar poder. Estoy seguro de que habrá muchos más escenarios donde se pondrá a prueba la ética y la moral. Hay tanto vibra de Naruto en su dirección, la banda sonora también. Esta es otra serie estacional que es de bajo de presupuesto pero que se disfruta bastante.