Temporada de patos (2004)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Filmado en blanco y negro, algunos paisajes urbanos y un apartamento íntimo donde la etapa indefinida entre la infancia y la madurez está atrapada. Es como una máquina del tiempo, y más la canción de Lafourcade ‘Un pato’, para disfrutar o contemplar el minimalismo de esta película.

El blanco y negro evoca el aburrimiento, captura la apatía de una generación del nuevo milenio casi atemporal, con un ingenio y siendo sutil. Dos chicos de catorce años en un apartamento de clase media en la Ciudad de México están solos en casa, matan el tiempo comiendo comida chatarra y jugando videojuegos. Un repartidor de pizzas que se queda a discutir sobre el pago con los chicos en el apartamento y una chica de dieciséis años que es la vecina de al lado que se queda en el apartamento a hornear porque su horno no funciona, además de que se siente sola.

Puede ser una película aburrida, pero también es contemplativa. El director Fernando Eimbcke aprovecha al máximo el espacio cerrado y el entusiasmo de sus actores relativamente jóvenes para hilar una serie de escenas curiosas que en conjunto dan forma a una historia ingeniosa y minimalista. También logra introducir referencias a problemas sociales como: la desintegración familiar, la confusión sexual, la precariedad de los servicios públicos y el estancamiento del mercado laboral. El barrio destartalado y los apartamentos casi como un confinamiento se convierten en un telón de fondo lleno de matices para una historia de transición de la niñez a la adolescencia.

Los dos chicos se muestran frescos y naturales en sus papeles de jóvenes solos en casa, reflejando más la realidad que las típicas formas de representar a los adolescentes. El papel del repartidor de pizzas, protagoniza los momentos cómicos y cargados de emotividad por el trasfondo de su vida. Y la vecina le añade ese despertar en la atracción sexual de uno de los chicos, el cual pudo haber sido la primera experiencia de muchos chicos a esa edad.

En cuanto al guion, su estructura destaca por su ritmo de quietud y dramatismo con profundidad emocional sutil, generando una dinámica entre los cuatro personajes que se intensifica en torno a su constante necesidad de buscar, jugar y llenar su tiempo libre. La escena donde los chicos disparan sus escopetas de juguetes rompiendo vidrios y porcelanas, representa el cuestionamiento que hacen a las figuras de autoridad en sus vidas (padres y jefes, en el caso del repartidor de pizza). Ofreciendo una mirada sosegada pero radical de la vida cotidiana de la clase media mexicana o latinoamericana, no optando por el camino de las narrativas de aspiración o lucha de clases.

Temporada de patos ofrece un retrato atemporal de la amistad, la soledad y las pequeñas rupturas que nos moldean. Con un presupuesto limitado o hasta precario que no impidió el ingenio y la creatividad del director. Cuatro personajes, una sola locación, una paleta monocromática y un guion astuto. Para muchos puede ser un clásico del cine independiente latinoamericano, para otros como una obra de culto, demostrando que lo que se necesita en el cine es la audacia de explorar el contraste contradictorio en la contemplación de la vida cotidiana a través de la inmadurez necesaria y la rabia adolescente.

Posdata: Incluye una versión en español de una canción bossa nova “O Pato” de João Gilberto, interpretada de manera genial por Natalia Lafourcade.

Director: Fernando Eimbcke

Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023)

A través del Spider-Verso ★★★★½ ✂ [👍]

Hay mucho que analizar en esta película, y si bien el guion hace un buen trabajo al presentarlo todo, es el trío de directores quienes realmente merecen elogios por guiar este viaje de superhéroes, ya que nunca se siente tan larga y tiene un ritmo relativamente bueno. Siempre hay algo que ver, algún personaje excéntrico, otro que aprende algo o algún tipo de gran revelación. Por lo tanto, la película logra mantenernos (a los que les gusto) interesados en ella y hace un gran trabajo al mantener esta secuela de Spider-Man atractiva y entretenida de principio a fin.

Por sus temas y conceptos morales, logra integrar de buena manera estos mensajes en la narrativa principal sin que resulten forzados. En realidad, los temas de la película son el corazón de su narrativa, mostrando la relación causa-efecto de las situaciones y cómo algunas cosas están predestinadas o predeterminadas y no pueden alterarse. Sin embargo, también es cierto que algunas cosas pueden cambiar, como se ve en el viaje de Miles, y la aceptación de las diferencias puede ser la clave para la salvación. Es una secuela que cumple con su premisa: una épica multi-versal (en su primera mitad) que se mantiene fiel a los personajes y la mitología de la película anterior, a la vez que desarrolla una aventura épica.

Su estilo visual se expande al mostrar nuevos escenarios y lugares, especialmente la ciudad inspirada en la India para Nueva York, llamada "Mumbahattan", y el vasto paisaje donde la Sociedad Arácnida llama hogar del universo de Miguel O'Hara. El diseño de producción, la dirección de arte, el diseño de los personajes y su vestuario, y la animación ayuda a elevar la valla para las películas animadas venideras. Además, la dirección de la película también da lugar a algunas tomas cinematográficas increíbles e impresionantes que continúan construyendo sobre una gran dinámica de diferentes estilos de animación. La banda sonora es genial a lo largo de toda la película y sin duda aporta la estética de superhéroes modernos, haciendo su acción trepidante y con momentos más tranquilos o contemplativos.

El principal antagonista de la película, la Mancha, un antiguo científico convertido en super-villano tras un accidente (causado por Miles), cuyo cuerpo ahora está cubierto de portales inter-dimensionales. Empieza como una amenaza criminal de bajo nivel, pero después se convierte en una amenaza mucho mayor para todos los personajes y en el villano principal de este conflicto multi-versal. Además de que la Mancha es visualmente impresionante donde no tengo dudas de la influencia del anime, porque sus poderes con esa aura de poder y resplandor es muy característico del 'shonen'.

Otra influencia muy marcada es el gran impacto que ha tenido ‘Deadpool’ principalmente con sus dos primeras película, por opinión personal más la segunda, que en cierta manera revolucionó el cine de superhéroes al demostrar que el público masivo conectaba profundamente con el humor ácido, la ironía y la irreverencia. Si bien personajes como el Spider-Man de Miles Morales no replican el contenido adulto de Deadpool, sí heredaron y adaptaron su agilidad mental, el uso de la comedia meta e irónica, y la deconstrucción del género.

Antes de Deadpool, las películas de superhéroes tendían a tomarse muy en serio o a usar un humor más blanco y tradicional. Deadpool popularizó la ruptura de la cuarta pared y el chiste "meta" (reírse de los propios clichés del cine de cómics). El impacto en la saga animada comenzando con “Spider-Man: Into the Spider-Verse” (2018), el uso de la voz en off, los chistes sobre el origen del personaje, y la constante burla a las dinámicas de los superhéroes clásicos son una evolución directa de esa autoconsciencia que Deadpool demostró que era comercialmente viable. Esto abrió la puerta para que personajes como Miles Morales pudieran mostrarse vulnerables, cometer errores graves, admitir que no quieren ser héroes en ciertos momentos y lidiar con el fracaso de una manera mucho más humana y terrenal. Y esa personalidad irreverente también se ve en la Mancha, que ascendió a nivel Deadpool porque tiene una personalidad divertida cómica a su manera, y hasta lo mismo se podría decir del ‘Spider-Man Punk’.

La parte dramática no me convence del todo, yo sé que está abarcando una temática universal y familiar, pero Miles Morales a pesar de que tiene 15 años, su personalidad es de alguien de 30 para la sociedad de hoy, eso no se puede negar, donde quizás se hubiese jugado con eso también. Me he dado cuenta (según mi percepción seguramente errada) que de manera meticulosa la temática del “maternalismo” empieza a ser repetitivo y algo simplón en sus escenas, los de Sony saben que puede causar aburrimiento incluso rechazo porque es un tópico monótono y cliché, pero lo saben sobrellevar con la comedia y la revelación de algún secreto. El giro de guion en el tramo final fue genial, y deja muy claro una tercera entrega.

Sin duda fue una de las mejores películas de ese año, y si quieres disfrutarla aún mas aunque igual lo vas a disfrutar, tienes que ver la anterior película, para que algún detalle no se te pierda en el camino, especialmente en el suspenso del final.

Directores: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson