Tesis (1996)

★★★½ [👍]

La película está más interesada en lo oculto que en lo visible y eso lo podemos apreciar en su escena introductoria. En manos de otro director y con más presupuesto seguramente, esta película habría sido estridente, sangrienta e inquietante. Bajo la dirección de Amenábar, Tesis es sutil, contenida, y aun así, perturbadora en cierto sentido.

La historia, que gira en torno a la violencia audiovisual, fue una idea original y gracias a su ejecución para la época noventera fue quizás revolucionaria; aunque algunas escenas tal vez hoy en día han envejecido. Lo cierto es que su premisa es interesante y su ejecución a pesar de sus límites presupuestales está bien hecha para su época.

Las películas "Snuff", se trata de una leyenda urbana bien extendida relacionada con el cine: vídeo grabado en secreto por psicópatas para venderlo en el mercado negro, prometiendo a espectadores la oportunidad de ver la muerte real en pantalla.

La película sugiere que la gente es en gran medida hipócrita respecto a su relación con la violencia en pantalla, condenándola frecuentemente mientras al mismo tiempo se siente fascinada por ella. Cuando Ángela ve la película por primera vez, a pesar de ser el tema de su tesis, la "ve" inicialmente con el contraste del televisor bajo, incapaz de ver la tortura y el asesinato de la víctima, escuchando horrorizada sus gritos de agonía. Solo la ve más tarde, literalmente entre los dedos por momentos, después de que Chema le haya descrito parte de su contenido, advirtiéndole que no se dé la vuelta y mire la pantalla, pero ella lo hace de todos modos. No puede evitarlo. Y sugiere la película, nosotros tampoco. Puede que nos horrorice la idea de la violencia, pero lo más probable es que no apartemos la mirada.

Ángela, interpretada de buena manera por ‘Ana Torrent’, emerge como un personaje complejo, cuya relación con el sujeto de su obra cambia constantemente a lo largo de la película, llegando incluso a cegarse ante la identidad del asesino debido a la atracción que siente por él.

El director se esfuerza por mantener el suspenso a lo largo de toda la película por lo que te mantiene entretenido en sus dos horas, al menos para mí. En general, es una película sorprendentemente bien realizada para lo que fue en esencia, fue un proyecto estudiantil universitario, realizada con un presupuesto modesto. Pero claro, también depende de que tanto lo considere el público de hoy, ¿Qué tanto ha envejecido? 

El estilo visual de la película es interesante, con ingeniosas técnicas de perspectiva y un uso de suspenso de la luz y las sombras, logrando crear una atmósfera algo tensa y psicológica a lo largo de toda la película; sin duda tiene buen ojo para lo visual.

Aunque la película nunca se adentra demasiado en un análisis social profundo. Pero el guion funciona bien a su manera. 

Más allá de la buena dirección de la película, las interpretaciones no me impactaron tanto que digamos a excepción de la protagonista. Chema, por supuesto, a pesar de ser francamente desagradable a veces, puede ser el más interesante. Con sus diálogos cómicos y un puñado de frases ingeniosas. Por otro lado, Bosco no me llamó mucho la atención. Le faltaba su lado más sádico, y su forma de seducir era demasiado simple, incluso cursi, pero lo compensa con su atractivo físico.

Finalmente, debo decir que es una película entretenida, que vale la pena ver, tiene muchos aspectos positivos y otros negativos, pero en general la recomiendo, en especial para aquellos jóvenes veinteañeros que quieren adentrarse en el mundo cinematográfico.

Director: Alejandro Amenábar

Mimic (1997) Director's Cut

★★★

Mimic narra la historia de una ciudad de Nueva York asolada por una epidemia que está matando a cientos de niños. Los CDC (Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades) rastrean la causa de la enfermedad hasta las cucarachas en las alcantarillas y se unen a un científico para erradicarlas mediante la introducción de un híbrido genético conocido como "La Raza Judas", cuyas secreciones acabarán con la población de cucarachas existente. Tres años después, la enfermedad prácticamente ha desaparecido, pero misteriosas personas con largos abrigos rondan la ciudad y la gente está desapareciendo. Peter (Jeremy Northam), un médico de los CDC, descubre una iglesia abandonada llena de suciedad y enfermedades, donde alguien o algo a colgado excremento en las paredes. Al mismo tiempo, su esposa Susan (Mira Sorvino) recibe un extraño insecto de unos niños del vecindario y descubre que comparte la composición genética de la Raza Judas, que fue criada para morir después de seis meses. Juntos se aventuran en el metro de la ciudad para descubrir la horrible verdad sobre en qué se ha convertido su creación y se ven envueltos en una lucha por la supervivencia.

Me gustan las películas de monstruos. Y esta se deleita con la belleza de sus sórdidos y oscuros escenarios subterráneos. La versión del director, por lo que estuve revisando en otras web, no incluye material adicional sobre los insectos. No aparecen los insectos que atacan a los neoyorquinos ni los que forman réplicas humanas perfectas de los que habla Del Toro en los extras. Los siete minutos adicionales de metraje se encuentran en la primera hora y se centran principalmente en el desarrollo de los personajes y en profundizar en la sub-trama del embarazo de la protagonista. Supongo que gracias a estas adiciones, la película tiene un ritmo más ágil y más entretenido, tomándose su tiempo para llegar a sus escenas más memorables. El final medio simplón y genérico de la película supongo que sigue presente, pensaba que quizás había un final alternativo. Fue interesante ver a un joven Josh Brolin y a Norman Reedus (El famoso ‘Daryl’ de The Walking Dead) completan el reparto secundario y están excelentes en sus respectivos papeles.

Del Toro crea con maestría secuencias de terror, construidas a partir de su característico diseño de producción, efectos especiales de criaturas, trabajo de cámara y buenas interpretaciones. Me sumergí de inmediato en su mundo, aunque la primera mitad de la película resulta un poco repetitiva. La segunda mitad de la película es más contenida y mucho más emocionante. Tuve algunas dudas sobre la lógica del clímax, pero, de nuevo, tras conocer mejor la visión original y los desafíos de la producción de esta película, estos pequeños fallos son comprensibles. Aunque algunas tomas CGI desentonan. Al igual que "Se7en" de David Fincher, "Mimic" tiene un aire muy noventero, no solo por su estética, sino también por su conexión con los thrillers de esa década, por lo que le da una aire de ser obras de época, ya depende del público actual como percibe que ha envejecido esta cinta, por mi parte lo he visto casi 30 años después, quizás lo habré visto de niño pero no me acuerdo del todo así que no me quiero arriesgar en afirmar que si lo vi de niño, pero envejeció bien en cierta manera ya que te mantiene entretenido a lo largo de toda la película. Lo que si me decepcionó, no es en si la película sino su historia de cómo fue la producción de la misma, ya que limitaron mucho la parte creativa del director. Más adelante comparto un link de YouTube sobre cuál hubiese la historia original creativa del directores sin las limitaciones de los ejecutivos y productores.

“Concebida originalmente como una épica película de hombres contra insectos gigantes con profundas connotaciones religiosas sobre la selección natural, la película sufrió un recorte de presupuesto a la mitad y terminó por no representar la visión original del director. Posteriormente, la película enfrentó más dificultades en la sala de edición, ya que los hermanos Weinstein le pedían constantemente a Del Toro que recortara segmentos. En ese momento, Del Toro apenas estaba dirigiendo su segundo trabajo, por lo que tenía poca influencia para enfrentarse a un poderoso grupo de productores como los Weinstein. Aparentemente, estaban especialmente nerviosos por una escena en la que unos niños son brutalmente asesinados, lo que debió haber impactado al público en los años 90.”

La fuente de esto lo leí en Wikipedia en Ingles del artículo de esta película, para que tengan presentes estos detalles que son muy importantes, porque “Mimic” tenía un mejor potencial pero que fue desperdiciado y no tanto por la culpa del director.

Mimic sigue siendo una sólida película con mucho que ofrecer. Es divertida, da miedo y es maravillosamente gótica y repulsiva. Sin embargo, por decisiones ajenas mataron un mejor potencial de la misma. Tiene una historia muy interesante como para hacerle un buen remake.

EL HORROR DE MIMIC, por ‘Davitxenko’ [https://www.youtube.com/@davitxenko]

Director: Guillermo del Toro

The Silence of the Lambs (1991)

El silencio de los inocentes ★★★★ ✂ (ESENCIAL)

Director: Jonathan Demme

La trama es relativamente sencilla. Un maníaco homicida, apodado "Búfalo Bill", ha matado a cinco mujeres mutilándolas y desollándolas, recogiendo su piel como trofeo.

El FBI no está llegando a ninguna parte rápidamente investigando este caso, así que decide consultar a la única autoridad que podría ser capaz de descifrar el patrón del asesino y ayudar en su captura. Esa autoridad es un paciente psiquiátrico y asesino de renombre mundial Dr. Hannibal Lecter. El problema es que Lecter está encerrado firmemente en una seguridad máxima para los criminalmente insanos. El mismo es un astuto asesino en serie que se ganó el apodo de "Aníbal el Caníbal" debido a su inclinación por devorar varias partes de su cuerpos de las víctimas. Así que el agente del FBI a cargo del caso (Scott Glenn) selecciona una brillante joven recluta para ir a entrevistar a Hannibal, en la teoría de que esta joven agente puede apelar al depredador y que lo ayude a localizar a Búfalo Bill. Esto configura una dinámica que impulsa significativamente la película. La joven agente, Clarice Starling, es interpretado de forma eficaz e inteligente por Jodie Foster; mientras que Lecter es brillantemente interpretado por Anthony Hopkins. En el curso de la investigación, su relación se hace más y más compleja, aunque también peligrosamente torcido. Es quizás la calidad más perturbadora de la película que Hannibal, con toda su fervorosa brillantez y su ingenio escénico, es un personaje extrañamente atractivo. Al parecer, quisieron convertirlo en una especie de héroe alternativo.

La relación de los protagonistas es una extraña interacción de padre-hija y/o maestro-aprendiz. El miedo es más psicológico que visual. Pero no importa cuán explícitos se vuelvan la violencia y el gore de la película, nunca toma el camino fácil de la explotación: incluso la escena impactante en la que un cadáver de un hombre aparece repentinamente suspendido en el aire es inquietantemente poética y no simplemente brutal.

Los fanáticos de esta película han intervenido con el comentario de que ilumina el lado oscuro del hombre. No para mí. ''El silencio de los inocentes'' romantiza el lado oscuro. Los asesinos en serie no son psiquiatras glamorosos como el Dr. Lecter, que debe ser temido, su jefe le dice a Foster, porque puede devorar tu mente con solo hablar contigo. 

Aunque sinceramente no puedo recomendar con conciencia, porque los propósitos a los que atribuye su considerable ingenio son, en última instancia, bastante viles. Jonathan Demme propone que el asesino en serie psicótico es la figura religiosa esencial de nuestro tiempo: santo, gurú, vidente y adivino, todo en uno. De hecho, esta caracterización se aplica literalmente a solo uno de los dos asesinos en serie que se encuentran aquí, que es el mismo Hannibal que canibaliza a sus víctimas, y por lo que he investigado, no habido otros asesinos en serie igual en la vida real como Lecter

La premisa radical de que nuestra sociedad adora implícitamente, así como los temores de los asesinos en serie, subyace en el incómodo impacto de este thriller sangriento sin que se convierta en su tesis dominante, y aunque Demme ha dicho que esta historia tiene "algunos golpes realmente buenos en el patriarcado", esto es principalmente un deseo pensando. La película, al igual que su psicópata, se empeña más en explotar sus ideas que en enseñarnos algo. Como todas las otras películas de Slasher convirtiéndose en una figura aún más dominante. La película, al igual que su psicópata, se empeña más en explotar sus ideas que en enseñarnos algo. Como todas las otras películas de Slasher Psicológicamente, este "funciona" en la medida en que juega con el deseo de ver víctimas, preferiblemente mujeres. Ni siquiera las mejores actuaciones y la mejor dirección, y esta película tiene talento de sobra. Para golpes escalofriantes y enfermizos, prefiero ver las noticias de la noche o lo que ronda en internet.

-- Visto en Enero del 2019 —

The Apostle (1997)

El apóstol ★★★★★ (GRAN PELÍCULA)

Director: Robert Duvall

El ambiente religioso clamando al Señor a Jesús y los canticos son realmente contagiantes, nunca me había entusiasmado tanto por ver una película así. Aunque es cierto que es muy sugestivo en cuanto al poder de la fe y el cristianismo, pero lo historia y la actuación del protagonista/director es impresionante. Al final termine con lagrima en los ojos, y no porque sea triste, sino por haber visto algo sumamente excepcional.

Robert Duvall mereció haber ganado el premio de la academia por su gran actuación, además de que es el centro para este drama tan absorbente, que también escribió y dirigió. 

Esta es la historia del Reverendo EF - "Sonny", un ministro religioso cuyos problemas matrimoniales lo llevan a un crimen violento y a una fuga de la ley. La historia de Duvall es simple pero que puede tomarse su tiempo y acostumbrar a la audiencia al ambiente en sí. El entusiasmo de las congregaciones en las iglesias representadas es notablemente genuino, e incluso los escépticos endurecidos encontrarán difícil resistirse al poder inspirador de esos servicios de adoración a ¡Nuestro Señor!

El elenco de apoyo de Duvall incluye a una sorprendentemente atractiva ‘Farrah Fawcett’ como su desilusionada esposa, Billy Bob Thornton como un hombre obstinado y Miranda Richardson en otra de sus asombrosas transformaciones. Menciono estos nombres porque reconocí a la mayoría de los actores.

En esta sencilla historia del progreso de un peregrino, la dirección paciente y observadora el cual trata de evitar el sentimentalismo, no aparta la vista cuando las cosas se ponen complicadas y deja muchos cabos sueltos, lo que confiere a la película la autenticidad de una intimidad autobiografía franca. 

A Duvall no le interesa atacar la fe en sí misma... solo explorar el pecado de la hipocresía. Ilustra la humanidad falible de los evangelistas, la necesidad de humildad en un líder y la necesidad de redención. Las audiencias acostumbradas a las crueles caricaturas de los cristianos serán desafiadas por esta presentación matizada de creyentes que, por todas sus formas de expresiones teatrales y emocionales, también son personas nobles, trabajadoras y admirables.

En esto, encontramos un ejemplo más verdadero del evangelio en acción que lo que lo haríamos en una historia predicada y bidimensional. Este evangelio se siente aplicable a las propias vidas. Este reverendo, que puede parecer extraño y amenazador cuando está en el escenario gritando a los congregantes, se revela que es completamente humano a medida que descubrimos sus debilidades, su corazón y su comprensión incompleta de un Dios incomprensible.

A diferencia de tanta narración ilusoria en los medios cristianos, el Apóstol  no trata de cómo su devoción a Jesús lo lleva al final de la lucha con el pecado. Sigue siendo una trama realista de un personaje pecador que, después de una batalla con su conciencia, emerge más sabio, su fe se renueva. 

Durante la mayor parte de su tiempo de ejecución, eso es exactamente lo que pensé sobre la película: lento, pero seguro. Duvall se toma su tiempo para contar esta historia tan simple y explorar las contradicciones de un personaje fascinante. Pero la paciencia del espectador es recompensada abundantemente con el acto final de la película, una oratoria extendida sorprende por su energía desenfrenada y electrizante y su emoción cruda muy contagiante. Esta demostración irresistible de los talentos de la actuación del escritor y director podría verse como una voraz demostración, pero cada movimiento, cada inflexión de la voz se siente tan profundamente que su poder innegable resuena mucho después de que termina la película.

-- Visto el Jueves 22 Noviembre del 2018 —

Casino (1995)

★★★★★ (GRAN PELÍCULA)

Director: Martin Scorsese

Sinceramente esta película me agarro de sorpresa, cuando me fije en la duración que es de casi tres horas me dio un poco de flojera, pero al terminar de verla me dije ¡Vaya! Esta quizás sea la mejor película de Scorsese. Aunque todavía me falta ver otro de sus clásicos como "Raging Bull".

“Casino” es una película del legendario director Martin Scorsese. Él tiene un interés perdurable en las vidas y el funcionamiento de las figuras del inframundo, infladas a proporciones épicas, y Casino no es una excepción. El ascenso y la caída del casino Sam's Tangeirs se cuentan en diferentes voces y viñetas narrativas, de modo que la película de casi tres horas de duración nunca se vuelve aburrida. La tensión entre Nicky y Sam, los narradores, crece a medida que sus formas de dirigir los negocios se vuelven cada vez más diferentes.

En todos los sentidos, desde los fantásticos escenarios, el rico diálogo, la violencia, los personajes y temas bien representados de la lealtad y la traición, Casino es puro Scorsese. Aunque no es el trabajo principal del director, esto es, sin embargo, convincente para hacer películas. Scorsese nunca ha puesto golpes en dar vida a sus ideas, y él no comienza aquí. Si hay una debilidad obvia en Casino, es que a veces parece derivado de Goodfellas pero a quien mierda le importa eso. Para mi Casino supero a Goodfellas:).

Durante sus tres horas de duración, Casino cuenta la historia de dos vidas mezcladas. "Hace años en casa" (como dice un subtítulo en pantalla), eran amigos y compañeros de trabajo. Sam "Ace" Rothstein (Robert De Niro) fue un jugador que nunca perdió. Investigó todas sus apuestas con cuidado, y rara vez hizo una mala elección. Sus tendencias ganadoras le ganaron popularidad y favor con la mafia local, que usó a Nicky Santoro (Joe Pesci) para protegerlo. Ahora que Ace se ha mudado a Las Vegas para administrar el Casino de Tánger, Nicky no se queda atrás. Y, mientras los dos gravitan hacia lados opuestos de la ley, Ace mantiene sus dedos limpios y Nicky se apodera de la escena del crimen local, sus caminos continúan cruzándose y sus encuentros se vuelven cada vez menos amigables. Revuelto en la mezcla es la novia de Ace, Ginger (Sharon Stone), una experta estafadora que atrae a los hombres como moscas. Aunque acepta casarse con Ace, continúa un enlace con su antiguo chulo (James Woods) mientras alienta los afectos de Nicky.

Como de costumbre, Scorsese obtiene excelentes actuaciones de su elenco. Joe Pesci, esencialmente repitiendo su actuación en Goodfellas, probablemente recibirá toda la atención, ya que este tipo de extravagancia atrae. En realidad, sin embargo, es la actuación más sutil y mejor contenida de ‘De Niro’ lo que es fascinante. Se supone que el casino se enfoca tanto en Ace como en Nicky, pero, a pesar del tiempo de pantalla casi igual para cada uno, nuestra simpatía se dirige hacia el primero. Para esto, la representación de ‘De Niro’ comparte la misma responsabilidad con el guion.

Scorsese ha demostrado la capacidad de tomar a una actriz mediocre y obtener un impresionante desempeño de ella. Y con Casino, es Sharon Stone, cuyo currículum (Bajos instintos) es suficiente para hacer que cualquier espectador serio se estremezca. Sorprendentemente, sin embargo, está bien, no es material de Oscar, pero es lo suficientemente fuerte como para no arrastrar la película. Stone no sobresale como un pulgar adolorido, y según el historial de Scorsese, se le debe otorgar una gran parte del crédito por esto.

Los actores de apoyo incluyen un James Woods comediante, el comediante Don Rickles en un papel serio, Alan King (que también juega directamente) y Kevin Pollak. La madre de Scorsese tiene una aparición breve (y muy divertida) como el padre sin sentido de un pandillero torpe y pequeño. Y las caras asociadas con Las Vegas, como Steve Allen, Frankie Avalon, Jayne Meadows y Jerry Vale, tienen apariciones.

'Casino' se filmó en Las Vegas, y esto se nota en la salpicadura y la energía de casi todas las escenas. Al usar disfraces llamativos y una banda sonora de los 70, Scorsese nos hace retroceder unas dos décadas. Comenzando con los vívidos créditos de apertura, Casino brilla como el diamante falso de una ciudad anfitriona. La cinematografía, que utiliza sorprendentemente pocos trucos, aparte de la congelación de imágenes para enfatizar momentos clave, es nítida y limpia.

Por ahora, las audiencias han llegado a esperar películas contundentes de Martin Scorsese. Con Casino, no defrauda. La película es larga, pero, con una trama de rápido movimiento, una tensión creciente y un humor sorprendentemente robusto, las tres horas se mueven rápidamente. 

Por toda su violencia y tragedia, esta es una película hermosa, a menudo exuberante. Tiene una banda sonora implacable de jazz y rock clásico, y momentos de humor y buena voluntad. Los adolescentes mayores y los padres pueden disfrutar de esta película; Los espectadores más jóvenes y más sensibles lo encontrarán demasiado molesto. 

-- Visto el domingo 18 Noviembre del 2018 —

Goodfellas (1990)

★★★★★ (ESENCIAL)

Director: Martin Scorsese

La obra maestra de Martin Scorsese "Goodfellas", una de las películas más influyentes de su tipo. No solo es mencionada constantemente como la mejor película de su género, sino también como una de las mejores películas de la historia. Casi 30 años después, todavía se discute y analiza ampliamente, pero ¿qué es lo que hace "Goodfellas" que lo ha convertido en una película tan duradera? ¿Por qué sigue siendo elogiado por el público, los críticos y los cineastas de todo el mundo hasta el día de hoy? Para encontrar estas respuestas, comencemos desde el principio, con su innovadora narración.

Cuando comienza la película, nos encontramos con nuestros tres personajes principales: Henry Hill (Ray Liotta), Jimmy Conway (Robert De Niro) y Tommy DeVito (Joe Pesci). Simplemente están conduciendo por una carretera a altas horas de la noche, cuando de repente se produce un sonido de golpe que no pueden identificar. Se detienen, abren el maletero para encontrar, para nuestra sorpresa, a un hombre cubierto de manteles y sangre. Tommy con un cuchillo de carnicero le apuñala algunos agujeros más, mientras que Jimmy se asegura de que se haga el trabajo agregando algunas balas. Por lo tanto, con solo los primeros minutos, Scorsese nos introduce en este estilo de vida violento que estos hombres aceptan tan despreocupadamente como sus vidas diarias. 

Después de este prólogo que nos abre los ojos, volvemos al comienzo real de la historia, donde aprendemos cómo el joven Henry se involucró con esas personas en primer lugar. Consigue un trabajo en una parada de taxis al otro lado de la calle, sabiendo muy bien qué tipo de personas son, pero a medida que se proclama infame en la escena de apertura, siempre quiso ser un gánster. Observamos cómo se involucra cada vez más con lo que hacen, pasando de robar y vender cigarrillos a robar grandes cargamentos. Este es exactamente el tipo de vida que siempre soñó, perteneciendo al tipo de familia que viene con una multitud de privilegios, como nunca tener que esperar en la cola y poder hacer casi todo lo que quiera. Incluso eventualmente se encuentra con una esposa, Karen, que se enamora de él, y curiosamente se vuelve aún más perplejo después de que ella descubre la clase de hombre peligroso que es. Todo parece perfecto: mucho dinero, una esposa amorosa, un estilo de vida envidiable, pero como dice la ley básica de la física (y las películas de gánster), "lo que sube, debe bajar".

Lo que hace que la estructura del guion de Scorsese y Nicholas Pileggi (basado en el libro de este último, "Wiseguy") sea tan fascinante es que comienzan mostrándole directamente lo mal que están estas personas. Ni siquiera sabemos el contexto de por qué están haciendo lo que están haciendo, pero podemos ver que no se alejan de los medios violentos como una forma de hacerlo. Sin embargo, cuando volvemos al principio correctamente y vemos el ascenso de Henry, cambian a una especie de glorificación de la vida, donde estos ladrones no parecen personas particularmente malas. Claro, de vez en cuando hacen mal en las personas, pero desde el enfoque que adoptan Scorsese y Pileggi, casi sentimos que queremos ser amigos de estos chicos mientras observamos sus actividades cotidianas. Esto es lo que hace que ponerse al día con la escena inicial sea un poco chocante.

Esto no es para mencionar que la historia es simplemente un viaje emocionante en primer lugar. Es cierto que empezamos a cuidar a estos muchachos mientras los observamos llevar a cabo sus diversos crímenes, pero incluso cuando las cosas se ponen más calientes y más violentas, como Karen, la audiencia nos atrae para ver dónde irá desde aquí. Henry no puede dejarlo lo suficientemente bien solo, lo que le permite jugar un juego cada vez más peligroso que involucra el desordenado negocio del narcotráfico, lo que lleva al intrigante acto final de la película. Mientras que la mayor parte de la película incluye saltos durante períodos de tiempo, lo que nos permite ver los eventos importantes que se produjeron a lo largo de los años, la última parte de la película trata sobre todo de lo que ocurrió un día en particular, y nos brinda todos los pequeños detalles de este día donde Henry se alejó de ese tipo de vida. Por supuesto, es un día importante, pero lo que hace que el enfoque en él sea tan particularmente efectivo es que nos da tiempo para captar cada paranoia que Henry siente al luchar por hacer unas 20 cosas a la vez, la mitad de negocios, la mitad involucrando a la familia y la cena. No se sorprenda si tiene que recuperar el aliento un poco cuando finalmente llegue al final de ese día tan acelerado y alimentado con medicamentos y drogas.

Seguir con la narración única de la película es la calidad completamente envolvente de su representación de la vida del mafioso. Por supuesto, las películas mafiosas clásicas nos habían mostrado fragmentos de lo que era, pero principalmente de una manera exagerada. "Goodfellas" lo dice como sucedió, de una manera realista y creíble, tal como Hill lo describió a Pileggi cuando estaba haciendo una investigación para el libro. De hecho, si recuerdo correctamente, se dice que Hill dice que la película tiene una precisión del 95-99%, lo que significa que los autores podrían haber tenido que agregar una o dos cosas, pero aun así es cierto en cuanto a los actos criminales que Henry, Jimmy, Tommy, y sus asociados se comprometieron. No es casualidad que la audiencia se vea arrastrada por el esplendor del estilo de vida que se presenta aquí, ya que esa fue la intención exacta. No es fácil lograr este efecto, pero un maestro como Scorsese hace que parezca casi todo sencillo.

Ayudar a dar vida a esta historia es un conjunto absolutamente fenomenal que parece estar tan en casa en este entorno que se te perdonará por pensar que eran el verdadero negocio. El elenco incluye a Ray Liotta (posiblemente en el gran papel de su filmografía), los ganadores del Oscar Robert De Niro y Joe Pesci, la nominada al Oscar Lorraine Bracco y el gran Paul Sorvino, entre un gran grupo de actores secundarios más pequeños. Es difícil imaginar a alguien más que a Liotta en el papel de Hill, y es bastante fascinante pensar que en realidad tuvo que convencer al productor Irwin Winkler de que él era el hombre para el trabajo. Sin embargo, nadie tuvo que estar convencido de que De Niro y Pesci encajarían bien. De Niro había ganado su primer Oscar por interpretar a un Michael Corleone más joven en "El Padrino: Parte II,

Pesci también mostró su lado duro en este último, lo que le valió su primera nominación al Oscar, y finalmente ganó uno por su inolvidable actuación en esta misma película (vergonzosamente, el único Oscar que la Academia otorgaría a la película). Es posible que Bracco no haya sido tan conocida en ese momento, pero su poderosa actuación aquí como esposa de voluntad fuerte le valió una nominación al Oscar, además de obtener su mayor reconocimiento (¿es de extrañar que obtuvo un gran papel en “The Sopranos "varios años después?). Todos ellos aportan algo increíblemente único a la película, y simplemente no sería tan impactante sin ellos.

Hay muchas más cosas maravillosas de las que se podría hablar con "Goodfellas:" La dirección magistral de cada escena de Scorsese, el destacado Michael Ballhaus La cinematografía, y el elemento habitual de Scorsese de tener una banda sonora inolvidable (todavía no puedo pensar en esta película sin que "Layla" de Derek y los Dominós comience a correr por mi cabeza), pero todo lo que ya se ha discutido debería ser suficiente para explicar La longevidad de la película, con estos logros aún más increíbles para mantener tus ojos y oídos abiertos. Con todos estos sorprendentes atributos combinados, no es difícil ver por qué la película aún se discute y estudia hasta el día de hoy. Se erige como el pináculo de su género, una película que muchas personas admiran con la esperanza de poder hacer hasta la mitad de lo que Scorsese pudo lograr con su elenco y equipo. 

Incluso después de casi 30 años, "Goodfellas" de Martin Scorsese sigue siendo la cúspide del cine mafioso. Ninguna película antes o desde entonces ha sido capaz de capturar el estilo de vida de una manera tan profunda como para absorber completamente al espectador en su mundo de esplendor y violencia. Con una dirección de primer nivel del incomparable Scorsese y un conjunto que solo se suma al efecto absorbente de la película, no hay nada como esto, lo que resulta en una película que ha sido profundamente influyente en toda una generación de cineastas. Sin embargo, a todos los que vean la película, aprécienle como una pieza artística, no confundir que se esté glorificando al crimen a poner de relieve una actitud matonesca. Muchos de estos tipos confunden respeto con intimidación.

Un comentario con una parcialidad de moralidad. Era necesario hacerlo.

Claro, es un apuro, pero ¿es eso suficiente? "Goodfellas" a menudo se anuncia como la obra maestra de Martin Scorsese, y no se puede ignorar la intensidad del acelerador y el estilo visual de bravura que apuntala la historia de la vida real del pequeño gánster Henry Hill (Ray Liotta) a medida que sube y baja en las filas de la mafia de nueva york. Es una película de momentos perfectos: la voz en off de Henry 'Mientras pueda recordar' al principio; un impresionante recorrido de disparo a través de las habitaciones traseras de un club nocturno; Joe Pesci es inolvidable '¿Cómo diablos soy gracioso?'.

Pero es difícil sacudirse la sensación de que, como sus personajes, 'Goodfellas' carece de corazón. Esta es una historia de horribles criaturas y de las mujeres que los aman, por lo que nunca fue un festival de sentirse bien. Pero la frialdad sinuosa del trabajo de cámara, la crueldad de la violencia y la profundidad de la degradación hacen que sea fácil de admirar, pero difícil de amar realmente. En "Mean Streets" e incluso en "Taxi Driver", Scorsese convirtió a sus héroes perdedores en una persona de confianza. En 'Goodfellas', son solo un grupo de ratas sucias bien vestidas.

*Posdata: ¡Me fascino la película! Pero todas las organizaciones criminales, mafia o narcotráfico, deben erradicarse de este planeta.

-- Visto en Noviembre del 2018 —

Welcome to the Dollhouse (1995)

★★★★ (ESENCIAL)

Director: Todd Solondz

Escrito y dirigido por el favorito director del independiente de los 90s, Todd Solondz, la película explora la parte más oscura de la adolescencia a través de los ojos de la torturada ‘Dawn Weiner’. Dawn se ocupa de los problemas comunes de las películas de mayoría de edad: hacer frente a los matones, enamorarse de los niños mayores, tratar con los hermanos que parecen más inteligentes y más guapos, y manejar los sentimientos de malestar general y aburrimiento general. Pero en las manos de Solondz, la adolescencia de Dawn es un verdadero espectáculo de horror, es brutalmente acosada en la escuela y no amada en casa. Pero esta no es una historia para sentirse bien. Por el contrario, Dawn alberga fantasías de matar a su hermanita y se enfrenta a un matón con problemas que ama a ella en secreto, pero que en repetidas ocasiones amenaza con violarla. Tal vez el aspecto más preocupante de la película es cómo los adultos en su vida le fallan.

Los espectadores se encontrarán alentando a Dawn cuando mutile las muñecas y destruya la propiedad familiar; Esto se representa cómicamente en la película, pero es algo oscuro. Los adultos podrán apreciar la universalidad del mensaje de la película: la adolescencia es un momento difícil que muchos experimentan como alienante y desconcertante. Las pruebas y tribulaciones de Dawn probablemente también sonarán muy fieles para muchos niños. La película es esencialmente un comentario sobre retratos demasiado rosados de la adolescencia en una película. Este hecho es probable que escape a los espectadores jóvenes. Por lo tanto, esta es una gran película para adultos, pero es demasiado siniestra y sombría para los niños.

Solondz no tira golpes y señala la inutilidad absoluta de la adolescencia para alguien como ella, que puede ayudar a ser un nerd y que no recibe apoyo emocional de su casa. Dawn Weiner, de hecho, se parece mucho al director. Así que solo podemos suponer que algunas de estas experiencias  horribles son algo que podría haberle sucedido en la pubertad. Este tema solitario se incluye tanto en la historia que no se puede hacer más obvio. No hay mensajes sutiles. No hay, también, venganza de los nerds, o cualquier investigación analítica sobre lo que puede hacer sobre su baja autoestima (y estoy muy agradecido por eso). Esto es simplemente una película que analiza por qué las escuelas, en su mayor parte, no comunican ninguna preocupación por la "cultura" de los niños a los que enseñan, y por qué no pueden responder con civismo e inteligencia a los estudiantes que necesitan la mayor ayuda que necesitan. 

-Lo que resume la situación de la protagonista y su principal preocupación es la mejor forma de discernir en esta conversación con su compañera de clase, cuando pregunta "¿Por qué me odias?" Y, la respuesta es tan directa: "Porque eres muy fea".

La vida hogareña de Dawn está llena de amargura. Los padres son de ‘cartón’, una pareja moderna e imperceptible. Se autoproclaman un ‘exitoso’ hogar que se dedican a cuidar especialmente a la linda y pequeña hermana de Dawn, dejando de lado a nuestra protagonista prácticamente. Respetan, pero no aman a su hija de la escuela secundaria, que también es un nerd pero puede funcionar muy bien en la escuela e incluso ha ido tan lejos como para reprimir su impulso sexual, de modo que solo puede preocuparse por obtener buenas calificaciones en la escuela y por lo tanto entrar en una universidad superior. El hermano actúa más como si fuera un adulto que un adolescente; incluso la banda de rock con la que comienza no es rebelde, pero lo hace porque se verá bien en su currículum para la universidad.

Para Dawn, sus padres simplemente no tienen comprensión ni amor para ofrecer; se reduce a tratar de volver a ser una niña al retirarse a una casa club en su patio trasero, o tratar de pasar el rato con un estudiante de secundaria mayor que a veces toca en la banda de su hermano. En cualquier caso, todo lo que hace parece patético y, aunque es muy inteligente, no le va bien en la escuela.

Dado que la película se hunde o nada dependiendo de lo creíble que es Heather para representar este rol de infeliz joven, es seguro decir que se ajustó perfectamente al papel. La película fue intensa cuando se enfocó en las tribulaciones de Dawn, pero perdió algo cuando puso en juego acciones innecesarias, como el secuestro de niños y el problema de las drogas que se venden en la escuela. No había lugar para desarrollar el personaje de Dawn al agregar estos grandes problemas criminales y sociales a la historia de la protagonista.

Uno pensaría que si Dawn es una víctima de la persecución y el bulling, se aseguraría de que sea amable con los demás. Pero ese no es el caso, ella muestra una similar con otro compañero; por ejemplo, lastimar al joven vulnerable con el que se queda en la casa del club cuando innecesariamente lo llama "marica". Dawn actúa de forma abusiva al igual que muchos niños criados por padres abusivos, criando a sus hijos en un patrón interminable de padres pobres.

Solondz conoce bien su tema, es capaz de entender y transmitir lo que es ser educado en el odio a sí mismo. Es una película inusual y se centra en un  tema que muy pocos cineastas han elegido hacer.

Fue desafortunado que nuestra protagonista nunca ‘evoluciono’ como personaje, por lo que la crueldad que observamos al principio de la película también fue la forma en que se observó cuando terminó la película.

-- Revisado el domingo 4 de Noviembre del 2018 —