Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023)

A través del Spider-Verso ★★★★½ ✂ [👍]

Hay mucho que analizar en esta película, y si bien el guion hace un buen trabajo al presentarlo todo, es el trío de directores quienes realmente merecen elogios por guiar este viaje de superhéroes, ya que nunca se siente tan larga y tiene un ritmo relativamente bueno. Siempre hay algo que ver, algún personaje excéntrico, otro que aprende algo o algún tipo de gran revelación. Por lo tanto, la película logra mantenernos (a los que les gusto) interesados en ella y hace un gran trabajo al mantener esta secuela de Spider-Man atractiva y entretenida de principio a fin.

Por sus temas y conceptos morales, logra integrar de buena manera estos mensajes en la narrativa principal sin que resulten forzados. En realidad, los temas de la película son el corazón de su narrativa, mostrando la relación causa-efecto de las situaciones y cómo algunas cosas están predestinadas o predeterminadas y no pueden alterarse. Sin embargo, también es cierto que algunas cosas pueden cambiar, como se ve en el viaje de Miles, y la aceptación de las diferencias puede ser la clave para la salvación. Es una secuela que cumple con su premisa: una épica multi-versal (en su primera mitad) que se mantiene fiel a los personajes y la mitología de la película anterior, a la vez que desarrolla una aventura épica.

Su estilo visual se expande al mostrar nuevos escenarios y lugares, especialmente la ciudad inspirada en la India para Nueva York, llamada "Mumbahattan", y el vasto paisaje donde la Sociedad Arácnida llama hogar del universo de Miguel O'Hara. El diseño de producción, la dirección de arte, el diseño de los personajes y su vestuario, y la animación ayuda a elevar la valla para las películas animadas venideras. Además, la dirección de la película también da lugar a algunas tomas cinematográficas increíbles e impresionantes que continúan construyendo sobre una gran dinámica de diferentes estilos de animación. La banda sonora es genial a lo largo de toda la película y sin duda aporta la estética de superhéroes modernos, haciendo su acción trepidante y con momentos más tranquilos o contemplativos.

El principal antagonista de la película, la Mancha, un antiguo científico convertido en super-villano tras un accidente (causado por Miles), cuyo cuerpo ahora está cubierto de portales inter-dimensionales. Empieza como una amenaza criminal de bajo nivel, pero después se convierte en una amenaza mucho mayor para todos los personajes y en el villano principal de este conflicto multi-versal. Además de que la Mancha es visualmente impresionante donde no tengo dudas de la influencia del anime, porque sus poderes con esa aura de poder y resplandor es muy característico del 'shonen'.

Otra influencia muy marcada es el gran impacto que ha tenido ‘Deadpool’ principalmente con sus dos primeras película, por opinión personal más la segunda, que en cierta manera revolucionó el cine de superhéroes al demostrar que el público masivo conectaba profundamente con el humor ácido, la ironía y la irreverencia. Si bien personajes como el Spider-Man de Miles Morales no replican el contenido adulto de Deadpool, sí heredaron y adaptaron su agilidad mental, el uso de la comedia meta e irónica, y la deconstrucción del género.

Antes de Deadpool, las películas de superhéroes tendían a tomarse muy en serio o a usar un humor más blanco y tradicional. Deadpool popularizó la ruptura de la cuarta pared y el chiste "meta" (reírse de los propios clichés del cine de cómics). El impacto en la saga animada comenzando con “Spider-Man: Into the Spider-Verse” (2018), el uso de la voz en off, los chistes sobre el origen del personaje, y la constante burla a las dinámicas de los superhéroes clásicos son una evolución directa de esa autoconsciencia que Deadpool demostró que era comercialmente viable. Esto abrió la puerta para que personajes como Miles Morales pudieran mostrarse vulnerables, cometer errores graves, admitir que no quieren ser héroes en ciertos momentos y lidiar con el fracaso de una manera mucho más humana y terrenal. Y esa personalidad irreverente también se ve en la Mancha, que ascendió a nivel Deadpool porque tiene una personalidad divertida cómica a su manera, y hasta lo mismo se podría decir del ‘Spider-Man Punk’.

La parte dramática no me convence del todo, yo sé que está abarcando una temática universal y familiar, pero Miles Morales a pesar de que tiene 15 años, su personalidad es de alguien de 30 para la sociedad de hoy, eso no se puede negar, donde quizás se hubiese jugado con eso también. Me he dado cuenta (según mi percepción seguramente errada) que de manera meticulosa la temática del “maternalismo” empieza a ser repetitivo y algo simplón en sus escenas, los de Sony saben que puede causar aburrimiento incluso rechazo porque es un tópico monótono y cliché, pero lo saben sobrellevar con la comedia y la revelación de algún secreto. El giro de guion en el tramo final fue genial, y deja muy claro una tercera entrega.

Sin duda fue una de las mejores películas de ese año, y si quieres disfrutarla aún mas aunque igual lo vas a disfrutar, tienes que ver la anterior película, para que algún detalle no se te pierda en el camino, especialmente en el suspenso del final.

Directores: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson

LAS MEJORES CANCIONES DE JUNIO 2026

Artistas como Olivia Rodrigo, Charli XCX o Tyla siguen consolidándose a pasos agigantados, y lanzado también discos consistentes.

Hubiese querido que haya más canciones pero supongo que por la distracción del mundial de futbol, ensombreció a muchos artistas del mes. Espero que conforme pase los meses, esta lista de canciones se incremente.

21. "Hateful"

Liquid Cross

20. "369"

Nu Jazz

19. "Song For November"

ostraca

18. "Contentious Environment" [From ''The Invite'']

Dev Hynes

17. "Yellow Sun"

Downtown Boys

16. "Sensación"

Helado Tropical

15. "Mercury"

Upper Wilds

14. "Dis-le"

Angèle

13. "Talento"

Lido Pimienta

12. "Cotton"

Vince Staples

11. "Boogie's in My Soul"

Chaka Khan feat. Snoop Dogg

10. "Monster"

Rodrigo y Gabriela

09. "One Song"

Team Dresch

08. "Mi Concha"

Downtown Boys

07. "On Your Mind"

FKA twigs feat. Lil Yachty

06. "Autosmile"

@

05. "Sun Has Set"

beabadoobee

04. "NOTA"

Paloma Mami, Cris MJ

03. "IS IT LOVE"

Tyla

02. "Wink Wink"

Charli XCX

01. "stupid song"

Olivia Rodrigo

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The Invite (2026)

La invitación ★★★

Primero lo primero, este remake es inferior al original, principalmente por sus personajes, de lejos ‘Sentimental’ tiene el mejor cuarteto. Me decepciono un poco además la actuación de Edward Norton, quizás este papel no era para él por el guión. Tuvieron sus momentos divertidos en la escena donde intercambian parejas, la música de Sade, pero después de eso no hubo mucho que ofrecer. Los diálogos fueron inferiores también. Quizás estoy siendo mezquino, pero el reparto me resulta poco creíble, no tanto por su actuación, sino por su presencia, no me convenció.

La película expresa nuestras inseguridades actuales y cuánto hemos perdido de vista la felicidad. Los secretos y las frustraciones ya no pueden ocultarse por las apariencias; durante una cena improvisada con otra pareja, los infelices esposos Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde, quien también dirige) se ven obligados a reflexionar sobre sí mismos y a confrontar las verdades tácitas que los han llevado a esa noche en particular.

Algunos aspectos se mantienen ambiguos, como la rotunda insistencia de Joe en que su antigua carrera musical en una banda de un solo éxito no vuelva a mencionarse (ni siquiera en el tocadiscos). La verdadera causa de la infelicidad de Angela también se mantiene en la ambigüedad, aunque gran parte de ella proviene de la infelicidad de Joe. En medio de todo esto se encuentra su hija, a quien no vemos, y que parece ser la única razón por la que intentan que algo funcione. Pero ambos están atrapados en una espiral de discusiones y antagonismo, y no tienen ni  idea de qué hacer cuando se enfrentan a sus vecinos de arriba, Hawk (Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja cariñosa y comprensiva que son polos opuestos a Joe y Angela, tanto en lo personal como en lo profesional.

Por un lado, tenemos el realismo de las tensiones de la vida moderna, profundamente arraigado en la relación de Joe y Angela. Desde su constante actitud defensiva especialmente entre ellos, sin mencionar cómo se comportan con Hawk y Pina, hasta la actitud hastiada y desconfiada de Joe y la desesperación de Angela por cualquier cambio en su rutina o una salida del bache en el que se encuentra, esta pareja pasa casi toda la película criticándose mutuamente por supuestas faltas y negligencias.

Seth Rogen interpreta a su personaje con un arrepentimiento sombrío, añorando la vida divertida que Joe solía tener y los buenos momentos que pasaba con Angela, molesto porque el mundo lo ha relegado a este pequeño rincón para que se marchite y se vuelva inútil. Incluso su piano, en el que probablemente compuso gran parte de la música de su banda, permanece cerrado con llave y sin usar. Su conflicto con sus vecinos proviene sobre todo cuando Hawk y Pina los mantienen despiertos a él y a Angela con ruidos sexuales fuertes, a veces a las 3 de la mañana.

Lo que aqueja a Joe y Angela es la falta de sinceridad entre ellos y con respecto a sus deseos. Así que, cuando Hawk y Pina los visitan con la excusa de ver su apartamento recién reformado, Joe y Angela se sorprenden de lo relajados y abiertos que son entre sí, por no hablar de lo impactados que quedan por la franqueza de Hawk y Pina con ellos. Incluso son directos con el motivo de los ruidos sexuales, que Pina y Hawk no tienen inconveniente en comentar, pero que está totalmente fuera de la normalidad y la perspectiva de vida de Joe y Angela. Y cuando Pina y Hawk les dicen que hay otro motivo de su visita, es cuando la relación de Joe y Angela se pone aún más en tela de juicio.

En contraste, Penélope Cruz y Edward Norton interpretan a Pina y Hawk como personas relajadas y despreocupadas. Sin hijos, libres y comprensivos, parecen ser el tipo de personas que Joe y Angela podrían haber sido si se hubieran centrado en su felicidad y hubieran seguido adelante juntos. Parte de la diversión reside en ver a Cruz interpretar a una mujer seductora, pero es la inteligencia de su personaje la que cobra mayor importancia a medida que avanza la película, y es curioso presenciar la transformación gradual de Pina, de seductora a analítica, sin perder su atractivo. Del mismo modo, Norton se une a Cruz al mostrar cómo la vida lo ha cambiado, optando por un camino mejor y más altruista hacia la felicidad.  Norton le otorga a Hawk un temperamento más sabio, combinado con una seguridad y confianza inquebrantables en cada paso que da hacia su objetivo y el de Pina. Pero como mencione, la presencia de Norton no me convenció del todo, su contraparte de ‘Sentimental’ lo hizo mejor más directo y creíble,  aunque esa afirmación me lleva a una pregunta que lo plantearé más adelante.

Olivia Wilde equilibra la ira, la sensualidad y una desesperación cansada para crear este torpe y desesperado intento de salvar el matrimonio de Joe y Angela, o por el contrario, darle el golpe de gracia. La cuestión no es dónde terminarán, sino dónde están ahora y qué están dispuestos a hacer al respecto. Joe y Angela tienen lo que necesitan, pero en lo que parecen ser los últimos momentos de su relación, están tan a la defensiva y cansados como para entregarse el uno al otro. Y cuando sus posibles futuros yo alternativos se ven reflejados en Hawk y Pina, no saben si luchar o rendirse. Eso sí, la película no pretende decir nada profundo; simplemente nos invita a observar lo que hay y lo que les impide ser más como pareja.

Ahora me pregunto, ¿Qué hubiera pasado si hubiese visto primero esta versión y después la original? Quizás no le hubiese puesto 3 estrellas sino 3.5 XD. Pero estoy seguro que si hubiese visto el original después, igual me seguiría quedando con el original. Y también no criticaría tanto la inclusión y la presencia de Norton XD. Sin duda el tiempo y el momento son importantes cuando uno ve cine, porque eso cambia tu perspectiva y reflexión.

Directora: Olivia Wilde

Passenger (2026)

El Pasajero Del Diablo ★★★

Su enfoque narrativo, su ritmo y una atmósfera asfixiante me gustaron. Fue una pesadilla trepidante en la autopista.

Passenger narra la historia de una pareja cuyo viaje nocturno por un tramo remoto de la carretera se transforma poco a poco en algo cada vez más extraño e inquietante. Lo que comienza como un viaje ordinario rápidamente se convierte en paranoia, horror psicológico y encuentros perturbadores, a medida que la pareja se da cuenta de que algo anda muy mal mucho antes de comprender del todo a qué se enfrentan.

La película empieza con fuerza. La secuencia inicial presenta un plano secuencia que te atrapa de inmediato y marca el tono. Es tensa, inquietante y está dirigida sin pretensiones. Más adelante hay otro momento que involucra una secuencia de persecución en un aparcamiento casi vacío, y de nuevo, es el tipo de escena que te recuerda que su atmosfera va ser puro suspenso y tensión. Algunas de las escenas más tranquilas resultaron, más inquietantes que los momentos de terror más intensos. 

El problema es que hay ideas que resultan mucho más extrañas e interesantes de lo que la película se atreve a explorar. Al principio, la carretera interminable y el aislamiento constante crean una atmósfera onírica, como si los personajes estuvieran atrapados en algo de lo que no pueden escapar. Sinceramente, me hubiera gustado que la película profundizara más en ese aspecto, porque esos momentos fueron, sin duda, los mejores para mí.

En cambio, poco a poco se adentra en terrenos de terror mucho más familiares a medida que avanza. En el acto final, sobre todo, da la sensación de que la película deja de confiar en sus ideas más interesantes. Algunas partes del final de repente empieza a sentirse más predecible de lo que prometía la premisa original.

En cuanto a la interpretación, ‘Lou Llobell’ y ‘Jacob Scipio’ están bien. Ninguno ofrece una mala actuación. El mayor problema radica en que la relación entre ambos personajes no termina de cuajar emocionalmente, aunque creo que esto se debe más al guion que a los propios actores. Muchos de sus diálogos resultan algo forzados, lo que dificulta conectar con la historia cuando el aspecto emocional cobra mayor importancia. Dicho esto, hay escenas en las que ambos actores dejan entrever una profundidad emocional. Pero simplemente, la química no llega a ser lo suficientemente consistente.

Visualmente, la película logra mantener el interés, y hay momentos en que la atmósfera crea una auténtica sensación de inquietud. Sin embargo, nunca llega a explotarlas del todo. El ritmo decae ocasionalmente, el misterio pierde interés a medida que se revelan las respuestas, y la experiencia general se convierte en algo a veces frustrante.

La película luce genial, eso sí. El director sabe cómo usar la oscuridad a la perfección sin que resulte imposible ver nada. Las escenas nocturnas en la carretera, en particular, tienen una atmósfera realmente inquietante, y el diseño de sonido contribuye en gran medida a mantener esa tensión latente en segundo plano durante los momentos más tranquilos.

El problema del guion radica en su incapacidad para encontrar el equilibrio adecuado entre la dinámica de la pareja y la mitología del folclore del terror. Como resultado, las emociones fuertes siguen siendo escasas y distantes entre sí, incluso cuando se invierte más tiempo en explorar la reunión de personas que viven en furgonetas. Sigue siendo un problema muy específico porque los momentos de terror son ineficaces y están diseñados para funcionar solo de forma aislada. Serás testigo de un incidente aislado en la carretera que amenaza con aumentar el miedo, pero no se compromete del todo a crear una atmósfera de terror a su alrededor.

La mitología detrás del supuesto folclore es poco convincente, que apenas se basa en símbolos para comunicar el ángulo lógico de las cosas. Todo lo que obtienes es algo de información con la protagonista hojeando un libro que encuentra por casualidad en una librería. Esto, mientras ocurre después de un incidente aterrador en el estacionamiento que no fue captado por la cámara del auto. Desde una perspectiva estructural, el enfoque debería haber estado directamente en el folclore desde ese punto, pero en cambio lo que se obtiene son momentos acogedores seleccionados al azar, a menudo interrumpidos por situaciones de terror.

Passenger resulta frustrante por momentos. Aun así, la atmósfera funciona, un par de secuencias son memorables y es entretenida. Tiene algunos altibajos, pero nunca se desvía por completo de su rumbo y sigue siendo una película de terror disfrutable.

Director: André Øvredal

Obsession (2026)

Obsesión -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Me gusto bastante pero por alguna razón se me hizo difícil calificarla con las famosas estrellitas, aunque le iba dar 4 estrellas pero mejor lo dejo en sin calificación. Eso sí, va estar en mi lista de las mejores del año junto con ‘Backrooms’, aunque en internet se menciona que se estrenó en 2025 en festivales, un pequeño dilema que tendré, igual será para el fin de año XD.

Bear (Michael Johnston), un tímido empleado de una tienda de música, está enamorado en secreto de su amiga de la infancia y compañera, Nikki (Inde Navarrette). Bear compra un amuleto místico llamado ‘One Wish Willow’ (un sauce de los deseos). Rompe una rama y desea que Nikki se enamore profundamente de él. El deseo se cumple, pero transforma a Nikki en una presencia hiper-dependiente, desquiciada y aterradora que destruye la vida de ambos.

La película parece sencilla, y en muchos sentidos lo es. Lo que la hace fascinante es que no se trata simplemente de otra historia sobre una mujer que enloquece peligrosamente por un amor obsesivo. El protagonista es el verdadero artífice de todo lo que sucede. Él creó la situación, y durante mucho tiempo se aprovecha de ella sin reparos. Sin embargo, incluso cuando reconoce su responsabilidad, no parece haber una salida fácil. Se construye escena tras escena una creciente incomodidad y violencia cada vez mayor, todo ello anclado en el comportamiento cada vez más errático de la protagonista Nikki, que pasa en un instante de la ternura a la brutalidad, de la devoción absoluta a la rabia explosiva, de las acusaciones a gritos intensos.

Tanto ‘Michael Johnston’ como ‘Inde Navarrette’ están brillantes a lo largo de la película, pero Navarrette destaca sin duda, robándose las mejores escenas, y su interpretación es muy creíble y genial. Es escalofriantemente buena en su transición de la Nikki normal a la Nikki obsesionada. Es una actuación muy física; Navarrette cambia su forma de moverse y hablar, dependiendo de cuán perdida se sienta dentro del deseo, y todo se funde en una amalgama de lo que Bear (el otro protagonista) creía que quería y el desvarío del amor forzado.

El guion le permite a Navarrette divertirse mucho interpretando a una persona obligada a hacer cosas que normalmente no haría. Consigue arrancar risas y sustos, al tiempo que nos recuerda que es prisionera en su propio cuerpo. Los personajes secundarios también contribuyen a generar ese ambiente de tensión y ambivalencia, a la vez que intensifican las cosas de maneras sorprendentes.

El director de fotografía realiza un trabajo excelente al crear una atmósfera de terror absoluto mediante el uso de sombras y espacios oscuros. Las tomas estáticas de la cámara, llenas de oscuridad y vacío, incitan al público adivinar qué podría estar oculto y observándolos fijamente. Además, toma lo que debería ser un escenario principal normal, la casa de Bear, y lo convierte en un capullo de soledad que solo empeora cuando Nikki se infiltra en él.

Obsession me sorprendió en cierto sentido por su originalidad, ya que podría haber resultado superficial, tanto en su premisa como en su ejecución. La sutil construcción del mundo contribuye a que la idea central de la película parezca potencialmente ambiciosa, pero sabiamente mantiene el enfoque en la difícil situación personal de Bear. Su particular estilo llevado al extremo, revitaliza un estilo de terror diferente a otras, ofreciendo una experiencia intensa, sangrienta y memorable gracias a su magnética y desquiciada coprotagonista.

Director: Curry Barker

Eiga Daisuki Pompo-san (Pompo: The Cinephile) (2021)

Pompo, la magia del cine ★★★

Curiosa película anime, que es una carta de amor al cine en su mirada más técnica que cinematográfica. Trata sobre la realidad de hacer una película, y cómo a veces, hay que hacer grandes sacrificios. Esta película no fue hecha para el público general, sino para quienes desean formar parte del proceso creativo del cine. Si disfrutas del arte de hacer películas, encontrarás algo interesante en la película y probablemente aprenderás algo.

En este mundo ficticio que es básicamente igual al nuestro, nos transportamos a “Nyallywood”, la versión ficticia de la capital del cine estadounidense, donde trabaja Pompo, la productora. Es una chica bajita y enérgica que come dulces o batidos constantemente, nieta de un famoso director, y creció rodeada de películas. Por lo tanto es una de las mejores en el negocio, que trabaja exclusivamente en películas de serie B (tanto porque son divertidas como por el desafío que representan para atraer al público). Ella es solo la productora, que pasa su tiempo corriendo entre sets de filmación, contratando actores y equipo, planificando y presupuestando todo.

Esperaba innumerables homenajes a otras películas de Hollywood, pero no había tantos. En realidad, trata sobre el proceso de realización cinematográfica, más que sobre el amor por el cine en sí. Trata sobre el casting, las relaciones profesionales, el trabajo en equipo, la retroalimentación y su correcta aplicación. Trata sobre rodar en exteriores y lidiar con el clima y otros factores ajenos al control del equipo. Trata sobre seguir el guion, pero también sobre probar nuevas ideas y escenas sobre la marcha. Y trata sobre el montaje, la parte que más le gusta a Gene: pero con casi 100 horas de metraje, ¿cómo puede llegar al montaje final antes del estreno? Entonces la realidad se impone cuando determina que se requieren regrabaciones y surgen problemas con los inversores de la película. Centrándose en la energía y el espíritu del trabajo en equipo y la producción artística, con sus altibajos.

Esta es la única película que recuerdo que logra que el proceso de edición resulte realmente interesante y por momentos épico. La película está llena de saltos en el tiempo hacia adelante y hacia atrás, pantallas divididas, títulos superpuestos y un montón de otros trucos. La duración oficial de esta película es exactamente 90 minutos, un gran guiño que cobra sentido después de verla. A veces, la película tiene tanta energía que la edición corre el riesgo de descarrilarse, pero todo se mantiene en el camino, y las historias y conclusiones complicadas tienen sentido sin perder al espectador. Además muestra el detrás de cámaras, donde la industria del entretenimiento está llena de productores desesperados por convertir en superestrellas a actores sin experiencia y arriesgarse con directores nuevos, dándoles el montaje final, incluso si eso casi lleva a la bancarrota la producción, simplemente porque les apasiona el proyecto. Y cabe destacar que en la película todos admiten abiertamente que la premisa de esta película ficticia es una farsa para ganar un Óscar, añadiendo que la profundidad de los personajes compensa la trillada premisa.

No se puede negar que este anime tiene buen corazón, incluso cuando es un poco brusco con sus filosofías. (Pompo argumenta que "Cinema Paradiso" es demasiado larga y, bueno, tal vez tenga razón), y por algunos tramos se hace aburrido e innecesario. Pero sin duda es una película entrañable sobre lo maravilloso que sería tener a alguien que apoye de verdad tu visión artística, y eso es algo genial con lo que fantasear, o si tienes mucha suerte, con lo que vivir.

Director: Takayuki Hirao

Disclosure Day (2026)

El día de la revelación ★★★½ [👍]

Steven Spielberg es románticamente positivo y melodramático a su estilo, me gusta y lo acepto.

La historia se adentra en el dilema moral y el caos social que desataría saber que los gobiernos han ocultado la presencia de inteligencia extraterrestre durante décadas. Josh O’Connor interpreta a Daniel, un experto en ciber-seguridad de una organización secreta, cuyo propósito es suprimir cualquier filtración. Junto a Emily Blunt, se ven envueltos en una frenética huida para impedir que una campaña de mentiras institucionales continúe, enfrentándose al dilema de si la humanidad está lista para la verdad.

Hay un panorama sombrío en el mundo ahora. Las guerras asolando Oriente Medio, la polarización que se respira, la IA, la manipulación de bots y trolls en internet para fabricar opiniones y supuestas mayorías, ya te haces una idea como está el mundo ahora. Así que tiene sentido que Spielberg, el gran cineasta estadounidense del optimismo, la admiración y la inocencia infantil, volviera a mirar al cielo. Él suele ver a los extraterrestres no como una fuerza destructiva o aterradora, sino como criaturas benevolentes, llenas de curiosidad, bondad y sabiduría. A excepción obviamente de su versión de ‘La guerra de los mundos’ en 2005.

Disclosure Day sugiere que todos deberíamos ser más amables entre nosotros, escucharnos y guiarnos por nuestra "mayor ventaja evolutiva": la empatía. Y, sinceramente ¿quién podría discutir eso? Lo interesante tal vez es cuando expone sus temas de forma bastante explícita, coge la conspiración para un momento clave, bisagra, en unir a la humanidad, ya depende de tu empatía si te agrada o no. En mi caso funcionó en cierta manera ya que esta propuesta no se ha usado en otras películas. Lo que no se puede negar es el idealismo sincero Spielberg, que nos pide que creamos que si se revelara la verdad, la gente de todo el mundo estaría terriblemente indignada por la forma en que se han diseccionado y maltratado a los extraterrestres capturados.

Una de las reflexiones filosóficas de la película tiene que ver con la fe. Si existen los extraterrestres ¿qué sucede con Dios? ¿Acaso ya no es necesaria una entidad divina? Señalando que Dios no sería tan egoísta como para dejar que todo ese vasto espacio se “desperdiciara”.

Como toda película de Spielberg es siempre entretenida y divertida especialmente por su ciencia ficción, esa escena donde se vuelven invisibles fue curioso; además de las persecuciones trepidantes. Todo ello acompañado de una emotiva y clásica banda sonora compuesta por John Williams. Funciona más como un thriller de persecución y conspiración que como una invasión alienígena explosiva.

Director: Steven Spielberg

Backrooms (2026)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Esta temática de los espacios liminales surgida en internet específicamente en ‘4chan’ por una foto de tonalidad amarilla, ahora ya es recontra mainstream. Ya depende de los puristas que sabían de los Backrooms desde sus inicios o el nuevo público que recién sabe de esto y le gusto tal vez, pero lo que no se puede negar es que este estilo de contar historias tuvo un gran éxito con esta película, la cual obviamente el germen está en los videos de YouTube de Kane Parsons y que ahora debutó como director, su opera prima, el mejor inicio para un joven de 20 años. 

Esta película se centra mucho en la atmósfera y el ambiente, pero también tiene una trama y una historia definida la cual quizás en ese aspecto es lo más débil. Pero gracias a la combinación de talento emergente y consagrado (por sus exitosos videos en YouTube), y un profundo conocimiento del género, realiza una adaptación más que interesante.

Una noche, Clark descubre este peculiar mundo paralelo, o espacio extra-dimensional, o lo que sea. Al principio, parece una oficina diáfana amarillenta con muebles dispersos. Sin embargo, cuanto más se adentra, más descubre que es infinito, con una arquitectura que adopta formas y tamaños peculiares.

El diseño de producción logra transformar pasillos amarillos infinitos, oficinas vacías y zumbidos fluorescentes en una claustrofobia sensorial. También se aleja de los sustos rápidos del terror convencional para apostar por el miedo a los espacios vacíos y un tono pausado.

He visto comentarios donde mencionan que desaprovecha su potencial para un giro más radical que encajara con su ambientación en un espacio liminal y su atmósfera. Puede ser que sí, porque te deja con la sensación de contención, obligado a ceñirse al estilo de terror de A24. Su tramo final no logra aterrizar de forma satisfactoria todas las expectativas y misterios planteados. Pero quizás el guion no le permitió que Parsons se descontrole por completo, podría haber dado mucho más. Aun así, me resulta muy entretenida e innovador en su estilo, y ese potencial desperdiciado quizás lo veamos en las secuelas que ya están confirmadas, solo esperemos que no defraude.

Algunas partes que me gustaron fueron cuando usaron las grabaciones en VHS donde ese formato estuvo bien complementado con su escenografía increíble, buena música y algunas actuaciones acertadas, pero como mencione el punto débil quizás sea la historia de los protagonistas, sin embargo no voy a negar que la línea de, “soy un maldito arquitecto”, quedo como un meme para la posteridad.

La valoro mucho más después de verla porque es una propuesta arriesgada, visualmente fascinante y ambiciosa, que cautivará a los amantes del terror atmosférico, aunque probablemente frustre a quienes esperan respuestas claras o una narrativa tradicional. Por mi parte me gustó.

Director: Kane Parsons

LAS MEJORES CANCIONES DE MAYO 2026

Este mes ha tenido canciones interesantes como las de Charli XCX, algunos memes para la posteridad con "GUT GENUG", canciones para el evento del mundial de futbol que en retrospectiva me han gustado donde Future y Tyla hicieron un buen trabajo, y artistas relativamente nuevos como Lenexx con su estilo "funketon" fusionando reggaetón y funk carioca.

30. "Chuchumbe"

Guachinangos

29. "Steh Auf"

Ellen Allien

28. "GRIS"

RaiNao

27. "Cinder"

Beacon

26. "Colors"

The Tallest Man On Earth

25. "RUNNIN OUTTA TIME"

Genesis Owusu

24. "Tóxica"

Lido Pimienta

23. "NOPS"

DJ Lag

22. "Anonymat"

Lov'Nee

21. "Illuminate"

Jessie Reyez and Elyanna

20. "Hit the Wall"

Gracie Abrams

19. "Speed Racer"

zzzahara

18. "No Me Voy"

Orquesta Akokán feat. Carolina Oliveros

17. "HELLSTAR"

Genesis Owusu feat. Duckwrth

16. "Gael Phonics"

Kneecap

15. "Dream Team"

Young Miko, De La Rose

14. "Prophecy At 1420 MHz"

Boards of Canada

13. "Mi Catedral"

Triángulo de Amor Bizarro

12. "Archangel"

Left to Die

11. "Lockup"

Overmono

10. "You Can"

Angélique Kidjo

09. "Cheetah Print"

Drake feat. Sexyy Red

08. "Little Haiti"

B0YG1RL & NOVAGANG

07. "SS26"

Charli XCX

06. "the cure"

Olivia Rodrigo

05. "SABOR A AÇAÍ"

Lenexx

04. "Game Time"

Future and Tyla

03. "GUT GENUG"

KITSCHKRIEG feat. BLUMENGARTEN & SHIRIN DAVID

02. "hate that i made you love me"

Ariana Grande

01. "Rock Music"

Charli XCX

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