Midnight Cowboy (1969)

Cowboy de medianoche

★★★★½ ESENCIAL ✂ [👍]

Los primeros 35 o 40 minutos es cine: bien montado, bien editado, dinámico escena tras escena, me impresiono. Las escenas psicodélicas también estuvieron geniales. El final fue un poco seco pero lo entiendo. Una película sin duda esencial por su estilo y temática, y se convirtió en una de mis favoritas de la década del 60s.

La versión que yo tengo tiene dos doblajes: español Latinoamericano y español de España, no me convencieron y decidí verlo escucharlo en su idioma original, con subtítulos, y creo que fue la mejor decisión para disfrutar aún más de la película.

Joe Buck, un joven ingenuo pero convencido, rubio y fanático de los vaqueros de Texas, decide dejar su trabajo de lavaplatos, y vestido como sus ídolos de la infancia, probar suerte en Nueva York, complaciendo a mujeres solitarias y adineradas a cambio de dinero, ser un “Hustler”. Sus sueños de trabajar como gigoló y la alegría con la que afronta su aventura —tanto literal como metafórica— se asemejan a los de aspirantes a actores y cantantes, que se esfuerzan por capitalizar su talento convirtiéndose en estrellas, reconocidas y adoradas por todos. Para Buck, escuchar un programa de radio de camino a Nueva York en el que las mujeres describen el tipo de hombre que buscan, solo alimenta sus fantasías sobre la suerte y la prosperidad que le esperan en la Gran Manzana, donde su único talento —el amor— será apreciado y aprovechado al máximo. Ni por un momento se le ocurre que ganarse la vida en las calles de Nueva York no es tan maravilloso como parece, y que no hay tantas mujeres dispuestas a acostarse con alguien vestido de vaquero y pagarle después. Otra cosa que no se le pasa por la cabeza es que, dado su trabajo, los hombres homosexuales serían clientes mucho más adecuados y dispuestos. Nueva York pronto demuestra ser una amante caprichosa, que te recibe con los brazos abiertos solo para devorarte y escupirte después de hacer contigo lo que quiera. Un encuentro así resulta ser bastante fortuito: al conocer a "Ratso" Rizzo, un estafador sin hogar y cojo que sueña con mudarse a Florida, Joe empieza a creer que su suerte ha cambiado y que podría haber encontrado a su "mánager", solo para darse cuenta de que está equivocado muy pronto. A pesar de un comienzo difícil y fraudulento, los dos se convierten en compañeros improbables, viviendo juntos en un edificio abandonado sin electricidad ni calefacción y ganando rara vez un par de dólares, gracias a la habilidad de Rizzo para robar carteras y sus tácticas de distracción. La carrera de gigoló de Joe no termina de despegar; solo consigue concertar un par de encuentros sexuales, dos de ellos con hombres, y ninguno termina bien ni para Joe ni para la otra persona.

La soledad, consecuencia de la marginación que sufren estos dos personajes, impregna cada fotograma de Midnight Cowboy, filmada magistralmente, cuya cámara captura el microcosmos crudo y realista de los bajos fondos de Nueva York en la década de 1960. La magnitud de la pobreza de los personajes no se transmite a través de conversaciones o monólogos ocasionales, sino que se evidencia en diversas situaciones que retratan la vida cotidiana de los dos amigos. Ambos son personas con grandes ilusiones —Joe fantasea con triunfar como “Hustler” y Rizzo sueña con una vida bajo el sol de Florida— y con razón. Si no fuera por sus ilusiones de un futuro brillante que acecha a la vuelta de la esquina, ligeramente fuera de su alcance pero aún alcanzable, habrían renunciado a la vida hace mucho tiempo. Son sus delirios los que les ayudan a mantener a raya la abrumadora sensación de soledad, permitiéndoles conservar la cordura y las ganas de vivir. Este tipo de retrato visceral es lo que convierte a la película en una obra cinematográfica verdaderamente triunfal, ofreciéndonos una de las representaciones más desgarradoras, crudas y profundamente empáticas de la indigencia que jamás pedimos, pero que sin duda necesitábamos. En muchas películas, la pobreza se presenta como un obstáculo a superar, una circunstancia de la que hay que liberarse, una tribulación que a menudo es necesaria para que un protagonista alcance la vida que realmente le corresponde. Pero en la película de Schlesinger, no hay un "antes" ni un "después". En la película de Schlesinger, la tribulación de la pobreza extrema no constituye el punto de partida, sino la totalidad de la trama. No hay liberación ni catarsis, solo diferentes variaciones y grados del statu quo. Se nos ofrece una visión del submundo oculto de la ciudad de Nueva York (y de cualquier ciudad del mundo en cualquier década, ya que la falta de vivienda es un fenómeno tan antiguo como el tiempo), un mundo que resulta muy fácil evitar y al que se puede hacer la vista gorda. Pero Midnight Cowboy hace que nos sea imposible apartar la mirada y nos enfrenta sin tapujos las facetas de la experiencia de una persona sin hogar que preferiríamos ignorar, pues tienen el poder de reflejar nuestros propios miedos a la carencia, la pérdida y la soledad.

Hubo una escena en particular que se convirtió en un clásico, y según Hoffman y Voight, fue completamente improvisada. Se trata, por supuesto, de la famosa escena de “I'm walkin' here!” ("¡Estoy caminando aquí!"), en la que Buck y Rizzo hablan mientras cruzan la calle cuando de repente, un taxi casi atropella a Rizzo, quien a su vez empieza a golpear el auto y a exclamar: "¡Estoy caminando aquí!".

Los flashbacks también son parte importante de su narrativa. Donde vemos la crianza del protagonista por parte de su abuela, una mujer a la que le gustaban los hombres y los masajes que recibía de un jovencito Joe. Luego, se muestran imágenes de él y Annie, aparentemente su primer y único amor. La historia no terminó bien, ya que Joe y Annie fueron violados por una pandilla de jóvenes y Annie se convirtió en la "loca Annie" y fue internada en una institución mental.

A pesar de lo traumático que fue el pasado de Joe con lo de Annie, la película logra enfatizar el poder que las mujeres ejercen sobre el joven tejano. Joe está fascinado por las mujeres, empezando por su abuela y Annie, y mientras viaja en autobús de Texas a Nueva York, sonríe y habla con algunas de ellas, sean más jóvenes o mayores. También escucha en la radio una entrevista con mujeres sexualmente liberadas y se emociona bastante, pensando que ligará con muchas de ellas una vez que llegue a Nueva York con su atractivo atuendo de vaquero que lo hacen un ‘galán’, aunque admite que no es un muy buen vaquero en un sentido tradicional. De hecho, Joe sabe muy poco sobre las mujeres de Nueva York, sobre las mujeres en general e incluso sobre sí mismo. Cree que solo es bueno en una cosa: hacer el amor, tener sexo, así que en un momento dado concluyó que podía ganar dinero con ello, dejó su trabajo de lavaplatos y se subió a un autobús en busca de nuevas experiencias.

Las secuencias iniciales y final de la película están memorablemente conectadas con una canción interpretada por Harry Nilsson, "Everybody's Talkin'", compuesta e interpretada originalmente por Fred Neil, y se relaciona con la idea de que Joe pasa la vida escuchando a todas esas mujeres, su radio, a Ratso, pero en realidad no escucha. Como ilustración musical encaja a la perfección, y no solo por la letra, también por la melodiosa voz de  Nilsson, te hace esperar algo con optimismo al principio, pero la melancolía que desprende la canción se puede interpolar o interpretar como la pérdida de una gran parte de la inocencia de Joe.

Otras temáticas que también fueron interesantes especialmente por su época y tiempo, es reconocer diversas preferencias y prácticas sexuales como una genuina intimidad. Vemos también la homofobia por parte de Ratso, que a lo largo de la película, de manera implícita, tiene como una especie de homosexualidad reprimida, pero claro, eso ya depende de la interpretación que le dé el público. 

Me sorprendió lo atemporal que es, y lo visualmente impactante y original que resulta después de tantos años de haberse estrenado. Se mantiene muy vigente. 

Director: John Schlesinger

The Holdovers (2023)

Los Que Se Quedan ★★★½ [👍]

Su estructura narrativa básica y en especial su fuerte factor nostálgico que evoca están bien ejecutados pero, se basa en eso principalmente y si bien me gustó, el guion utiliza arquetipos demasiado familiares (el profesor gruñón, el alumno rebelde y la figura maternal en duelo). Su progresión narrativa sigue una estructura muy tradicional que no arriesga demasiado.

Sinopsis rápida: Estamos en 1970 en un internado universitario en plena temporada navideña, con el profesor de historia y literatura ‘Paul Hunham’ (Paul Giamatti), el estudiante Angus (Dominic Sessa) y la afligida trabajadora de la cafetería Mary (Da'Vine Joy Randolph).

Su dirección evoca una cápsula del tiempo, los diálogos vertiginosos y la sensación nostálgica que transmite. Me gusta cómo mantiene la inmersión en los años 70, por su apelación a la nostalgia: La estética "retro" talvez (tipografía de los años 70, música de época) que busca conectar con la emoción del espectador de manera directa. Aunque puede ser un recurso para enmascarar una historia que, en el fondo, puede ser convencional.

Me gustan las interpretaciones: Giamatti sigue demostrando su brillantez, y recuerdo que la primera vez que lo vi fue en la película del mismo director que me encantó, “Sideways” (2004), con una interpretación de un triste frustrado y a la vez divertido que hasta ahora lo recuerdo, ese estilo parecido estuvo impregnado aquí también. Mientras que el actor ‘Dominic Sessa’ ofrece un buen contrapunto con su calidez, sencillez y humanidad juvenil, que contrastan con la misantropía sarcástica de Giamatti.

Lo que no se puede negar es que The Holdovers tiene su encanto. Todo se siente real, cercano incluso te puedes identificar. El guion fluye de un momento a otro con naturalidad. Historias desgarradoras de pérdida y enfermedad mental se mezclan con la complejidad de las interacciones humanas. A veces parece que no pasa nada, pero luego te das cuenta de que todo se desarrolla en la mente de los personajes. Las conversaciones no dichas, las revelaciones no expresadas; como en la vida, pueden tener sus interpretaciones implícitas.

Hay momentos en que la película parece entretenerse demasiado, puede resultar como si fuera relleno. En numerosas ocasiones las escenas se desvanecen y no parezca que hayan terminado o que no tengan un final satisfactorio. Quería ver cómo continuaría la conversación, o las situaciones, cómo reaccionarían los personajes ante lo sucedido y después. Por otro lado, no dejo de pensar que también la vida está llena de rellenos, situaciones que simplemente suceden y que no van a ser lo más importante en tu vida, pero lo viviste y quedara como anécdota para contar.

A algunos no les gustará, les parecerá aburrida, tal vez demasiado nostálgica para una época a la que muchos no pertenecen, que una película centrada exclusivamente en gente privilegiada no es algo que el mundo necesite ahora mismo, y lo entiendo perfectamente. Pero a veces es agradable tener una distracción de algo que no trate sobre nada en particular, algo que no sea importante ni pretenda cambiar el mundo, algo que exista simplemente como observación y narración.

Así que más allá de las críticas sobre su originalidad, la cinta sobresale por su ejecución. Se aplaude el desarrollo de los personajes, el dolor psicosocial que maneja la trama y la impecable química entre el reparto principal.

Y lo que gusto también fueron las canciones en su banda sonora, como las de Cat Stevens y otros intérpretes que no reconocí pero me gustaron, con un estilo de cantautor folk pop. 

Director: Alexander Payne

Undertone (2025)

Frecuencia Maldita

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Vi esta película al mediodía, hice ‘trampa’, pero si quieres una experiencia aterradora sincera, míralo a la medianoche cuando todos estén durmiendo o estén en silencio, y con audífonos.

Me gustó mucho, manejando la tensión y ansiedad de manera efectiva, y lo interesante fue como se adapta a los tiempos de hoy utilizando recursos como por ejemplo los podcast para contar historias de terror ingeniosas.

The Undertone está filmada con sencillez, pero con un efecto máximo. Es el tipo de película en la que uno está constantemente revisando los rincones y los bordes del encuadre para asegurarse de que no haya nada oculto. Entiende que la tensión es lo que realmente incomoda al público. Los sustos repentinos son una liberación de tensión, así que puede que te sobresaltes cuando ocurren, pero no son miedo ni estrés real.

Esta película utiliza el encuadre y el diseño de sonido para maximizar la tensión. Cada vez que la protagonista se ponía los auriculares para empezar a grabar el podcast, mientras los sonidos ambientales de la casa se silenciaban y lo único que se oía era el zumbido amortiguado de los auriculares, como si yo también los llevara puestos.

Lo genial de esto es que hace que el público se sienta parte de la película, observando con ansiedad a Evy mientras graba el podcast para intentar ver si está ocurriendo algo extraño en la casa. El trabajo de cámara también contribuye a ello. Los movimientos sencillos nos dan la oportunidad de recorrer la casa buscando algo, cualquier cosa, que pueda estar donde no debería estar.

El podcast dentro de la película es una fuente de terror completamente distinta por sí solo, donde reproducen cintas de audio anónimas de diferentes encuentros paranormales. Las cintas en sí son escalofriantes, y los personajes rebobinan y reproducen constantemente momentos clave una y otra vez para intentar escuchar ciertas cosas, lo que naturalmente significa que nosotros, el público, terminamos haciendo lo mismo.

Nina Kiri, en el papel de Evy, está fenomenal también en esta película, transmitiendo y captando todas las emociones que sentimos colectivamente. Siendo nuestro único personaje relevante en pantalla, como para mantenernos enganchados, y lo logra con facilidad.

Los elementos que hacen que esta película sea tan efectiva parecen muy simples en la superficie, pero son increíblemente difíciles de lograr de manera convincente. Desde casi el principio, va aumentando la tensión progresivamente, sin apenas darte un respiro, y no puedes bajar la guardia porque te puede sorprender. Gracias a lo efectivo que fue la dirección de ‘Ian Tuason’, voy a estar atento a sus próximas películas.

Esta película demuestra que no se necesitan millones de dólares ni escenarios elaborados para hacer una película de terror increíblemente efectiva. No tengo dudas de que esto se disfruta mejor en el cine, o sino pudiste verlo ya que su estreno fue limitado, para una experiencia más aterradora como mencione al principio, verla a medianoche y con audífonos. Cuando llegue el momento, no te lo pienses dos veces, ve esta y déjate llevar por la historia.

Posdata: Me gusto también las referencias a videos de YouTube como el terror viral ‘maldito’, “Mereana Mordegard Glesgorv”

Director: Ian Tuason

Hokum (2026)

La Maldición de la Bruja ★★★

Hokum narra el viaje de un apático escritor estadounidense ‘Ohm Bauman’ (Adam Scott) al hotel rural irlandés donde sus padres pasaron su luna de miel. La película comienza y termina dentro de la novela que Bauman está concluyendo. Desde el principio, la tensión se entrelaza con la tragicomedia en el hotel, y Bauman se muestra a la vez curioso y hostil con sus habitantes: pregunta por la ballesta de un empleado y charla con el camarero sobre su novela, pero también quema la mano del botones con una cucharilla.

Es evidente que su único propósito —esparcir las cenizas de sus padres en los jardines del hotel— debe cumplirse sin rodeos ni atenciones excesivas hacia el personal. Algo atormenta a Bauman (y sus problemas de salud mental quedan patentes desde el principio en una escena de la película) y, volvemos a los temas del trauma, la culpa y el duelo. Adam Scott retrata este trauma de forma interesante, aunque en cuanto al guion, creo que las alusiones al suceso traumático que «persigue la narrativa», por así decirlo, resultan demasiado obvias al ser explícitas en lugar de implícitas.

Lo que realmente funciona para mí, en cuanto a sus característicos sustos repentinos, es que los demás elementos espeluznantes y siniestros de sonido e imagen fluyen bien con los diálogos. Y no se trata solo de un monstruo o aparición fantasmal, sino que hay una variedad de figuras embrujadas que aparecen en estos destellos. El diseño de sonido lo complementa bien, repleto de lamentos espeluznantes, campanillas y pausas instrumentales.

La claustrofobia y el aislamiento son fundamentales para el terror de Hokum: la suite nupcial abandonada y los múltiples espacios que contiene contribuyen a una enfermiza sensación de encierro. El ominoso montaplatos, ocupado durante casi todo el segundo y tercer acto, se utiliza con gran eficacia como escondite y medio de transporte, descendiendo a las profundidades de la guarida de las brujas.

Lo que se nos recuerda es que la brutalidad e impunidad bien humana está en el centro de Hokum, y los monstruos folclóricos ofrecen la posibilidad de una retribución kármica. Me hubiera gustado ver una exploración más profunda de la bruja y el antiguo terror asociado a ella; quizás la trama se centra demasiado en el aspecto humano, por eso para mí pierde algo de fuerza cuando el personaje principal queda atrapado en la habitación y lucha por sobrevivir. Si bien mantiene la tensión, la amenaza de la bruja que acecha está bien hecha, se vuelve poco efectiva durante el resto de la película.

Hay un drama humano intrigante que entra en juego, incluyendo un par de giros argumentales, pero en algunos momentos va erosionando la atmósfera retorcida que el director estaba construyendo.

Director: Damian Mc Carthy

Exit 8 (2025)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] INNOVADORA

Confieso que me anime a verla porque su temática es de ese concepto que se ha hecho popular hoy en día gracias a los “Backrooms”, ‘Espacios Liminales’. Y no me arrepiento, me encantó, ingenioso e innovador a su estilo.

La construcción de este mundo de espacio liminal, se logra a través de la exploración de los personajes atrapados en él. Las instrucciones para encontrar la salida parecen bastante sencillas. El ritmo de la película puede decaer en algunos momentos porque no hay suficiente tensión para mantenernos alerta. Pero el terror o el suspenso son principalmente psicológicos. La actuación del protagonista oscila entre el terror exasperado y la confusión desconcertada, y donde estos matices logran crear una tensión efectiva.

‘El Hombre Perdido’, que es uno de los capítulos de la película, es un personaje complejo y me gustaron las escenas iniciales donde lo conocemos antes de que quede atrapado en este laberinto interminable. La película comienza con él con semblante sombrío en el metro, sin intervenir cuando un pasajero empieza a gritarle furioso a una mujer por no poder controlar el llanto de su bebé. No es la presentación más llamativa ni halagadora de su personaje, y verlo ignorar una llamada urgente de una mujer que suponemos que es su pareja tampoco nos hace sentir mucha simpatía por él.

Pero claro, los sucesos de la película llevan al Hombre Perdido a un viaje moral y emocional, y ver cómo la experiencia juega con él y lo transforma es realmente interesante. Sobre todo en la segunda mitad, cuando conoce a un niño que deambula por los pasillos, y las escenas con este niño se utilizan para establecer paralelismos con ciertos acontecimientos de la vida de este hombre. Fue muy gratificante ver cómo la película priorizaba el drama humano, y a la vez, desarrollaba el recurso narrativo del espacio limitante y repetitivo, ya que ambos elementos se complementan bien. Esto también contribuyó a que el final fuera satisfactorio. Es un poco abrupto, pero la escena final en sí misma fue un epílogo bien merecido, tras haber presenciado el viaje completo de un personaje.

El misterioso pasillo revela pistas cruciales. En un caso, una puerta ha desaparecido; en otro, las luces del techo están cambiadas de lugar. Cuanto más recorras el pasillo laberíntico, más piezas del rompecabezas podrás atar. De repente, te das cuenta de que el letrero da «Salida 0» ha cambiado a «Salida 1», luego a «Salida 2». De pronto, vuelve a ser «Salida 0», y te das cuenta de que has regresado de nuevo al punto inicial. Por estos detalles busque en internet, y sí, esta película es la adaptación de un videojuego.

Tal vez para algunos a ‘Exit 8’ le habría venido bien una mayor sensación de terror y un guion un poco más conciso que aprovechara mejor el escenario. Sin embargo, son los matices emocionales subyacentes los que hacen que valga la pena verla. Además de que presentan una temática y una ejecución minimalista como lo es el videojuego, por lo que estuve leyendo su artículo en Wikipedia, la cual supongo que es una muy buena adaptación. Así que, aunque no te llame la atención, te recomiendo que la veas ya que sin duda va ser parte del nuevo cine de ‘Espacios Liminales’.

Posdata: Uno de mis momentos favorito es cuando los carteles de publicidad empiezan a seguir con la mirada a nuestro protagonista.

Director: Genki Kawamura

Open Water (2003)

Mar abierto -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Esta película va dirigida especialmente para aquellas personas experimentadas o interesadas en el buceo submarino, que han tenido un miedo irracional a quedarse solo en medio del océano, sin ninguna esperanza de ser rescatado.

Basada libremente en la historia real de Tom y Eileen Lonergan, Disappearance of Tom and Eileen Lonergan, una historia trágica y con la sensación de un misterio incomodo que te dejara preguntando que habrá sucedido en los últimos momentos de esa pareja.  Open Water se imagina esa situación con todo su realismo, incomodidad y suspenso, que para mí resulta efectivo. Y lo meritorio es que se hizo con un bajo presupuesto.

Una pareja estadounidense está de vacaciones en las Bahamas. Un día deciden ir a bucear, así que se unen a una excursión con otras 18 personas. En algún momento de la inmersión, el capitán del barco se equivoca al contar cuántas personas se sumergieron. Cuando 18 personas salen a la superficie, las sube a bordo y regresa a la costa. Mientras tanto, se olvida de que dos personas siguen bajo el agua.

Me gustó principalmente por la intriga y el suspenso que te brinda. Es inquietante, deprimente y logra ser genuinamente aterradora especialmente para aquellos que ya tienen experiencia en el buceo, porque es una situación realista que podría ocurrirle a cualquiera (y de hecho ha ocurrido), mientras luchan contra la deshidratación, el hambre y las inclemencias del tiempo, la situación empeora rápidamente, ya que pronto empiezan a aparecer los tiburones.

Da miedo pensar que los Lonergan (de quienes nunca más se supo) vivieron esto en la vida real, y solo pensarlo te incomoda, ya que es una experiencia horrible y aterradora en general. Si bien quizás nunca sepamos qué les sucedió a las personas en las que se basa la película, podemos suponer que vivieron algunas de las mismas cosas que les suceden a los personajes de esta película.

Ambos protagonistas hacen un trabajo eficiente, y el hecho de que se metieran en el agua con tiburones de verdad demuestra su gran compromiso con la película. Como resultado uno se encariña con ambos personajes y desea que sobrevivan.

La dirección también es buena, ya que te pone como testigo a nivel del mar por que fue filmado completamente a nivel del agua, prácticamente sentimos las olas en nuestra cara. Solo estás tú y estas dos personas indefensas en medio de la nada, solo con sonido ambiental y sin efectos especiales. Simplemente estás sentado ahí esperando a que estas personas sean devoradas por tiburones.

Conforme la película transcurre tiene un tono cada vez más pesimista, y eso se ven tanto en los diálogos como en el aspecto físico de los protagonistas. Les hará replantearse la idea de bucear en aguas profundas, y encima que hace poco hubo un caso de cinco buceadores italianos que murieron el 15 de mayo de 2026 tras adentrarse en una red de cuevas submarinas en el atolón de Vaau (Maldivas), aunque claro, son contextos diferentes pero te puedes dar una idea de lo complejo y arriesgado que puede ser bucear.

Ya para terminar, son de esas tantas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, al margen de tu opinión. Puede que ni siquiera te parezca tan aterradora cuando la ves, pero quizás cuando tengas tu primera experiencia buceando o haciendo ‘snorkel’ en el océano, quizás la recuerdes y vas a estar atento a todos los detalles para que no te olviden XD.

Director: Chris Kentis

Tesis (1996)

★★★½ [👍]

La película está más interesada en lo oculto que en lo visible y eso lo podemos apreciar en su escena introductoria. En manos de otro director y con más presupuesto seguramente, esta película habría sido estridente, sangrienta e inquietante. Bajo la dirección de Amenábar, Tesis es sutil, contenida, y aun así, perturbadora en cierto sentido.

La historia, que gira en torno a la violencia audiovisual, fue una idea original y gracias a su ejecución para la época noventera fue quizás revolucionaria; aunque algunas escenas tal vez hoy en día han envejecido. Lo cierto es que su premisa es interesante y su ejecución a pesar de sus límites presupuestales está bien hecha para su época.

Las películas "Snuff", se trata de una leyenda urbana bien extendida relacionada con el cine: vídeo grabado en secreto por psicópatas para venderlo en el mercado negro, prometiendo a espectadores la oportunidad de ver la muerte real en pantalla.

La película sugiere que la gente es en gran medida hipócrita respecto a su relación con la violencia en pantalla, condenándola frecuentemente mientras al mismo tiempo se siente fascinada por ella. Cuando Ángela ve la película por primera vez, a pesar de ser el tema de su tesis, la "ve" inicialmente con el contraste del televisor bajo, incapaz de ver la tortura y el asesinato de la víctima, escuchando horrorizada sus gritos de agonía. Solo la ve más tarde, literalmente entre los dedos por momentos, después de que Chema le haya descrito parte de su contenido, advirtiéndole que no se dé la vuelta y mire la pantalla, pero ella lo hace de todos modos. No puede evitarlo. Y sugiere la película, nosotros tampoco. Puede que nos horrorice la idea de la violencia, pero lo más probable es que no apartemos la mirada.

Ángela, interpretada de buena manera por ‘Ana Torrent’, emerge como un personaje complejo, cuya relación con el sujeto de su obra cambia constantemente a lo largo de la película, llegando incluso a cegarse ante la identidad del asesino debido a la atracción que siente por él.

El director se esfuerza por mantener el suspenso a lo largo de toda la película por lo que te mantiene entretenido en sus dos horas, al menos para mí. En general, es una película sorprendentemente bien realizada para lo que fue en esencia, fue un proyecto estudiantil universitario, realizada con un presupuesto modesto. Pero claro, también depende de que tanto lo considere el público de hoy, ¿Qué tanto ha envejecido? 

El estilo visual de la película es interesante, con ingeniosas técnicas de perspectiva y un uso de suspenso de la luz y las sombras, logrando crear una atmósfera algo tensa y psicológica a lo largo de toda la película; sin duda tiene buen ojo para lo visual.

Aunque la película nunca se adentra demasiado en un análisis social profundo. Pero el guion funciona bien a su manera. 

Más allá de la buena dirección de la película, las interpretaciones no me impactaron tanto que digamos a excepción de la protagonista. Chema, por supuesto, a pesar de ser francamente desagradable a veces, puede ser el más interesante. Con sus diálogos cómicos y un puñado de frases ingeniosas. Por otro lado, Bosco no me llamó mucho la atención. Le faltaba su lado más sádico, y su forma de seducir era demasiado simple, incluso cursi, pero lo compensa con su atractivo físico.

Finalmente, debo decir que es una película entretenida, que vale la pena ver, tiene muchos aspectos positivos y otros negativos, pero en general la recomiendo, en especial para aquellos jóvenes veinteañeros que quieren adentrarse en el mundo cinematográfico.

Director: Alejandro Amenábar

Lee Cronin's The Mummy (2026)

La posesión de la momia ★★★

Lo mejor que ofrece la película es lo grotesco, y eso está genial, sin pretensiones y siendo directo, ya por lo demás aspectos se puede debatir pero eso es su eje principal, la repulsión.

Antes de que empiece la trama principal, hay un prólogo que involucra a una familia egipcia con un secreto que establece el tono sórdido de la película, antes de dar paso a los Cannon, una familia estadounidense que vive en El Cairo, donde el padre, Charlie (Jack Reynor), es corresponsal de noticias de televisión. La pequeña hija Katie (Emily Mitchell) es secuestrada, y Charlie persigue en vano al secuestrador por calles azotadas por la tormenta de arena. Ocho años después, Charlie, su esposa Larissa (Laia Costa), su hijo adolescente Sebastián (Shylo Molina) y su nueva hija pequeña, Maud (Billie Roy), viven en Albuquerque cuando se enteran de que Katie, desaparecida hacía mucho tiempo, ha sido encontrada. Fue descubierta dentro de un sarcófago entre los restos de un accidente aéreo, un suceso que Cronin presenta de una manera sutilmente inquietante.

La singular visión de Cronin no es apta para personas sensibles. Su película es un espectáculo de terror y horror que busca un gore grotesco. Se inspira en el estilo de Evil Dead, pero con un inquietante elemento de misterio y un fuerte componente familiar. En esencia, es una película de terror genuinamente perturbadora que se te mete bajo la piel. Y lo que es aún más sorprendente, te genera tensión y al mismo tiempo te hace soltar algunas carcajadas, y eso está genial.

Una vez que Cronin tiene todo listo, intensifica su visión claramente perturbadora. No muestra interés en ir a lo seguro ni en complacer ciertas expectativas. En cambio, toma inspiración y teje su propia visión perversa que funciona a la vez como un horror de puro entretenimiento emocionante. Te estremecerás y según sea tu perspectiva te divertirás cuando lleve el horror al extremo, pues Cronin se divierte en hacerlo.

Es una película que deleita a la vez que repugna, lo que sin duda gustará a ciertos aficionados al terror. No es la historia más plausible, pero es difícil detenerse en eso cuando la película se entrega conscientemente a terrenos tan descabellados. El reparto entregado, el maquillaje y los efectos especiales impactantes, la fotografía y el diseño de sonido son efectivos en su contexto de horror y terror. La momia de esta película es un demonio como en ‘El Exorcista’, pero que lleva vendas egipcias. También hay algunas escenas grabadas en VHS para completar la historia, algo que muchas películas de terror especialmente en esta década lo han usado como recurso, ya que saben muy que el terror analógico gracias a internet tiene una popularidad considerable.

La joven actriz ‘Natalie Grace’ se entrega por completo al papel de Katie en su versión ocho años después, transmitiendo eficazmente su tormento interno, y el maquillaje despliega un arsenal completo de prótesis y efectos sangrientos bien logrados.

Una película que vale la pena ver. Tiene escenas de terror corporal muy buenas y una tensión, no tan lograda como otras, pero bien hecha a su estilo. Las críticas sobre los personajes unidimensionales son justas, pero el elemento de terror lo compensó, en mi opinión. Como una película de terror puede ser perfectamente disfrutable.

Posdata: Que guapa es la actriz May Calamawy.

Director: Lee Cronin

The Night House (2020)

La casa oscura ★★★

¿Qué puede hacer una mujer cuando su marido se suicida y luego empieza a descubrir extraños secretos mientras intenta seguir adelante? Pues seguir adelante sin importar si hay una entidad sobrenatural :).

Si te gustan las historias de fantasmas un poco más complejas y sofisticadas, entonces este misterio que se va desentrañando podría ser justo lo que buscas. Beth (Hall) acaba de perder a su esposo en un trágico suicidio y ahora debe seguir viviendo su vida en su casa de lago, construida por ellos mismos de una manera inusual, con ventanales de cristal que llegan hasta el techo y tablas de madera que crujen. Es una puesta en escena que toda historia de fantasmas debería hacer: hacer que el público mire más allá del actor para ver si alguien se esconde al fondo.

La Casa de la Noche  utiliza prácticamente todos los recursos a su alcance para aumentar la tensión, crear una atmósfera ominosa y construir una película angustiosa. Las ideas de laberintos y la dualidad impregnan la película. Colocan encuadres dentro de otros encuadres, utilizan espejos y superficies reflectantes para desorientar, y juegan con las peculiaridades arquitectónicas de la casa y los espacios negativos para escenificar ilusiones ópticas. Todo esto subraya las capas y la multiplicidad, así como el deterioro mental de Beth.

Rebecca Hall realiza un buen trabajo en esta película, retratando las complejas emociones que se experimentan tras la muerte de un ser querido. Con una atmósfera intensa, la película te sumerge en un suspenso. Me mantuvo pegado y entretenido aunque esperaba una ejecución un poco mejor pero está bien.

Ya hemos visto esto muchas veces y siempre es difícil ir más allá de los clichés típicos del cine de terror moderno. Tenemos algunos sustos repentinos y estridentes, presagios inquietantes, el inevitable cuestionamiento de la realidad, pesadillas que aluden a algo que ha sucedido o está sucediendo en la vida real. La película se limita a recordarnos constantemente que se trata de una historia de fantasmas, pero es cuando, poco a poco, va desvelando las capas tras los inquietantes secretos que Beth descubre sobre su difunto esposo, que la historia cobra verdadera vida propia.

Hay momentos realmente tensos y una secuencia en el baño con un espejo roto que es escalofriante. Es un guion lleno de conceptos ambiciosos que no todos llegan a su conclusión. Coquetea con lo oculto. Juega con la noción de lo siniestro. El giro final podría haber tenido más impacto si la revelación se hubiera insinuado antes en la película en lugar de (lo que pareció) una simple conversación intrascendente. Aun así, funciona bien como metáfora de los pensamientos suicidas tras un evento traumático. Nunca sabemos con certeza qué es real y qué es alucinación, y ahí reside la magia. El marido de Beth se suicidó atormentado por una entidad llamada Nada, y ahora Beth misma no siente "nada".

Director: David Bruckner

Mimic (1997) Director's Cut

★★★

Mimic narra la historia de una ciudad de Nueva York asolada por una epidemia que está matando a cientos de niños. Los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) rastrean la causa de la enfermedad hasta las cucarachas en las alcantarillas y se unen a un científico para erradicarlas mediante la introducción de un híbrido genético conocido como "La Raza Judas", cuyas secreciones acabarán con la población de cucarachas existente. Tres años después, la enfermedad prácticamente ha desaparecido, pero misteriosas personas con largos abrigos rondan la ciudad y la gente está desapareciendo. Peter (Jeremy Northam), un médico de los CDC, descubre una iglesia abandonada llena de suciedad y enfermedades, donde alguien o algo a colgado excremento en las paredes. Al mismo tiempo, su esposa Susan (Mira Sorvino) recibe un extraño insecto de unos niños del vecindario y descubre que comparte la composición genética de la Raza Judas, que fue criada para morir después de seis meses. Juntos se aventuran en el metro de la ciudad para descubrir la horrible verdad sobre en qué se ha convertido su creación y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.

Me gustan las películas de monstruos. Y esta se deleita con la belleza de sus sórdidos y oscuros escenarios subterráneos. La versión del director, por lo que estuve revisando en otras web, no incluye material adicional sobre los insectos. No aparecen los insectos que atacan a los neoyorquinos ni los que forman réplicas humanas perfectas de los que habla Del Toro en los extras. Los siete minutos adicionales de metraje se encuentran en la primera hora y se centran principalmente en el desarrollo de los personajes y en profundizar en la sub-trama del embarazo de la protagonista. Supongo que gracias a estas adiciones, la película tiene un ritmo más ágil y más entretenido, tomándose su tiempo para llegar a sus escenas más memorables. El final medio simplón y genérico de la película supongo que sigue presente, pensaba que quizás había un final alternativo. Fue interesante ver a un joven Josh Brolin y a Norman Reedus (El famoso ‘Daryl’ de The Walking Dead) completan el reparto secundario y están excelentes en sus respectivos papeles.

Del Toro crea con maestría secuencias de terror, construidas a partir de su característico diseño de producción, efectos especiales de criaturas, trabajo de cámara y buenas interpretaciones. Me sumergí de inmediato en su mundo, aunque la primera mitad de la película resulta un poco repetitiva. La segunda mitad de la película es más contenida y mucho más emocionante. Tuve algunas dudas sobre la lógica del clímax, pero, de nuevo, tras conocer mejor la visión original y los desafíos de la producción de esta película, estos pequeños fallos son comprensibles. Aunque algunas tomas CGI desentonan. Al igual que "Se7en" de David Fincher, "Mimic" tiene un aire muy noventero, no solo por su estética, sino también por su conexión con los thrillers de esa década, por lo que le da una aire de ser obras de época, ya depende del público actual como percibe que ha envejecido esta cinta, por mi parte lo he visto casi 30 años después, quizás lo habré visto de niño pero no me acuerdo del todo así que no me quiero arriesgar en afirmar que si lo vi de niño, pero envejeció bien en cierta manera ya que te mantiene entretenido a lo largo de toda la película. Lo que si me decepcionó, no es en si la película sino su historia de cómo fue la producción de la misma, ya que limitaron mucho la parte creativa del director. Más adelante comparto un link de YouTube sobre cuál hubiese la historia original creativa del directores sin las limitaciones de los ejecutivos y productores.

“Concebida originalmente como una épica película de hombres contra insectos gigantes con profundas connotaciones religiosas sobre la selección natural, la película sufrió un recorte de presupuesto a la mitad y terminó por no representar la visión original del director. Posteriormente, la película enfrentó más dificultades en la sala de edición, ya que los hermanos Weinstein le pedían constantemente a Del Toro que recortara segmentos. En ese momento, Del Toro apenas estaba dirigiendo su segundo trabajo, por lo que tenía poca influencia para enfrentarse a un poderoso grupo de productores como los Weinstein. Aparentemente, estaban especialmente nerviosos por una escena en la que unos niños son brutalmente asesinados, lo que debió haber impactado al público en los años 90.”

La fuente de esto lo leí en Wikipedia en Ingles del artículo de esta película, para que tengan presentes estos detalles que son muy importantes, porque “Mimic” tenía un mejor potencial pero que fue desperdiciado y no tanto por la culpa del director.

Mimic sigue siendo una sólida película con mucho que ofrecer. Es divertida, da miedo y es maravillosamente gótica y repulsiva. Sin embargo, por decisiones ajenas mataron un mejor potencial de la misma. Tiene una historia muy interesante como para hacerle un buen remake.

EL HORROR DE MIMIC, por ‘Davitxenko’ [https://www.youtube.com/@davitxenko]

Director: Guillermo del Toro

Project Hail Mary (2026)

Proyecto Salvación

★★★★★ GRAN PELÍCULA

Hay un elemento en la capacidad del cine que nunca desaparece, sin importar cuánto tiempo pase. Ese elemento implica un verdadero escapismo hacia los rincones más recónditos de nuestra imaginación. Pienso que esto sucede especialmente en películas de ciencia ficción que tienen un buen equilibrio o una buena mezcla de diferentes temáticas.

Puede ser una mezcla entre “ET, el extraterrestre” e “Interstellar”; y también tiene elementos de “Gravity” o “The Martian”, haciendo que su historia que te atrapa al instante. Los elementos de ciencia ficción no son necesariamente nuevos, pero la forma en que se presentan es muy interesante e innovadora. Disfruté de esta película, de principio a fin.

‘Project Hail Mary’ narra la historia del profesor de ciencias Dr. Ryland Grace, quien despierta solo en una nave espacial a varios años luz de la Tierra sin recordar cómo llegó allí. Y, sinceramente, eso es todo lo que necesitas saber antes de verla.

Mientras Grace reconstruye su memoria fragmentada, descubre que el sol de la Tierra está muriendo, al igual que casi todas las demás estrellas de los sistemas circundantes. Su misión es viajar al único sistema donde una estrella no está muriendo, descubrir por qué ha sobrevivido y traer la solución a la Tierra. Para complicar aún más las cosas, sus dos compañeros de tripulación han muerto en hibernación pero no está solo. Aparece «Rocky» un extraterrestre sin rostro y con un nombre impronunciable, con quien Grace entabla amistad.

Lo que sigue es una película espacial de camaradería inesperadamente conmovedora, a veces divertida y profundamente humana, que trata sobre la soledad, la conexión y lo que realmente significa ser valiente. Está lleno de pequeños y encantadores momentos de comunicación entre Grace y Rocky, que sinceramente, espero que se conviertan en parte de la cultura popular.

Ryan Gosling está genial como Grace, aportando el equilibrio perfecto entre torpeza, encanto y heroísmo a regañadientes. Es un papel exigente (lleva el peso de gran parte de las dos horas y media que dura la película) y lo interpreta con naturalidad, manteniéndonos enganchados en todo momento. En la Tierra, ‘Sandra Hüller’ ofrece un contrapunto sereno y controlado, aportando matices y humanidad a un personaje que fácilmente podría haber resultado frío o antipático.

Los efectos visuales son igualmente notables y sorprendentemente tangibles. Gran parte de la película se basa en construcciones reales, desde los interiores de la nave espacial a escala real hasta el magnífico trabajo de los marionetistas detrás de Rocky. En una era dominada por los efectos CGI, demuestran que el espectáculo no tiene por qué sacrificar la calidad de la ejecución. Rocky, en particular, logra un equilibrio perfecto entre lo totalmente ajeno y lo emocionalmente comprensible.

Los directores Phil Lord y Christopher Miller combinan magistralmente acción, emociones, humor y le otorgan un estilo visual increíble. Sin embargo, lo mejor de todo es la emotividad de Rocky, hasta el punto de que llegas a sentir empatía por el alienígena de una forma inesperada. Los momentos más emotivos, así como los más divertidos, surgen de las interacciones entre Grace y Rocky.

Durante dos horas y media, me sentí completamente inmerso en ella. Esto es lo que el cine de gran presupuesto puede y debe ofrecer: emoción e ideas, junto con un guion sólido, una dirección brillante y una actuación central espectacular. Es la mejor película que he visto en lo que va de 2026. Es una experiencia cinematográfica conmovedora, de esas que te recuerdan por qué vamos al cine.

Directores: Phil Lord, Christopher Miller

The Secret Life of Walter Mitty (2013)

La increíble vida de Walter Mitty

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Hay momentos brillantes en la película y escenas que me atraparon por completo. Pero también había algo que faltaba, algo que la frenaba y le impedía ser la gran película que a menudo nos prometen. Pero como menciono en otras opiniones de cintas que vi, son de esas películas que al menos debes verla una vez en la vida.

Walter Mitty (Ben Stiller) trabaja en el departamento de "negativos fotográficos" de la revista Life. Una mañana, los empleados reciben la noticia de que la publicación se convertirá en una revista exclusivamente online digital, lo que hará que muchos de sus trabajos dejen de ser esenciales. El aclamado fotoperiodista Sean O'Connell (Sean Penn) envía a la revista un negativo que cree perfecto para la portada final de Life. Pero Walter lo extravía. Así que, con su trabajo en peligro y el supervisor de la transición de la empresa (Adam Scott) presionándolo, Walter se embarca en una aventura alrededor del mundo para encontrar a O'Connell, y con suerte, el negativo.

El viaje de Walter lo lleva a lugares interesantes como Groenlandia, Islandia y el Himalaya. Nos sumergen en estos lugares, a veces con perspectivas sobrecogedoras. Esto da vida al viaje de Walter, y en cierto modo, justifica su transformación personal. Sin embargo, también tuve dificultades con ciertos aspectos de su aventura. Hay tantas preguntas obvias que la película prefiere que no nos planteemos. Y también hay una cantidad desmesurada de conveniencias que facilitan la búsqueda de Walter. Independientemente de la situación, casi siempre encuentra una salida perfecta. Quizás haya un significado más profundo, pero la historia no lo insinúa.

Walter Mitty también parece tener una pequeña crisis de identidad. Hay momentos divertidos al principio, pero luego hay un largo tramo en el que se toma las cosas muy en serio. El humor queda en segundo plano y se convierte en un drama de ritmo pausado, con sus buenos y malos momentos. Carece de la consistencia de las grandes películas, pero también tenía un atractivo inexplicable del que me mantuvo atento toda la película.

En cuanto al trabajo de Stiller como director y actor, estuvo bien. Pero hay un encanto genuino y entrañable en lo que le aporta al personaje de Walter Mitty. Me sentí muy atraído por él y personalmente empaticé con su percepción de sí mismo y sus inseguridades. Ben Stiller captura todo eso mágicamente. Kristen Wiig estuvo bien también, pero su personaje de la "chica de los sueños de Walter" estaba poco desarrollado. Adam Scott es más difícil de evaluar. Su actuación no es tan mala, pero el guion hace que este típico villano corporativo sea demasiado obvio.

Es una película difícil de calificar. Sin duda, destaca por su estilo visual y sus hermosos escenarios. También por la excelente actuación de Stiller y el dulce y contagioso encanto de su personaje. Desafortunadamente, es una película irregular, con demasiados giros argumentales forzados y momentos de bajón. Sin embargo, hay algo en ella que no puedo ignorar. Me ha impactado y me ha dejado con ganas de volver a verla. Eso suele ser señal de que una película funciona, al menos en algunos aspectos.

Director: Ben Stiller

Beau Is Afraid (2023)

Beau Tiene Miedo

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Es una película extraña y respeto eso. No es necesariamente algo malo; las anteriores películas de Ari Aster que vi fueron ‘Hereditary’ y ‘Midsommar’, la cual me encantaron. Pero ‘Beau is Afraid’ no es terror porque carece de elementos de terror tradicionales, en lo que sí se puede parecer es que optan por una atmósfera completamente inquietante y tensa pero con una perspectiva diferente.

Resumir los acontecimientos de la película, con sus 2 horas y 59 minutos de duración, es toda una hazaña. En esencia, la película consiste en tres horas de Beau (Joaquin Phoenix) sufriendo un ataque de pánico prolongado, provocado por su lucha entre evitar y afrontar su trauma familiar, en concreto el materno. Beau es un hombre atormentado que se embarca en un viaje surrealista a través de una serie de situaciones extravagantes para encontrar el camino de regreso a la casa de su infancia. Perseguido por recuerdos fugaces del pasado y preguntas sin respuesta, Beau no encuentra ni un momento de paz; tampoco el público.

Su mayor defecto es su excesiva duración. Como ya se mencionó, la película apenas llega a las tres horas, y se nota. Podría haber recortado fácilmente una hora y probablemente habría tenido mucho más impacto. Para mí la trama no tiene suficiente sustancia para tanta duración pero lo entiendo. La narrativa no la requiere, y en consecuencia, tiende a alargar momentos que podrían haber sido memorables.

Más allá del arduo viaje que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película, es de digno elogio por su singular e imaginativa puesta en escena. La producción  de animadores creó una serie de secuencias surrealistas que complementan a la perfección los giros y vueltas sobrenaturales de la narrativa. Las secuencias animadas son una estética improvisada con grabaciones de acción real del reparto, fusionando ambas estéticas para crear una paleta estética visual única y reconocible.

Otro punto a favor son las magníficas interpretaciones de su reparto. Joaquin Phoenix es un protagonista sólido cuya actuación transmite una profundidad que, lamentablemente, la película no logra explorar por completo. Beau es un personaje indudablemente complejo, cuyas intenciones y traumas desencadenantes nunca se explican del todo; sin embargo, la intriga que Phoenix plantea al espectador lo mantiene en vilo de principio a fin.

El personaje que más se asemeja a la intensidad de Beau es su madre, ‘Mona Wasserman’, una mujer cuyo amor por su hijo es evidente. La actriz Patti LuPone encarna a una Mona que capta a la perfección el impacto de equilibrar su éxito con la compleja relación maternal que mantiene con su hijo, quien atraviesa dificultades. Mona es una presencia constante en la vida de Beau y en la narrativa de la historia.

Sinceramente, no sé muy bien cómo resumir lo que vi por eso se me hizo difícil darle una calificación pero son de esas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, por eso la recomiendo, además de que te invita a verla de nuevo. La película es sin duda interesante y presenta tantos elementos que verla una sola vez no basta para apreciar todos sus detalles en su caos.

Director: Ari Aster

The Drama (2026)

El Drama -☆☆☆☆☆- [Sin calificación] [👍]

Una película que me anime a verla y estoy seguro que la mayoría así lo hizo también, por ver como conectan Robert Pattinson y Zendaya. Al terminar de verla me gusto, puede tener sus defectos y bemoles pero tampoco me quiero andar de pretencioso dándole críticas negativas molestas. Los dos protagonistas estuvieron bien.

No deberías guardar secretos a la persona que amas. ¿O sí? Esa es, en resumen, la premisa de ‘El Drama’, que, bajo la apariencia de una comedia romántica poco convencional, explora el perdón y la comprensión (o la falta de ella) en un mundo que juzga con demasiada facilidad. Si bien la película se beneficia del encanto y la química de sus dos protagonistas, a mitad de camino se vuelve talvez algo larga, culminando en un final de ‘farsa’ para preservar la humanidad de los personajes. Pero esto también puede ser una bocanada de aire fresco, incluso si sigue caminos predecibles en su trama.

Puede ser una comedia algo fría que resulta bien para mí, una provocación atrevida que plantea un escenario extremo con la intención de crear un concepto ingenioso a su manera, pero su ejecución muestra una visión confusa a lo largo de la película, más allá de explotarlo para provocar comedia que te incomode. Parece indeciso sobre qué hacer con el personaje de Emma (Zendaya), por lo que esencialmente la convierte en un catalizador narrativo para la crisis personal de Charlie (Pattinson), una decisión que, en el mejor de los casos, resulta algo decepcionante y, en el peor, desagradable. Charlie es un personaje más vulnerable y por ende un poco más empático, pero cuando se trata de Emma, la película se comporta como un psicoanalista que se niega a aceptarla como paciente porque no está a la altura del desafío que plantea la cinta.

Algunos fragmentos de la película funcionan bastante bien, mostrando su potencial: imágenes inquietantes de Charlie caminando junto a la problemática versión joven y adolescente de Emma mientras lidia con esta sorprendente faceta psicológica de su prometida; una escena en la que Charlie se encuentra atrapado en una espiral de justificaciones atormentadas mientras lucha con las muchas incertidumbres de la zona gris que acechan entre la aceptación y el rechazo. 

Sin embargo, el trasfondo está plagado de cabos sueltos, ya que la película coquetea con ideas sobre el perdón y el amor incondicional, sobre el dilema del control de armas, tan característico de Estados Unidos, pero nunca las desarrolla del todo. Dan ganas de rogarle al director que reconsidere el final ambiguo, que no encaja con lo anterior: una película que nos invita a ponernos en el lugar de Charlie y reflexionar sobre sus éxitos y fracasos al navegar por la densa niebla moral de una situación insostenible. Parece que no hay victoria posible. No hay posibilidad de "empezar de nuevo". Y, lo que es más importante, no hay una comprensión profunda del personaje de Emma, quien, sin que Zendaya tenga culpa alguna, está tan superficialmente esbozada que no es más que un recurso argumental.

En conclusión para mí, la película resulta atractivo por sus dos protagonistas que son súper conocidos, y su concepto prometedor, y tiene momentos memorables. Sin embargo, quizás para algunos decepciona en su intento de encontrar comedia y profundidad en una situación algo absurda. Por mi parte la recomiendo si quieres entretenerte con algo fácil de ver y digerir.

Director: Kristoffer Borgli