Sentimental (2020)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Cuatro personajes, un único escenario y las interacciones entre ellos. Sus diálogos divertidos de escuchar y oportunos, harán que ver la película sea disfrutable, aunque en mi caso cuando ya le agarras el ritmo y su estilo puede tornarse algo monótono pero eso no opaca lo divertido y curioso que son cada uno de los protagonistas.

Toda la acción transcurre en el apartamento de Julio y Ana. Te puede cautivar su ritmo ágil y sus diálogos que harán reír seguramente a cuarentones o cincuentones casados que se sentirán identificados XD.

El personaje de Julio, con toda la rabia reprimida, usa frases sarcásticas para desahogar su frustración, es quien protagoniza los momentos hilarantes al hablar con sus vecinos. No quería cenar con ellos; solo quería terminar de corregir los exámenes de algunos alumnos y luego subir a la azotea a observar las estrellas con el telescopio mientras fumaba un cigarrillo.

En eso se resume la vida de Julio: dar clases, volver a casa a contemplar las estrellas, fumar y luego irse a dormir. Pero sus vecinos de arriba parecen tener una vida sexual muy activa y él se despierta constantemente con el intenso ruido que hacen.

Su esposa, Ana, también sufre la pérdida del amor tras tantos años juntos. Dedicada a las tareas del hogar, está con un hombre que ya no la mira, no la toca ni le dedica palabras de amor.

De hecho, ambos parecen sentir un poco de envidia de los vecinos, que son tan felices juntos y que, por los ruidos que hacen, parecen disfrutar al máximo de su relación.

Esta reunión de vecinos dará un giro cuando Salva y Laura les confiesen la verdad y les hagan una propuesta interesante o repulsiva según como lo tomen. Es en ese momento cuando todo se vuelve más divertido, pero también más dramático.

Salva es un hombre directo, sincero y claro. Laura es psicóloga y prefiere mantener la calma, intentando que los vecinos la entiendan de una manera más comprensible.

La intensidad dramática aumenta y pronto el encuentro se convierte en un momento de catarsis especialmente para Julio y Ana, que son quienes realmente tienen problemas que resolver en su matrimonio.

Una comedia prácticamente teatral que aborda temas importantes sobre el matrimonio, la tolerancia, el respeto, la convivencia y el amor. Y al tratarse de una película con diálogos ininterrumpidos y actores en constante interacción, los cuatro hacen un trabajo impecable.

Podría haber sido fácilmente una historia de mal gusto o incomoda, el guion logra mantener el equilibrio entre ingeniosos diálogos cómicos y una crisis matrimonial madura y sutil entre Julio y Ana. Cada personaje está escrito y desarrollado con cierta profundidad y empatía. Julio puede juzgar con dureza la relación poli-amorosa de Laura y Salva, pero esa no es la intención de la película.

Sentimental es una película divertida que aborda la crisis que sufren los matrimonios tras muchos años juntos. Situaciones hilarantes, excelentes actores, cuyos diálogos nos mantienen al tanto de todo lo que sucede en la historia. Y como mencione, cuarentones o cincuentones casados se pueden sentir identificados y disfrutar mucho más una historia así.

Si te gustan este tipo de comedias, mezcladas con drama y temas que invitan a la reflexión, esta película es excelente para ti.

Director: Cesc Gay

Undertone (2025)

Frecuencia Maldita

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Vi esta película al mediodía, hice ‘trampa’, pero si quieres una experiencia aterradora sincera, míralo a la medianoche cuando todos estén durmiendo o estén en silencio, y con audífonos.

Me gustó mucho, manejando la tensión y ansiedad de manera efectiva, y lo interesante fue como se adapta a los tiempos de hoy utilizando recursos como por ejemplo los podcast para contar historias de terror ingeniosas.

The Undertone está filmada con sencillez, pero con un efecto máximo. Es el tipo de película en la que uno está constantemente revisando los rincones y los bordes del encuadre para asegurarse de que no haya nada oculto. Entiende que la tensión es lo que realmente incomoda al público. Los sustos repentinos son una liberación de tensión, así que puede que te sobresaltes cuando ocurren, pero no son miedo ni estrés real.

Esta película utiliza el encuadre y el diseño de sonido para maximizar la tensión. Cada vez que la protagonista se ponía los auriculares para empezar a grabar el podcast, mientras los sonidos ambientales de la casa se silenciaban y lo único que se oía era el zumbido amortiguado de los auriculares, como si yo también los llevara puestos.

Lo genial de esto es que hace que el público se sienta parte de la película, observando con ansiedad a Evy mientras graba el podcast para intentar ver si está ocurriendo algo extraño en la casa. El trabajo de cámara también contribuye a ello. Los movimientos sencillos nos dan la oportunidad de recorrer la casa buscando algo, cualquier cosa, que pueda estar donde no debería estar.

El podcast dentro de la película es una fuente de terror completamente distinta por sí solo, donde reproducen cintas de audio anónimas de diferentes encuentros paranormales. Las cintas en sí son escalofriantes, y los personajes rebobinan y reproducen constantemente momentos clave una y otra vez para intentar escuchar ciertas cosas, lo que naturalmente significa que nosotros, el público, terminamos haciendo lo mismo.

Nina Kiri, en el papel de Evy, está fenomenal también en esta película, transmitiendo y captando todas las emociones que sentimos colectivamente. Siendo nuestro único personaje relevante en pantalla, como para mantenernos enganchados, y lo logra con facilidad.

Los elementos que hacen que esta película sea tan efectiva parecen muy simples en la superficie, pero son increíblemente difíciles de lograr de manera convincente. Desde casi el principio, va aumentando la tensión progresivamente, sin apenas darte un respiro, y no puedes bajar la guardia porque te puede sorprender. Gracias a lo efectivo que fue la dirección de ‘Ian Tuason’, voy a estar atento a sus próximas películas.

Esta película demuestra que no se necesitan millones de dólares ni escenarios elaborados para hacer una película de terror increíblemente efectiva. No tengo dudas de que esto se disfruta mejor en el cine, o sino pudiste verlo ya que su estreno fue limitado, para una experiencia más aterradora como mencione al principio, verla a medianoche y con audífonos. Cuando llegue el momento, no te lo pienses dos veces, ve esta y déjate llevar por la historia.

Posdata: Me gusto también las referencias a videos de YouTube como el terror viral ‘maldito’, “Mereana Mordegard Glesgorv”

Director: Ian Tuason

Exit 8 (2025)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] INNOVADORA

Confieso que me anime a verla porque su temática es de ese concepto que se ha hecho popular hoy en día gracias a los “Backrooms”, ‘Espacios Liminales’. Y no me arrepiento, me encantó, ingenioso e innovador a su estilo.

La construcción de este mundo de espacio liminal, se logra a través de la exploración de los personajes atrapados en él. Las instrucciones para encontrar la salida parecen bastante sencillas. El ritmo de la película puede decaer en algunos momentos porque no hay suficiente tensión para mantenernos alerta. Pero el terror o el suspenso son principalmente psicológicos. La actuación del protagonista oscila entre el terror exasperado y la confusión desconcertada, y donde estos matices logran crear una tensión efectiva.

‘El Hombre Perdido’, que es uno de los capítulos de la película, es un personaje complejo y me gustaron las escenas iniciales donde lo conocemos antes de que quede atrapado en este laberinto interminable. La película comienza con él con semblante sombrío en el metro, sin intervenir cuando un pasajero empieza a gritarle furioso a una mujer por no poder controlar el llanto de su bebé. No es la presentación más llamativa ni halagadora de su personaje, y verlo ignorar una llamada urgente de una mujer que suponemos que es su pareja tampoco nos hace sentir mucha simpatía por él.

Pero claro, los sucesos de la película llevan al Hombre Perdido a un viaje moral y emocional, y ver cómo la experiencia juega con él y lo transforma es realmente interesante. Sobre todo en la segunda mitad, cuando conoce a un niño que deambula por los pasillos, y las escenas con este niño se utilizan para establecer paralelismos con ciertos acontecimientos de la vida de este hombre. Fue muy gratificante ver cómo la película priorizaba el drama humano, y a la vez, desarrollaba el recurso narrativo del espacio limitante y repetitivo, ya que ambos elementos se complementan bien. Esto también contribuyó a que el final fuera satisfactorio. Es un poco abrupto, pero la escena final en sí misma fue un epílogo bien merecido, tras haber presenciado el viaje completo de un personaje.

El misterioso pasillo revela pistas cruciales. En un caso, una puerta ha desaparecido; en otro, las luces del techo están cambiadas de lugar. Cuanto más recorras el pasillo laberíntico, más piezas del rompecabezas podrás atar. De repente, te das cuenta de que el letrero da «Salida 0» ha cambiado a «Salida 1», luego a «Salida 2». De pronto, vuelve a ser «Salida 0», y te das cuenta de que has regresado de nuevo al punto inicial. Por estos detalles busque en internet, y sí, esta película es la adaptación de un videojuego.

Tal vez para algunos a ‘Exit 8’ le habría venido bien una mayor sensación de terror y un guion un poco más conciso que aprovechara mejor el escenario. Sin embargo, son los matices emocionales subyacentes los que hacen que valga la pena verla. Además de que presentan una temática y una ejecución minimalista como lo es el videojuego, por lo que estuve leyendo su artículo en Wikipedia, la cual supongo que es una muy buena adaptación. Así que, aunque no te llame la atención, te recomiendo que la veas ya que sin duda va ser parte del nuevo cine de ‘Espacios Liminales’.

Posdata: Uno de mis momentos favorito es cuando los carteles de publicidad empiezan a seguir con la mirada a nuestro protagonista.

Director: Genki Kawamura

Nippon Sangoku: The Three Nations of the Crimson Sun (TV Series 2026– )

Episodio 01. An Oath for Peace (Un juramento por la paz)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] ESENCIAL

Esa introducción fue épica por su información de ser la historia futura alternativa de Japón, me encanto, adema de que tuvo un visual en formato de Smartphone.

Esta obra que tiene un guion ingenioso y un estilo de animación interesante, suma todos los problemas sociales de Japón, que atribuye su colapso social al rápido descenso de la natalidad, la fluencia de refugiados y a la baja escolaridad, agravado por la desigualdad propia del capitalismo. Es una perspectiva que rechaza con vehemencia el mundo actual, imaginando un futuro apocalíptico que intenta recuperarse y encontrar estabilidad aferrándose a la tradición. Y es precisamente esta visión del mundo la que me genera cierta inquietud, pero a la vez interesante en como desarrollan esto.

La dirección artística de este primer episodio fue impecable, junto con su montaje, edición y la escritura de sus diálogos. Han hecho una estética genial pero ya veremos si eso se mantiene a lo largo de la temporada. Tiene todo lo necesario para convertirse en uno de los mejores animes del año, ya que la historia traza un rumbo claro para el protagonista ‘Aoteru’ de cara al futuro.

Aoteru es nuestro protagonista, apasionado por la cartografía y la lectura de historia y filosofía militar. El desea  unirse al ejército y emplear su genio estratégico. Es su lado más sensible lo que lo convierte en un personaje complejo, sin embargo por un evento trágico su perspectiva de estratega militar cambia en un rumbo diferente pero por un mismo objetivo. Su motivación personal ya no se diferencia entre la venganza y justicia, para él es lo mismo, lo que cambio es su cautela para conseguir esa justicia personal y la de todo Japón.

Posdata: ¡Joder! Ella demostró con hechos lo que decía. Eso es una fuerte inspiración para unirte a una revolución.

Open Water (2003)

Mar abierto -☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Esta película va dirigida especialmente para aquellas personas experimentadas o interesadas en el buceo submarino, que han tenido un miedo irracional a quedarse solo en medio del océano, sin ninguna esperanza de ser rescatado.

Basada libremente en la historia real de Tom y Eileen Lonergan, Disappearance of Tom and Eileen Lonergan, una historia trágica y con la sensación de un misterio incomodo que te dejara preguntando que habrá sucedido en los últimos momentos de esa pareja.  Open Water se imagina esa situación con todo su realismo, incomodidad y suspenso, que para mí resulta efectivo. Y lo meritorio es que se hizo con un bajo presupuesto.

Una pareja estadounidense está de vacaciones en las Bahamas. Un día deciden ir a bucear, así que se unen a una excursión con otras 18 personas. En algún momento de la inmersión, el capitán del barco se equivoca al contar cuántas personas se sumergieron. Cuando 18 personas salen a la superficie, las sube a bordo y regresa a la costa. Mientras tanto, se olvida de que dos personas siguen bajo el agua.

Me gustó principalmente por la intriga y el suspenso que te brinda. Es inquietante, deprimente y logra ser genuinamente aterradora especialmente para aquellos que ya tienen experiencia en el buceo, porque es una situación realista que podría ocurrirle a cualquiera (y de hecho ha ocurrido), mientras luchan contra la deshidratación, el hambre y las inclemencias del tiempo, la situación empeora rápidamente, ya que pronto empiezan a aparecer los tiburones.

Da miedo pensar que los Lonergan (de quienes nunca más se supo) vivieron esto en la vida real, y solo pensarlo te incomoda, ya que es una experiencia horrible y aterradora en general. Si bien quizás nunca sepamos qué les sucedió a las personas en las que se basa la película, podemos suponer que vivieron algunas de las mismas cosas que les suceden a los personajes de esta película.

Ambos protagonistas hacen un trabajo eficiente, y el hecho de que se metieran en el agua con tiburones de verdad demuestra su gran compromiso con la película. Como resultado uno se encariña con ambos personajes y desea que sobrevivan.

La dirección también es buena, ya que te pone como testigo a nivel del mar por que fue filmado completamente a nivel del agua, prácticamente sentimos las olas en nuestra cara. Solo estás tú y estas dos personas indefensas en medio de la nada, solo con sonido ambiental y sin efectos especiales. Simplemente estás sentado ahí esperando a que estas personas sean devoradas por tiburones.

Conforme la película transcurre tiene un tono cada vez más pesimista, y eso se ven tanto en los diálogos como en el aspecto físico de los protagonistas. Les hará replantearse la idea de bucear en aguas profundas, y encima que hace poco hubo un caso de cinco buceadores italianos que murieron el 15 de mayo de 2026 tras adentrarse en una red de cuevas submarinas en el atolón de Vaau (Maldivas), aunque claro, son contextos diferentes pero te puedes dar una idea de lo complejo y arriesgado que puede ser bucear.

Ya para terminar, son de esas tantas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, al margen de tu opinión. Puede que ni siquiera te parezca tan aterradora cuando la ves, pero quizás cuando tengas tu primera experiencia buceando o haciendo ‘snorkel’ en el océano, quizás la recuerdes y vas a estar atento a todos los detalles para que no te olviden XD.

Director: Chris Kentis

Ren & Stimpy ''Adult Party Cartoon'' (TV Series 2003)

Episodio 01. Onward & Upward

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] ESENCIAL

Asquerosamente divertido y algo cruel. Un tributo a los fluidos corporales que nos causan repugnancia, fue este episodio, y me encantó lo grotesco y repulsivo que puede ser.

Este episodio lleva al extremo algo que ya estaba presente en la serie original: el humor basado en lo desagradable, lo enfermizo y la degradación física. Simplemente elimina los límites de la televisión noventera y se entrega por completo al asco como forma artística y cómica. Eso me encanto de este episodio XD.

Lo grotesco es el punto central del episodio porque es la identidad de la serie. Ejecuta una exageración deliberada del humor escatológico, ya que todo el episodio gira alrededor de fluidos corporales, suciedad y decadencia humana como si fueran un ecosistema absurdo. Esa obsesión enfermiza es precisamente lo que le da identidad, y quien lo podría haber hecho mejor que el enfermizo de John Kricfalusi su creador.

Mucha gente critica este episodio porque es más extrema, pero si uno mira la serie original, ya existían primeros planos grotescos, saliva, mocos, dientes podridos, pus y humillación física. “Adult Party Cartoon” no cambia la esencia, simplemente quita el filtro infantil y amplifica lo que siempre estuvo ahí. Digamos que es una evolución lógica del Ren & Stimpy clásico.

La idea de que Ren y Stimpy encuentren “lujo” viviendo en una escupidera y alimentándose de fluidos es tan ridículamente miserable que se vuelve absurda. Es humor negro llevado al nivel del surrealismo: transformar algo repulsivo en una fantasía de éxito y comodidad. El episodio quiere provocar rechazo y risa al mismo tiempo. Esa mezcla de “esto es horrible” y “no puedo dejar de mirar” es exactamente el efecto que busca. Muchas obras de humor extremo funcionan así.

Para mí el formato más largo le beneficia, ya que al no dividirse en segmentos cortos, el episodio puede desarrollar lentamente la decadencia del ambiente y hacer que la incomodidad crezca. Se siente más como una pesadilla grotesca continua que como sketches rápidos. Me parece que parte de la mala recepción viene de que muchos esperaban nostalgia ligera de los 90s, y en cambio recibieron una versión mucho más agresiva, enfermiza y “adulta”. Pero justamente por eso, algunos como yo, la consideran interesante, porque se arriesga y no juega a lo seguro.

Así que esta es mi defensa bien determinada y convencida de este primer episodio. Digan lo que digan malditos fanboys o fandom de R&S. XD. Eso sí, se me hizo difícil de calificarla con estrellas porque hay obras que te impactan, te divierten y te repelen (en el buen sentido) al mismo tiempo, haciendo difícil evaluarlas con una nota convencional, pero la recomiendo ampliamente.

Posdata: También veo como una especie de crítica a esa aristocracia que con tal de mantener su status son capaces de comer mierda. XD.

The Secret Life of Walter Mitty (2013)

La increíble vida de Walter Mitty

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Hay momentos brillantes en la película y escenas que me atraparon por completo. Pero también había algo que faltaba, algo que la frenaba y le impedía ser la gran película que a menudo nos prometen. Pero como menciono en otras opiniones de cintas que vi, son de esas películas que al menos debes verla una vez en la vida.

Walter Mitty (Ben Stiller) trabaja en el departamento de "negativos fotográficos" de la revista Life. Una mañana, los empleados reciben la noticia de que la publicación se convertirá en una revista exclusivamente online digital, lo que hará que muchos de sus trabajos dejen de ser esenciales. El aclamado fotoperiodista Sean O'Connell (Sean Penn) envía a la revista un negativo que cree perfecto para la portada final de Life. Pero Walter lo extravía. Así que, con su trabajo en peligro y el supervisor de la transición de la empresa (Adam Scott) presionándolo, Walter se embarca en una aventura alrededor del mundo para encontrar a O'Connell, y con suerte, el negativo.

El viaje de Walter lo lleva a lugares interesantes como Groenlandia, Islandia y el Himalaya. Nos sumergen en estos lugares, a veces con perspectivas sobrecogedoras. Esto da vida al viaje de Walter, y en cierto modo, justifica su transformación personal. Sin embargo, también tuve dificultades con ciertos aspectos de su aventura. Hay tantas preguntas obvias que la película prefiere que no nos planteemos. Y también hay una cantidad desmesurada de conveniencias que facilitan la búsqueda de Walter. Independientemente de la situación, casi siempre encuentra una salida perfecta. Quizás haya un significado más profundo, pero la historia no lo insinúa.

Walter Mitty también parece tener una pequeña crisis de identidad. Hay momentos divertidos al principio, pero luego hay un largo tramo en el que se toma las cosas muy en serio. El humor queda en segundo plano y se convierte en un drama de ritmo pausado, con sus buenos y malos momentos. Carece de la consistencia de las grandes películas, pero también tenía un atractivo inexplicable del que me mantuvo atento toda la película.

En cuanto al trabajo de Stiller como director y actor, estuvo bien. Pero hay un encanto genuino y entrañable en lo que le aporta al personaje de Walter Mitty. Me sentí muy atraído por él y personalmente empaticé con su percepción de sí mismo y sus inseguridades. Ben Stiller captura todo eso mágicamente. Kristen Wiig estuvo bien también, pero su personaje de la "chica de los sueños de Walter" estaba poco desarrollado. Adam Scott es más difícil de evaluar. Su actuación no es tan mala, pero el guion hace que este típico villano corporativo sea demasiado obvio.

Es una película difícil de calificar. Sin duda, destaca por su estilo visual y sus hermosos escenarios. También por la excelente actuación de Stiller y el dulce y contagioso encanto de su personaje. Desafortunadamente, es una película irregular, con demasiados giros argumentales forzados y momentos de bajón. Sin embargo, hay algo en ella que no puedo ignorar. Me ha impactado y me ha dejado con ganas de volver a verla. Eso suele ser señal de que una película funciona, al menos en algunos aspectos.

Director: Ben Stiller

Beau Is Afraid (2023)

Beau Tiene Miedo

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Es una película extraña y respeto eso. No es necesariamente algo malo; las anteriores películas de Ari Aster que vi fueron ‘Hereditary’ y ‘Midsommar’, la cual me encantaron. Pero ‘Beau is Afraid’ no es terror porque carece de elementos de terror tradicionales, en lo que sí se puede parecer es que optan por una atmósfera completamente inquietante y tensa pero con una perspectiva diferente.

Resumir los acontecimientos de la película, con sus 2 horas y 59 minutos de duración, es toda una hazaña. En esencia, la película consiste en tres horas de Beau (Joaquin Phoenix) sufriendo un ataque de pánico prolongado, provocado por su lucha entre evitar y afrontar su trauma familiar, en concreto el materno. Beau es un hombre atormentado que se embarca en un viaje surrealista a través de una serie de situaciones extravagantes para encontrar el camino de regreso a la casa de su infancia. Perseguido por recuerdos fugaces del pasado y preguntas sin respuesta, Beau no encuentra ni un momento de paz; tampoco el público.

Su mayor defecto es su excesiva duración. Como ya se mencionó, la película apenas llega a las tres horas, y se nota. Podría haber recortado fácilmente una hora y probablemente habría tenido mucho más impacto. Para mí la trama no tiene suficiente sustancia para tanta duración pero lo entiendo. La narrativa no la requiere, y en consecuencia, tiende a alargar momentos que podrían haber sido memorables.

Más allá del arduo viaje que mantiene la atención del espectador a lo largo de la película, es de digno elogio por su singular e imaginativa puesta en escena. La producción  de animadores creó una serie de secuencias surrealistas que complementan a la perfección los giros y vueltas sobrenaturales de la narrativa. Las secuencias animadas son una estética improvisada con grabaciones de acción real del reparto, fusionando ambas estéticas para crear una paleta estética visual única y reconocible.

Otro punto a favor son las magníficas interpretaciones de su reparto. Joaquin Phoenix es un protagonista sólido cuya actuación transmite una profundidad que, lamentablemente, la película no logra explorar por completo. Beau es un personaje indudablemente complejo, cuyas intenciones y traumas desencadenantes nunca se explican del todo; sin embargo, la intriga que Phoenix plantea al espectador lo mantiene en vilo de principio a fin.

El personaje que más se asemeja a la intensidad de Beau es su madre, ‘Mona Wasserman’, una mujer cuyo amor por su hijo es evidente. La actriz Patti LuPone encarna a una Mona que capta a la perfección el impacto de equilibrar su éxito con la compleja relación maternal que mantiene con su hijo, quien atraviesa dificultades. Mona es una presencia constante en la vida de Beau y en la narrativa de la historia.

Sinceramente, no sé muy bien cómo resumir lo que vi por eso se me hizo difícil darle una calificación pero son de esas películas que al menos tienes que verla una vez en la vida, por eso la recomiendo, además de que te invita a verla de nuevo. La película es sin duda interesante y presenta tantos elementos que verla una sola vez no basta para apreciar todos sus detalles en su caos.

Director: Ari Aster

Gintama (TV Series 2006–2010)

Episodio 01–02. You Guys!! Do You Even Have Gintama?! – ¡¿Chicos?! ¿¡¿Acaso tienen Gintama?!

-☆☆☆☆☆- [sin calificación]

Hace años que quería ver este anime que para los Otakus es muy icónico. Empezando esta nueva aventura y espero disfrutarlo. Aunque este primer episodio estuve casi todo el tiempo confundido, todo era caótico pero ya voy conociendo el estilo de este anime.

Supongo que sirve como una introducción caótica, confusa y meta-humorística a la serie, centrándose en presentar al trío principal de Yorozuya. Aunque está repleta de acción cómica y sin sentido a su manera, quizás para muchos sea un comienzo confuso. Tal vez el episodio va dirigido a los espectadores que ya estén familiarizados con el ‘manga’.

Lo que si noté es que está repleto de rupturas de la cuarta pared, parodias de la ‘Shonen Jump’ y acción caótica, lo que refleja la naturaleza impredecible de la serie.

Presentan a ‘Gintoki Sakata’ como un samurái perezoso pero habilidoso, junto con Shinpachi y Kagura, quienes están montando su negocio de "trabajos ocasionales". Como mencione puede haber confusiones, ya que los personajes se introducen sin contexto.

No lo voy a poner una calificación ni recomendar este episodio, tampoco quiero decir que sea algo negativo, simplemente esperar a ver el siguiente capítulo. Solo espero que el ritmo y la estructura del anime mejoren pero que mantenga su estilo. Puede ser un "mal comienzo" para algunos, pero es una buena muestra de su humor caótico.

The Drama (2026)

El Drama -☆☆☆☆☆- [Sin calificación] [👍]

Una película que me anime a verla y estoy seguro que la mayoría así lo hizo también, por ver como conectan Robert Pattinson y Zendaya. Al terminar de verla me gusto, puede tener sus defectos y bemoles pero tampoco me quiero andar de pretencioso dándole críticas negativas molestas. Los dos protagonistas estuvieron bien.

No deberías guardar secretos a la persona que amas. ¿O sí? Esa es, en resumen, la premisa de ‘El Drama’, que, bajo la apariencia de una comedia romántica poco convencional, explora el perdón y la comprensión (o la falta de ella) en un mundo que juzga con demasiada facilidad. Si bien la película se beneficia del encanto y la química de sus dos protagonistas, a mitad de camino se vuelve talvez algo larga, culminando en un final de ‘farsa’ para preservar la humanidad de los personajes. Pero esto también puede ser una bocanada de aire fresco, incluso si sigue caminos predecibles en su trama.

Puede ser una comedia algo fría que resulta bien para mí, una provocación atrevida que plantea un escenario extremo con la intención de crear un concepto ingenioso a su manera, pero su ejecución muestra una visión confusa a lo largo de la película, más allá de explotarlo para provocar comedia que te incomode. Parece indeciso sobre qué hacer con el personaje de Emma (Zendaya), por lo que esencialmente la convierte en un catalizador narrativo para la crisis personal de Charlie (Pattinson), una decisión que, en el mejor de los casos, resulta algo decepcionante y, en el peor, desagradable. Charlie es un personaje más vulnerable y por ende un poco más empático, pero cuando se trata de Emma, la película se comporta como un psicoanalista que se niega a aceptarla como paciente porque no está a la altura del desafío que plantea la cinta.

Algunos fragmentos de la película funcionan bastante bien, mostrando su potencial: imágenes inquietantes de Charlie caminando junto a la problemática versión joven y adolescente de Emma mientras lidia con esta sorprendente faceta psicológica de su prometida; una escena en la que Charlie se encuentra atrapado en una espiral de justificaciones atormentadas mientras lucha con las muchas incertidumbres de la zona gris que acechan entre la aceptación y el rechazo. 

Sin embargo, el trasfondo está plagado de cabos sueltos, ya que la película coquetea con ideas sobre el perdón y el amor incondicional, sobre el dilema del control de armas, tan característico de Estados Unidos, pero nunca las desarrolla del todo. Dan ganas de rogarle al director que reconsidere el final ambiguo, que no encaja con lo anterior: una película que nos invita a ponernos en el lugar de Charlie y reflexionar sobre sus éxitos y fracasos al navegar por la densa niebla moral de una situación insostenible. Parece que no hay victoria posible. No hay posibilidad de "empezar de nuevo". Y, lo que es más importante, no hay una comprensión profunda del personaje de Emma, quien, sin que Zendaya tenga culpa alguna, está tan superficialmente esbozada que no es más que un recurso argumental.

En conclusión para mí, la película resulta atractivo por sus dos protagonistas que son súper conocidos, y su concepto prometedor, y tiene momentos memorables. Sin embargo, quizás para algunos decepciona en su intento de encontrar comedia y profundidad en una situación algo absurda. Por mi parte la recomiendo si quieres entretenerte con algo fácil de ver y digerir.

Director: Kristoffer Borgli

Monster (Kaibutsu) (2023)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] ESENCIAL

No me quiero andar de pretencioso de nombrarla como una obra maestra, pues si tal vez lo sea, pero es una película esencial por qué su temática se explora muy poco en el sentido de que los protagonistas son menores, y que su título es una metáfora sutil a lo que vas a ver.

Es una película de una delicadeza e inteligencia tales que no solo cuenta una historia, sino que te pone a prueba, primera porque es muy contemplativa en su primera parte, es decir lenta. Si superas eso, te brindara la misma historia pero con una nueva perspectiva.

A primera vista, parece un drama sencillo sobre una madre que lucha por su hijo. Saori comienza a notar cambios inquietantes en su pequeño hijo, Minato. Se corta el pelo, llega a casa sin zapatos y murmura frases extrañas.

Cuando Minato finalmente afirma que su profesor, el Sr. Hori, lo golpeó, Saori irrumpe en la escuela exigiendo respuestas. Lo que sigue es un frustrante enfrentamiento con una administración escolar rígida y un profesor que parece extrañamente distante. Pero justo cuando crees comprender la dinámica, todo da un giro inesperado.

El director desarrolla la narración en tres capítulos distintos, recreando los mismos acontecimientos desde diferentes perspectivas: la de la madre, la del maestro y, finalmente, la de los niños. Lo que comienza como la búsqueda de un villano se transforma en una compleja exploración de la facilidad con la que nos malinterpretamos.

Lo que más me llama la atención de esta película es cómo manipula la perspectiva. La historia nos obliga a confrontar nuestros propios prejuicios. La película nos obliga brillantemente a preguntarnos: ¿Quién es el verdadero monstruo? ¿Es el profesor? ¿La madre sobreprotectora? ¿O somos nosotros mismos quienes, al juzgar precipitadamente sin conocer toda la verdad, nos precipitamos a juzgarlo? Esta última pregunta fue una metáfora sutil que me encantó de la película.

Sin embargo, el núcleo emocional de la película reside en los niños, Minato y Yori.

Mi lado optimista anhelaba un final más feliz y convencional. Deseaba una resolución clara donde todos estuvieran a salvo y bajo la luz del sol. Pero Kore-eda nos ofrece algo más complejo: algo hermoso, devastador y profundamente humano.

Es una muestra de la maestría de la película que evoque un instinto tan visceral. Uno desea protegerlos de la confusión de sus propios sentimientos y de la dureza del mundo que los rodea. Aunque sé que estos personajes son ficticios, el impulso de velar por su seguridad se sintió increíblemente real.

Monster nos recuerda que a veces lo más aterrador no es un villano, sino la incapacidad de comunicar nuestra verdadera esencia a quienes amamos. Es una obra maestra de empatía a su manera que perdura en la memoria y con muchas preguntas mucho después de que allá acabado la película.

Director: Hirokazu Kore-eda

Invincible: Episodio 1x08 (Final de Temporada)

Where I Really Come From -☆☆☆☆☆- [sin calificación]

Se me hizo difícil darle una calificación, pero ya tenemos casi todo el ‘lore’ de la serie.

Un episodio final repleto de acción, desgarrador y que acumula una de las cifras de muertos más significativas en cualquier serie o película de superhéroes que haya visto. Finalmente, nos dan la explicación que todos estábamos esperando: las verdaderas intenciones de Nolan, como un explorador expansionista que busca conquistar el frágil planeta Tierra y unirlo al imperio ‘Viltrum’, como muchos otros planetas lo han hecho.

Se nos muestra la naturaleza despiadada de la especie ‘kriptoniana’, que solo anhela supremacía y lealtad a toda costa. Nolan pretendía doblegar la voluntad de los habitantes de la Tierra y someterlos a la de su pueblo. Aunque también se nos muestran sus fracasos, no en su capacidad de destruir, sino en su capacidad de amar. El amor parece ausente en la mente de los ‘viltrumitas’, mostrado como una debilidad, algo que debe dejarse de lado en favor de la fuerza. Esto es lo que impulsa a Nolan a atacar a su hijo sin pensarlo dos veces. 

La escena de este episodio que más me impacta es ver el rostro ensangrentado y golpeado de Mark siendo golpeado repetidamente, hasta el punto de ver y oír cómo sus dientes rebotaban en las rocas a su lado. Con las manos de Nolan cubiertas por la sangre de su hijo y de los cientos de personas que acaba de asesinar, encarna la ira más pura que cualquier super-villano. Estos detalles son influencia del anime Shonen.

La batalla entre Omni-Man e Invincible ocupa gran parte del episodio y es realmente sensacional. Hay tantas muertes innecesarias y daños colaterales que apenas hay un momento para recuperar el aliento. La gente es destrozada simplemente para que Nolan le demuestre a su hijo que las personas son frágiles, débiles e insignificantes. Es brutal y devastador ver cómo Mark no logra salvar a nadie de la ira de su padre. Lo más desgarrador es que Nolan mate a tanta gente con el cuerpo de Mark, convirtiéndose en la causa de la muerte de tantos.

Puede que Nolan finalmente haya desatado su insensibilidad contra el mundo, pero aún hay una parte humana en él que lucha contra su misión colonial. Una parte de él que sabe, en el fondo, que su creencia en la insignificancia de la humanidad podría estar equivocada. Hay una parte de él que aún ama, por mucho que lo niegue, y así, en conflicto e incapaz de completar su misión, vuela lejos, hacia las profundidades del espacio exterior, más allá de los límites de nuestro sistema solar.

La batalla puede haber terminado a mitad del episodio, pero su impacto es inimaginable. Los Guardianes comienzan a limpiar los escombros y a rescatar a civiles, pero el impacto emocional de la destrucción causada por Nolan sigue resonando.

El octavo episodio de Invincible es un final de temporada emocionante y desgarrador. Evoca imágenes escalofriantes de desastres reales durante su batalla final, y narra la experiencia de vivir un desastre, así como lo que significa vivir después de él. Un final impactante y conmovedor.

A-

Paranoia Agent - Episodio 13 (FINAL)

El Último Capítulo. -☆☆☆☆☆- (GRAN EPISODIO)

"Aceptemos la realidad", dijo Keichi, luego de saber que él y su esposa nunca tendrían hijos. Eso es lo que ha estado evitando toda esta serie, y lo que han representado sus horrores: los personajes se sienten abrumados por la realidad, y por lo tanto, se convierten en un sueño suave y sin sentido, ayudado por el Chico del Bate. Eso es lo que vemos también en la canción de apertura: los personajes se ríen a carcajadas, felices a pesar de que el mundo se derrumba a su alrededor. Sonriendo mientras el mundo se desmorona a su alrededor, contenido en pequeñas realidades personales mientras su mundo comunal arde. Esa es la actitud que estos personajes adoptaron en parte, incluso cuando se unen contra ella, especialmente Mitsuhiro, quien se ha hundido tanto en la fantasía que encarna un escape fantástico incluso a través del personaje que se supone que lucha contra el Chico del Bate.

En este tremendo episodio de Paranoia Agent, Keichi primero pasa un poco más de tiempo escondiéndose en su fantasía. Con Sagi ahora caminando a su lado, recorre las calles de su idealizado viejo Japón, conversando ociosamente con extraños y saboreando el sabor de un cigarrillo viejo. Cuando Sagi cuestiona su elección de tabaco, murmura "nada importa". Cuando Mitsuhiro intenta romper su ensoñación en un televisor, rompe el dispositivo, solo para ser aplaudido por la gente del pueblo por deshacerse de los pensamientos venenosos y sediciosos. Finalmente, Sagi regresa a su propia escapada idealizada, la hija que fue abiertamente amada por su padre y que nunca dejó morir a la perrita Maromi. Juntos disfrutan de los fuegos artificiales del festival, un símbolo perfecto de nostalgia para igualar las formas en que se completan los delirios de los demás.

Pero la señora Ikari se abre paso. Acostada en su lecho de muerte en el hospital, su voz llega a Keichi, y aunque primero se escapa de su imagen, finalmente se ve obligado a enfrentarla. Pero Masae no está allí para condenarle por su negligencia; en cambio, ella le agradece y dice que reconoce que el hombre que sabe que es. Parece que, a pesar de que su episodio de enfoque terminó en triste soledad, su convicción es más fuerte que la voluntad de Maromi. En una avalancha de flashbacks conmovedores, vemos todos los mensajes que Keichi una vez impartió a su esposa, ahora transmitidos por ella como un último acto de amor, uno final que abarca la realidad. Y a medida que la voz de Masae se desvanece en un monitor de latido del corazón que ahoga los fuegos artificiales, Keichi se vuelve hacia Sagi y dice: "¿A quién llamas padre?"

Este fue el momento culminante de la serie, el atronador abrazo de las crueles verdades de la realidad sobre las adormecidas farsas de la fantasía. Como una canción triunfante en el fondo, Keichi agarró un bate y rompió su falso Japón, las pinturas planas se rompen en fragmentos con el frío reconocimiento de que, aunque ya no tiene un lugar al que llamar hogar, al menos puede ponerse de pie al mundo real.

Después de eso, aparentemente enojado por la idea de que Paranoia Agent era una fantasía temáticamente opuesta, el Chico del Bate decidió volverse muy, muy real. Una niebla negra de ansiedad recorrió Japón, arrasando autos y edificios y todos los personajes que hemos visto a través del hambre generada por la falta de Maromi. Sin la influencia calmante de Maromi, la violencia del Chico del Bate superó todo, y aunque Mitsuhiro, Sagi y Keichi lucharon brevemente contra ella, también fueron absorbidos por la nube oscura.

Luego, finalmente, pudimos ver la verdadera historia del final de Maromi, cuando las palabras de Mitsuhiro obligaron a Sagi a recordar cómo su perrita realmente había fallecido. Mientras salía a caminar, ella se encontró brevemente doblada por un dolor de estómago, y después de soltar su correa, Maromi vagó frente a un automóvil. Una historia simple (como dice Keichi, "Todo esto para un cachorro. ¿En qué tipo de mundo vivimos?"), Pero el catalizador de todo lo que vino después. Sagi temía a su padre, y así, en lugar de dejarse ser la responsable de esta pequeña tragedia, inventó al Chico del Bate y se convirtió en la víctima. Pero ahora, con su yo mayor mirando hacia abajo a su más joven, Sagi tomó al pobre perro en sus brazos, aceptando la culpa y el dolor de un mundo donde a veces la crueldad no tiene sentido, Y a veces tenemos que asumir la responsabilidad cuando parece que merecemos mucho mejor. Y con esa admisión, el Chico del Bate saluda un último adiós.

El Chico del Bate es el villano que todos vemos en un mundo cruel, uno que eventualmente asume la responsabilidad de nuestras acciones. El mundo es extraño y desagradable, y para darle sentido, encontramos villanos donde podemos, en la generación más vieja, en la generación más joven, en la forma en que la cultura es, en el Chico del Bate. Él es una ficción, pero puede llegar a ser increíblemente poderoso si lo dejamos, y si nos hacemos dependientes de la paz que trae. Y solo a través de aceptar la responsabilidad por nuestras propias vidas y las consecuencias de nuestras acciones y nuestro pasado (tanto en el sentido personal como social), podemos escapar de su sombra violenta.

El último episodio de Paranoia Agent terminó con una serie de disparos que reflejaban directamente el primer episodio. Allí estaba el horizonte de Tokio, ahora devastado por el alboroto del Chico del Bate. La avalancha de viajeros que cruzan la calle y viajan en el metro, voces ahogadas en el chillido general del tráfico. Un hombre de pelo blanco que garabateaba una ecuación inescrutable, aunque esta vez, el anciano original fue reemplazado por un Mitsuhiro deshilachado. La intención cíclica de estas elecciones sería clara incluso si el propio Mitsuhiro no lo explicara al final. Paranoia Agent es solo una historia, y sus patrones de comportamiento ocurrirán una y otra vez. Pero a pesar de todo su cinismo, termina con una hermosa redención y una esperanza incierta para Keichi y Sagi. Es una conclusión satisfactoria y conmovedora para un anime verdaderamente notable.

Paranoia Agent - Episodio 11

Prohibido Entrar. -☆☆☆☆☆-

Paranoia Agent volvió a su narrativa original, con un episodio que nos presentó a la delicada esposa del ex jefe de policía Keichi Ikari. Habiendo poseído una condición débil desde la infancia, la Señora Ikari nunca sintió que su vida fuera mucho; pero habiendo sobrevivido a muchos altibajos en el camino, está decidida a aferrarse a la vida que aún tiene. A través de una serie de monólogos contrastados con el ex jefe de su atareada vida cotidiana, la Señora Ikari presenta un caso desafiante directamente al Chico del Bate, exponiendo el valor claro de su propia vida y desafiando al niño monstruoso por las razones por las que ataca a sus objetivos.

En comparación con la compleja redacción narrativa y las aventuras estéticas creativas del episodio anterior, este fue un episodio relativamente sencillo de Paranoia Agent. Se centró en dos hilos concurrentes: la esposa de Keichi, que detallaba los giros y vueltas de su historia de vida con el Chico del Bate directamente, y Keichi mismo corría de un trabajo a otro mientras luchaba por juntar las piezas de su vida. Enfrentada por el Chico del Bate en su casa en un momento de debilidad, la Señora Ikari terminó regañando al asesino e insistiendo en que se sentara y la escuchara explicar la fuerza de la naturaleza humana.

Esto llevó a una larga secuencia utilizando el gran truco visual de este episodio, una entrevista realizada entre la Señora Ikari por un lado y el Chico del Bate por el otro, oculta como una sombra detrás de una puerta corrediza mientras explicaba los escollos y las pequeñas victorias de ella. La vida con Keichi. Cuando la Señora Ikari cayó en la desesperación, el Chico del Bate se haría más grande y más frenético; mientras se endurecía y aceptaba las fallas del pasado, él se calmó y bajó su bate. Era un concepto simple, pero fuerte; Las formas en que la segunda mitad de este programa complicó sus representaciones del Chico del Bate han sido casi todos experimentos exitosos, y la historia de Ikari terminó pintando un retrato más completo y comprensivo de Keichi.

Dispersos entre estos segmentos de monólogos, también obtuvimos muchas escenas de Keichi corriendo de trabajo de construcción a trabajo de tráfico a trabajo de seguridad, tratando frenéticamente de llegar a fin de mes. Cuando la Señora Ikari recordó amorosamente que su esposo la instó a aceptar la realidad, vimos a Keichi cansado en el tren, escuchando a los adolescentes que deseaban que el Chico del Bate atacara su escuela mientras se dirigía a otra posición de baja remuneración. La postura de los "niños en estos días" de Keichi se sintió amargada y fuera de contacto cuando solo vimos su rostro profesional, pero al agregar el contexto de la dignidad que mantiene incluso en la derrota, se dio una verdadera humanidad a sus sentimientos.

Por supuesto, Kon casi nunca deja que sus personajes disfruten de una victoria honesta, por lo que estas dos narraciones fueron desafiadas en las escenas posteriores del episodio. Del lado de la Señora Ikari, está claro, básicamente, desde el principio que su "Chico del Bate" es un enemigo interno, y que la persona con la que está discutiendo desafiante tiene que ser algún elemento dentro de ella. A este engaño se le da un contexto deprimente más adelante, cuando nos enteramos de que su larga enfermedad realmente ha afectado su mente, lo que significa que bien podría haber creído realmente que estaba discutiendo con el Chico del Bate incluso mientras estaba sentada sola en una casa vacía. Y por el lado de Keichi, lo que comienza como una reunión entrañable con un viejo ladrón (alguien que se hace eco de la obsesión de Keichi por hacer las cosas a la antigua usanza, completo con esa caja de fósforos vintage a la que el espectáculo sigue volviendo, termina convirtiéndose en una farsa idílica, ya que Keichi consuela sus sentimientos del mundo moviéndose más allá de él al abrazar una visión plana de un "Japón tradicional" que nunca experimentó. La insistencia de Keichi en "enfrentar la realidad" suena un poco hueca cuando su propia felicidad depende de abrazar un pasado falso, y la determinación de la Sra. Ikari de mostrar la fuerza de la humanidad se siente un tanto socavada por el hecho de que está sentada sola en un hogar en descomposición, esperando un marido al que ella respeta quien se ha perdido en sus propias ilusiones del mundo.

Este fue un episodio complejo, al estilo mismo del director. Paranoia Agent va a terminar en el mismo tipo de pesadez cínica que hace de Keichi una víctima de sus propias expectativas. Es un espectáculo bastante amplio en general, pero este fue implacable en sus ataques a sus propios personajes, y parecía tener una satisfacción burlona al sacar la retórica humanitaria de la señora Ikari. Si se puede encontrar algún consuelo en este episodio, es otra forma de crítica vuelta hacia atrás: el hecho de que Keichi realmente merece algo mejor que esta vida, y que una sociedad que abandona a personas como Keichi a la monotonía del trabajo doméstico tiene que estar lejos, más culpable que un hombre que simplemente no puede cambiar con los tiempos. En el frente estético, la ejecución aquí se sintió menos calibrada que los mejores episodios; definitivamente hubo aspectos destacados (como el juego de sombras del Chico del Bate, o el estilo de perspectiva únicamente adoptada para el pasado de fantasía de Keichi), pero la dirección general se sintió menos coherente y con mayor carga tonal que los episodios como el último, o el mejor del primer arco. Pero este fue aún un buen episodio, incluso si me dejó más preocupado.