Midnight Cowboy (1969)

Cowboy de medianoche

★★★★½ ESENCIAL ✂ [👍]

Los primeros 35 o 40 minutos es cine: bien montado, bien editado, dinámico escena tras escena, me impresiono. Las escenas psicodélicas también estuvieron geniales. El final fue un poco seco pero lo entiendo. Una película sin duda esencial por su estilo y temática, y se convirtió en una de mis favoritas de la década del 60s.

La versión que yo tengo tiene dos doblajes: español Latinoamericano y español de España, no me convencieron y decidí verlo escucharlo en su idioma original, con subtítulos, y creo que fue la mejor decisión para disfrutar aún más de la película.

Joe Buck, un joven ingenuo pero convencido, rubio y fanático de los vaqueros de Texas, decide dejar su trabajo de lavaplatos, y vestido como sus ídolos de la infancia, probar suerte en Nueva York, complaciendo a mujeres solitarias y adineradas a cambio de dinero, ser un “Hustler”. Sus sueños de trabajar como gigoló y la alegría con la que afronta su aventura —tanto literal como metafórica— se asemejan a los de aspirantes a actores y cantantes, que se esfuerzan por capitalizar su talento convirtiéndose en estrellas, reconocidas y adoradas por todos. Para Buck, escuchar un programa de radio de camino a Nueva York en el que las mujeres describen el tipo de hombre que buscan, solo alimenta sus fantasías sobre la suerte y la prosperidad que le esperan en la Gran Manzana, donde su único talento —el amor— será apreciado y aprovechado al máximo. Ni por un momento se le ocurre que ganarse la vida en las calles de Nueva York no es tan maravilloso como parece, y que no hay tantas mujeres dispuestas a acostarse con alguien vestido de vaquero y pagarle después. Otra cosa que no se le pasa por la cabeza es que, dado su trabajo, los hombres homosexuales serían clientes mucho más adecuados y dispuestos. Nueva York pronto demuestra ser una amante caprichosa, que te recibe con los brazos abiertos solo para devorarte y escupirte después de hacer contigo lo que quiera. Un encuentro así resulta ser bastante fortuito: al conocer a "Ratso" Rizzo, un estafador sin hogar y cojo que sueña con mudarse a Florida, Joe empieza a creer que su suerte ha cambiado y que podría haber encontrado a su "mánager", solo para darse cuenta de que está equivocado muy pronto. A pesar de un comienzo difícil y fraudulento, los dos se convierten en compañeros improbables, viviendo juntos en un edificio abandonado sin electricidad ni calefacción y ganando rara vez un par de dólares, gracias a la habilidad de Rizzo para robar carteras y sus tácticas de distracción. La carrera de gigoló de Joe no termina de despegar; solo consigue concertar un par de encuentros sexuales, dos de ellos con hombres, y ninguno termina bien ni para Joe ni para la otra persona.

La soledad, consecuencia de la marginación que sufren estos dos personajes, impregna cada fotograma de Midnight Cowboy, filmada magistralmente, cuya cámara captura el microcosmos crudo y realista de los bajos fondos de Nueva York en la década de 1960. La magnitud de la pobreza de los personajes no se transmite a través de conversaciones o monólogos ocasionales, sino que se evidencia en diversas situaciones que retratan la vida cotidiana de los dos amigos. Ambos son personas con grandes ilusiones —Joe fantasea con triunfar como “Hustler” y Rizzo sueña con una vida bajo el sol de Florida— y con razón. Si no fuera por sus ilusiones de un futuro brillante que acecha a la vuelta de la esquina, ligeramente fuera de su alcance pero aún alcanzable, habrían renunciado a la vida hace mucho tiempo. Son sus delirios los que les ayudan a mantener a raya la abrumadora sensación de soledad, permitiéndoles conservar la cordura y las ganas de vivir. Este tipo de retrato visceral es lo que convierte a la película en una obra cinematográfica verdaderamente triunfal, ofreciéndonos una de las representaciones más desgarradoras, crudas y profundamente empáticas de la indigencia que jamás pedimos, pero que sin duda necesitábamos. En muchas películas, la pobreza se presenta como un obstáculo a superar, una circunstancia de la que hay que liberarse, una tribulación que a menudo es necesaria para que un protagonista alcance la vida que realmente le corresponde. Pero en la película de Schlesinger, no hay un "antes" ni un "después". En la película de Schlesinger, la tribulación de la pobreza extrema no constituye el punto de partida, sino la totalidad de la trama. No hay liberación ni catarsis, solo diferentes variaciones y grados del statu quo. Se nos ofrece una visión del submundo oculto de la ciudad de Nueva York (y de cualquier ciudad del mundo en cualquier década, ya que la falta de vivienda es un fenómeno tan antiguo como el tiempo), un mundo que resulta muy fácil evitar y al que se puede hacer la vista gorda. Pero Midnight Cowboy hace que nos sea imposible apartar la mirada y nos enfrenta sin tapujos las facetas de la experiencia de una persona sin hogar que preferiríamos ignorar, pues tienen el poder de reflejar nuestros propios miedos a la carencia, la pérdida y la soledad.

Hubo una escena en particular que se convirtió en un clásico, y según Hoffman y Voight, fue completamente improvisada. Se trata, por supuesto, de la famosa escena de “I'm walkin' here!” ("¡Estoy caminando aquí!"), en la que Buck y Rizzo hablan mientras cruzan la calle cuando de repente, un taxi casi atropella a Rizzo, quien a su vez empieza a golpear el auto y a exclamar: "¡Estoy caminando aquí!".

Los flashbacks también son parte importante de su narrativa. Donde vemos la crianza del protagonista por parte de su abuela, una mujer a la que le gustaban los hombres y los masajes que recibía de un jovencito Joe. Luego, se muestran imágenes de él y Annie, aparentemente su primer y único amor. La historia no terminó bien, ya que Joe y Annie fueron violados por una pandilla de jóvenes y Annie se convirtió en la "loca Annie" y fue internada en una institución mental.

A pesar de lo traumático que fue el pasado de Joe con lo de Annie, la película logra enfatizar el poder que las mujeres ejercen sobre el joven tejano. Joe está fascinado por las mujeres, empezando por su abuela y Annie, y mientras viaja en autobús de Texas a Nueva York, sonríe y habla con algunas de ellas, sean más jóvenes o mayores. También escucha en la radio una entrevista con mujeres sexualmente liberadas y se emociona bastante, pensando que ligará con muchas de ellas una vez que llegue a Nueva York con su atractivo atuendo de vaquero que lo hacen un ‘galán’, aunque admite que no es un muy buen vaquero en un sentido tradicional. De hecho, Joe sabe muy poco sobre las mujeres de Nueva York, sobre las mujeres en general e incluso sobre sí mismo. Cree que solo es bueno en una cosa: hacer el amor, tener sexo, así que en un momento dado concluyó que podía ganar dinero con ello, dejó su trabajo de lavaplatos y se subió a un autobús en busca de nuevas experiencias.

Las secuencias iniciales y final de la película están memorablemente conectadas con una canción interpretada por Harry Nilsson, "Everybody's Talkin'", compuesta e interpretada originalmente por Fred Neil, y se relaciona con la idea de que Joe pasa la vida escuchando a todas esas mujeres, su radio, a Ratso, pero en realidad no escucha. Como ilustración musical encaja a la perfección, y no solo por la letra, también por la melodiosa voz de  Nilsson, te hace esperar algo con optimismo al principio, pero la melancolía que desprende la canción se puede interpolar o interpretar como la pérdida de una gran parte de la inocencia de Joe.

Otras temáticas que también fueron interesantes especialmente por su época y tiempo, es reconocer diversas preferencias y prácticas sexuales como una genuina intimidad. Vemos también la homofobia por parte de Ratso, que a lo largo de la película, de manera implícita, tiene como una especie de homosexualidad reprimida, pero claro, eso ya depende de la interpretación que le dé el público. 

Me sorprendió lo atemporal que es, y lo visualmente impactante y original que resulta después de tantos años de haberse estrenado. Se mantiene muy vigente. 

Director: John Schlesinger

Exit 8 (2025)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] INNOVADORA

Confieso que me anime a verla porque su temática es de ese concepto que se ha hecho popular hoy en día gracias a los “Backrooms”, ‘Espacios Liminales’. Y no me arrepiento, me encantó, ingenioso e innovador a su estilo.

La construcción de este mundo de espacio liminal, se logra a través de la exploración de los personajes atrapados en él. Las instrucciones para encontrar la salida parecen bastante sencillas. El ritmo de la película puede decaer en algunos momentos porque no hay suficiente tensión para mantenernos alerta. Pero el terror o el suspenso son principalmente psicológicos. La actuación del protagonista oscila entre el terror exasperado y la confusión desconcertada, y donde estos matices logran crear una tensión efectiva.

‘El Hombre Perdido’, que es uno de los capítulos de la película, es un personaje complejo y me gustaron las escenas iniciales donde lo conocemos antes de que quede atrapado en este laberinto interminable. La película comienza con él con semblante sombrío en el metro, sin intervenir cuando un pasajero empieza a gritarle furioso a una mujer por no poder controlar el llanto de su bebé. No es la presentación más llamativa ni halagadora de su personaje, y verlo ignorar una llamada urgente de una mujer que suponemos que es su pareja tampoco nos hace sentir mucha simpatía por él.

Pero claro, los sucesos de la película llevan al Hombre Perdido a un viaje moral y emocional, y ver cómo la experiencia juega con él y lo transforma es realmente interesante. Sobre todo en la segunda mitad, cuando conoce a un niño que deambula por los pasillos, y las escenas con este niño se utilizan para establecer paralelismos con ciertos acontecimientos de la vida de este hombre. Fue muy gratificante ver cómo la película priorizaba el drama humano, y a la vez, desarrollaba el recurso narrativo del espacio limitante y repetitivo, ya que ambos elementos se complementan bien. Esto también contribuyó a que el final fuera satisfactorio. Es un poco abrupto, pero la escena final en sí misma fue un epílogo bien merecido, tras haber presenciado el viaje completo de un personaje.

El misterioso pasillo revela pistas cruciales. En un caso, una puerta ha desaparecido; en otro, las luces del techo están cambiadas de lugar. Cuanto más recorras el pasillo laberíntico, más piezas del rompecabezas podrás atar. De repente, te das cuenta de que el letrero da «Salida 0» ha cambiado a «Salida 1», luego a «Salida 2». De pronto, vuelve a ser «Salida 0», y te das cuenta de que has regresado de nuevo al punto inicial. Por estos detalles busque en internet, y sí, esta película es la adaptación de un videojuego.

Tal vez para algunos a ‘Exit 8’ le habría venido bien una mayor sensación de terror y un guion un poco más conciso que aprovechara mejor el escenario. Sin embargo, son los matices emocionales subyacentes los que hacen que valga la pena verla. Además de que presentan una temática y una ejecución minimalista como lo es el videojuego, por lo que estuve leyendo su artículo en Wikipedia, la cual supongo que es una muy buena adaptación. Así que, aunque no te llame la atención, te recomiendo que la veas ya que sin duda va ser parte del nuevo cine de ‘Espacios Liminales’.

Posdata: Uno de mis momentos favorito es cuando los carteles de publicidad empiezan a seguir con la mirada a nuestro protagonista.

Director: Genki Kawamura

Project Hail Mary (2026)

Proyecto Salvación

★★★★★ GRAN PELÍCULA

Hay un elemento en la capacidad del cine que nunca desaparece, sin importar cuánto tiempo pase. Ese elemento implica un verdadero escapismo hacia los rincones más recónditos de nuestra imaginación. Pienso que esto sucede especialmente en películas de ciencia ficción que tienen un buen equilibrio o una buena mezcla de diferentes temáticas.

Puede ser una mezcla entre “ET, el extraterrestre” e “Interstellar”; y también tiene elementos de “Gravity” o “The Martian”, haciendo que su historia que te atrapa al instante. Los elementos de ciencia ficción no son necesariamente nuevos, pero la forma en que se presentan es muy interesante e innovadora. Disfruté de esta película, de principio a fin.

‘Project Hail Mary’ narra la historia del profesor de ciencias Dr. Ryland Grace, quien despierta solo en una nave espacial a varios años luz de la Tierra sin recordar cómo llegó allí. Y, sinceramente, eso es todo lo que necesitas saber antes de verla.

Mientras Grace reconstruye su memoria fragmentada, descubre que el sol de la Tierra está muriendo, al igual que casi todas las demás estrellas de los sistemas circundantes. Su misión es viajar al único sistema donde una estrella no está muriendo, descubrir por qué ha sobrevivido y traer la solución a la Tierra. Para complicar aún más las cosas, sus dos compañeros de tripulación han muerto en hibernación pero no está solo. Aparece «Rocky» un extraterrestre sin rostro y con un nombre impronunciable, con quien Grace entabla amistad.

Lo que sigue es una película espacial de camaradería inesperadamente conmovedora, a veces divertida y profundamente humana, que trata sobre la soledad, la conexión y lo que realmente significa ser valiente. Está lleno de pequeños y encantadores momentos de comunicación entre Grace y Rocky, que sinceramente, espero que se conviertan en parte de la cultura popular.

Ryan Gosling está genial como Grace, aportando el equilibrio perfecto entre torpeza, encanto y heroísmo a regañadientes. Es un papel exigente (lleva el peso de gran parte de las dos horas y media que dura la película) y lo interpreta con naturalidad, manteniéndonos enganchados en todo momento. En la Tierra, ‘Sandra Hüller’ ofrece un contrapunto sereno y controlado, aportando matices y humanidad a un personaje que fácilmente podría haber resultado frío o antipático.

Los efectos visuales son igualmente notables y sorprendentemente tangibles. Gran parte de la película se basa en construcciones reales, desde los interiores de la nave espacial a escala real hasta el magnífico trabajo de los marionetistas detrás de Rocky. En una era dominada por los efectos CGI, demuestran que el espectáculo no tiene por qué sacrificar la calidad de la ejecución. Rocky, en particular, logra un equilibrio perfecto entre lo totalmente ajeno y lo emocionalmente comprensible.

Los directores Phil Lord y Christopher Miller combinan magistralmente acción, emociones, humor y le otorgan un estilo visual increíble. Sin embargo, lo mejor de todo es la emotividad de Rocky, hasta el punto de que llegas a sentir empatía por el alienígena de una forma inesperada. Los momentos más emotivos, así como los más divertidos, surgen de las interacciones entre Grace y Rocky.

Durante dos horas y media, me sentí completamente inmerso en ella. Esto es lo que el cine de gran presupuesto puede y debe ofrecer: emoción e ideas, junto con un guion sólido, una dirección brillante y una actuación central espectacular. Es la mejor película que he visto en lo que va de 2026. Es una experiencia cinematográfica conmovedora, de esas que te recuerdan por qué vamos al cine.

Directores: Phil Lord, Christopher Miller

Monster (Kaibutsu) (2023)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍] ESENCIAL

No me quiero andar de pretencioso de nombrarla como una obra maestra, pues si tal vez lo sea, pero es una película esencial por qué su temática se explora muy poco en el sentido de que los protagonistas son menores, y que su título es una metáfora sutil a lo que vas a ver.

Es una película de una delicadeza e inteligencia tales que no solo cuenta una historia, sino que te pone a prueba, primera porque es muy contemplativa en su primera parte, es decir lenta. Si superas eso, te brindara la misma historia pero con una nueva perspectiva.

A primera vista, parece un drama sencillo sobre una madre que lucha por su hijo. Saori comienza a notar cambios inquietantes en su pequeño hijo, Minato. Se corta el pelo, llega a casa sin zapatos y murmura frases extrañas.

Cuando Minato finalmente afirma que su profesor, el Sr. Hori, lo golpeó, Saori irrumpe en la escuela exigiendo respuestas. Lo que sigue es un frustrante enfrentamiento con una administración escolar rígida y un profesor que parece extrañamente distante. Pero justo cuando crees comprender la dinámica, todo da un giro inesperado.

El director desarrolla la narración en tres capítulos distintos, recreando los mismos acontecimientos desde diferentes perspectivas: la de la madre, la del maestro y, finalmente, la de los niños. Lo que comienza como la búsqueda de un villano se transforma en una compleja exploración de la facilidad con la que nos malinterpretamos.

Lo que más me llama la atención de esta película es cómo manipula la perspectiva. La historia nos obliga a confrontar nuestros propios prejuicios. La película nos obliga brillantemente a preguntarnos: ¿Quién es el verdadero monstruo? ¿Es el profesor? ¿La madre sobreprotectora? ¿O somos nosotros mismos quienes, al juzgar precipitadamente sin conocer toda la verdad, nos precipitamos a juzgarlo? Esta última pregunta fue una metáfora sutil que me encantó de la película.

Sin embargo, el núcleo emocional de la película reside en los niños, Minato y Yori.

Mi lado optimista anhelaba un final más feliz y convencional. Deseaba una resolución clara donde todos estuvieran a salvo y bajo la luz del sol. Pero Kore-eda nos ofrece algo más complejo: algo hermoso, devastador y profundamente humano.

Es una muestra de la maestría de la película que evoque un instinto tan visceral. Uno desea protegerlos de la confusión de sus propios sentimientos y de la dureza del mundo que los rodea. Aunque sé que estos personajes son ficticios, el impulso de velar por su seguridad se sintió increíblemente real.

Monster nos recuerda que a veces lo más aterrador no es un villano, sino la incapacidad de comunicar nuestra verdadera esencia a quienes amamos. Es una obra maestra de empatía a su manera que perdura en la memoria y con muchas preguntas mucho después de que allá acabado la película.

Director: Hirokazu Kore-eda

The Hate U Give (2018)

El odio que das ★★★★½ (ESENCIAL)

Director: George Tillman Jr.

Yo no sabía, así que investigando en Wikipedia,  "The Hate U Give" se basa en el galardonado libro de Angie Thomas sobre Starr Carter (Amandla Stenberg), una adolescente afroamericana que presencia el tiroteo policial fatal de un amigo cercano. Al igual que la aclamada novela, la película trata con franqueza y poder con la raza y el racismo. También aborda la tensión entre la policía y las comunidades a las que se supone que deben servir y proteger, y las diferencias entre los adolescentes que crecen en los vecindarios predominantemente afroamericanos y los de los barrios blancos ricos. Los momentos de violencia y drama son potentes.

Starr Carter (Amandla Stenberg), quien explica que siente que vive dos vidas. En el primero, es parte de una familia amorosa en una comunidad predominantemente negra en el vecindario desatendido de Garden Heights. En el segundo, ella es "Starr 2.0", una de las pocas niñas de color en Williamson Prep, una escuela privada elegante en el lado opulento de la ciudad. Ella nunca se siente bien allí, pero hace lo mejor que puede: es popular, juega al baloncesto y tiene un romance con Chris (KJ Apa), quien es blanco. Pero luego la vida de Starr toma un giro trágico después de que ella abandone una fiesta en casa de Garden Heights con su amigo de la infancia, Khalil, que ha sido detenido por la policía por una razón aparentemente innecesaria. Cuando Khalil alcanza el auto para un cepillo, el oficial dispara, fatalmente. Starr está traumatizado por la muerte de Khalil y decide no hacerlo público como testigo. Pero después de que la historia se vuelve nacional, Starr se siente en conflicto por cómo responden sus compañeros de clase de preparación y cómo se representa a Khalil en los medios de comunicación. Así que ella vuelve a evaluar su decisión de hablar en nombre de su difunta amiga.

Propulsado por el rendimiento de Stenberg y un reparto excelente, esta es una de las raras adaptaciones que se adaptan a su fuente, ofreciendo una poderosa exploración de la raza, el racismo y el activismo. A partir de un guión adaptado de Audrey Wells, el director George Tillman captura el espíritu de la novela de Thomas, dando a los lectores y espectadores mucho que desentrañar. La película comienza con el padre de Starr, Maverick, dando a sus hijos "la conversación", no sobre sexo sino sobre cómo actuar cuando están cerca de la policía. Uno de los mejores aspectos de la película es cómo el apoyo y el amor a la familia Carter son: Maverick, quien es dueño de la tienda de comestibles local; mamá Lisa, una enfermera en una clínica local; Starr; y sus hermanos Seven y Sekani son una unidad muy bien configurada. El amado tío de Starr, Carlos, es un oficial de policía que se mudó de Garden Heights, agregando capas de complejidad a la situación. Completando el elenco fabuloso están  Issa Rae como abogado / activista de justicia social y Anthony Mackie como el jefe de una pandilla de Garden Heights que tiene un historial con Maverick. No hay una nota falsa entre el reparto, y Hornsby y Hall son particularmente efectivos como los padres de Starr.

Es una película ideal para ver con adolescentes: no hay nada tan tímido como para que los padres la puedan manejar mientras están sentados junto a sus hijos, y luego hablar con franqueza. Puede discutir todo, desde qué hacer cuando un partido se vuelve peligroso hasta cómo lidiar con un amigo de buen tiempo, para asuntos aún más grandes y problemáticos de racismo institucional, la tensión entre la policía y las comunidades a las que tienen que atender, y cómo la clase y el privilegio afectan la forma en que vemos a la policía y la raza en Estados Unidos. Porque es tan provocador, The Hate U Give no es el tipo de película adolescente escapista que te ayuda a alejarte del ciclo de las noticias. Esta película, como el libro que la inspiró, es más que un tiroteo policial; se trata de hablar en contra de la injusticia; curando heridas; la importancia de la familia, encontrar verdaderos amigos y unir comunidades; y, para los padres, apoyar a los niños mientras encuentran su voz.

Esta película se ocupa de temas pesados e increíblemente complicados de brutalidad policial, igualdad social y crecimiento en un mundo dividido, y sigue siendo una historia para y sobre los adolescentes para los que se escribió el libro la autora y que son algunos de los más destacados. Jóvenes políticamente activos en la memoria reciente. Pero también podría decirse que es la historia más importante que haya visto en los últimos años, aquí para recordarnos que las batallas pueden perderse, pero tenemos que seguir ganando la guerra para que nuestros hijos no reciban el odio que tantos tuvieron.

La película tiene algunos  defectos en su conclusión. Los últimos momentos de la película son irrealmente optimistas. Eso puede ser de su material fuente. Tal vez evite ser demasiado sombrío. A lo largo de la película, se toma su tiempo para dar una visión de un problema social complejo. Pero al final, las cosas se unen demasiado bien. Aun así, la película está inteligentemente planeada. 

Por ultimo formulo algunas preguntas que pueden ser interesantes y que todavía trato de responder:

¿Cómo muestran Starr y los otros personajes el coraje  y la compasión a  través de sus palabras y acciones? ¿Cómo trata la película el racismo / temas relacionados con la raza? ¿Qué crees que quiere decir Lisa cuando dice que "los blancos quieren diversidad pero no demasiada diversidad"?

Los teléfonos desempeñan un papel importante en la historia, tanto para la comunicación como para registrar eventos importantes. ¿Cómo le da el teléfono de Starr su poder en una situación en la que de otra manera no tendría ninguna? ¿Qué piensas acerca de cuánto tiempo pasan los niños, y los adultos, en los dispositivos? El internet "masivo" ¿Es influencia realmente neutral? ¿O también influye en personas con ideales de ambos extremos?

*Posdata: Me quedo con la frase: "El odio que las das a los niños nos jode a todos"


-- Visto en Marzo del 2019 —

Tekkonkinkreet (2006)

★★★★★ (ESENCIAL)

Director: Michael Arias

Este anime me tomó por sorpresa. Al principio noté  que el arte es magnífico y genial, al igual que la animación, pero luego la historia evolucionó y me tomó desprevenido. 

Blanco y Negro: así se llaman los dos personajes principales; ambos son delincuentes de la calle que viven fuera de un viejo y oxidado automóvil usado en el paisaje urbano de la ciudad llamada la Ciudad del Tesoro. A pesar de ser simples niños, dominan el violento vértice de esta ciudad, sus actos son temidos por matones, policías y yakuza. Como queda claro de inmediato, que Negro y Blanco no son en absoluto niños normales; Para empezar, pueden volar (arte surrealista), pero sobre todo, están definidas por sus excentricidades emocionales.

Negro es solo eso; un matón de sangre fría y sediento de sangre que busca pelea constantemente; su atracción por la violencia limita con el sadismo, y a menudo, se lo puede ver con un cuervo gigante posado en su hombro, las aves que comen carne y se alimentan de la basura humana que simboliza sus puntos de vista pesimistas sobre la vida. Su amigo Blanco es exactamente lo contrario; Optimista, inocente y que ríe constantemente, sueña con un futuro fuera de la ciudad; Una visión de mares azules y arena dorada. Blanco y Negro viven el uno para el otro; Negro protege a Blanco de las violentas corrientes subterráneas de la ciudad, mientras que la propia existencia de Blanco ancla la verdadera vida de Negro en la oscuridad.

La trama es simplemente un medio para ese fin, y francamente, no es tan importante. La Ciudad del Tesoro está siendo arrollada por una franquicia de parques temáticos sin escrúpulos, y por lo tanto, necesitan deshacerse de los niños delincuentes que asustan a los turistas. Desafortunadamente para ellos, Negro ve a la ciudad como su ciudad también, y su implacable intención de causar problemas comienza en lo que es un decente gradual hacia una locura violenta. La caracterización desgarradora se extiende a todo un elenco de inadaptados, entre ellos una ex-yakuza con cicatrices que luchan contra la ola de violencia para forjar un futuro mejor para su novia embarazada. Al principio de la película, este mismo yakuza muestra su racha profesional cuando le quita alegremente las orejas a un desafortunado.

La caracterización trágica y emocionalmente intensa está bien equilibrada por secuencias extendidas de acción brutal y cinética, y no menos importante una escena de apertura de estilo Akira que ve a Negro y Blanco persiguiendo a un grupo de delincuentes rivales a través de coloridos tejados y el tráfico de la ciudad. Los saltos, giros y patadas que desafían a la gravedad están bien complementados por una emotiva música electrónica. Cabe destacar que la música realmente captura los elementos hermosos y surrealistas de Tekkonkinkreet, los sueños caprichosos de un futuro cargado de flores totalmente en desacuerdo con la metrópolis urbana desbordante de la Ciudad del Tesoro.

Un verdadero esfuerzo tridimensional; El excelente Tekkonkinkreet es una película gratificante y emocionante que ofrece momentos agridulces de amistad y familia, moral y lealtad, ambientados en un mundo implacablemente violento y cruel dominado por la industria y el capitalismo. Animada con hermosa perfección y estilizada hasta el punto del surrealismo, es una película de gran apariencia que explota y aprecia las contradicciones inherentes del espíritu humano.

El arte es increíble. Cada escena es increíblemente hermosa. Los fondos se detallan tan bien que ocasionalmente pause la pantalla solo para admirar su belleza. El arte es probablemente el mejor que he visto en un anime y los detalles están bellamente renderizados. El estilo de los personajes es ligeramente minimalista. En comparación con los fondos, los personajes están muy desnudos, pero esto se adapta perfectamente a la sensación. Los personajes encajan muy bien con los fondos e interactúan con el mundo tan bien. El arte es absolutamente hermoso. Cada escena de animación es hermosa. Hay tantas secuencias que me han dejado sin aliento, nunca hay una escena entrecortada, ninguna escena se siente torpe. La animación es perfectamente fluida y no puedo expresar lo increíble que es, hay que verla para creerla. Lo único que pensé que estaba perfectamente hecho era cómo el arte y el estado de ánimo del anime chocaban maravillosamente. Los colores son muy brillantes y vívidos, y si realmente no estuvieras prestando atención, pensarías que este es un animado muy brillante y feliz. Pero el anime es oscuro, es bastante oscuro y el arte solo muestra esa oscuridad a ciertos intervalos, pero en su mayor parte el anime es brillante y colorido, mientras que el ambiente es siniestro.

Si no lo has notado ya, me encanta este anime, es completamente perfecto. No hay una escena aburrida o sin sentido. No hay personajes sin sentido, cada personaje es único y humano. Kinkreet es muy original y realmente hace un trabajo increíble con todo lo que hace. No puedo expresar lo agradable que es este anime, realmente necesitas verlo por ti mismo. 

Si esto no está en la parte superior de tu lista para ver, ponlo allí. Creo que para apreciar este anime tienes que ver un anime terrible y sorprendente. Para mí hay muy, muy pocos anime perfecto, me costaría mucho listarlos en mis manos. Sin embargo, este anime está tan cerca de la perfección que yo mismo lo llamaría perfecto. Ver este anime reconfirma las razones por las que comencé a ver anime en primer lugar.

Aunque no es para todos los públicos, descubrí que 'Tekkonkinkreet' es una película animada impresionante que envuelve la filosofía dentro de un cuento de hadas moderno para producir una experiencia totalmente única. Los fanáticos del anime no deberían dudar en echarle un vistazo.

-- Visto en Marzo del 2019 —

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)

★★★★★ (INNOVADORA)

Directores: Peter Ramsey, Robert Persichetti Jr., Rodney Rothman

Una de las mejores películas de animación que he visto en los últimos años y una de los mejores películas del Hombre Araña que se ha hecho jamás ¡Impresionante! la calidad visual tan fresca, innovadora y de un estilo casi único, además de contener acción espectacular y comedia justa para un personaje tan peculiar como Spider-Man. Sinceramente lo he disfrutado como un niño y ha sido de esas películas que siempre has estado esperando ver toda tu vida. ¡Gracias Sony! ¡Realmente lo hicieron!

Justo cuando crees que no pueden hacer nada nuevo con las películas de superhéroes o la animación: ¡boom! ¡Spider-Man: Into the Spider-Verse entra en escena! Miles Morales está comenzando en una escuela chárter de la Ciudad de Nueva York en un programa de aprendizaje avanzado, pero tanto ser desafiado como ser el nuevo niño fuera de casa lo asusta. Su tío Aaron complace el lado creativo de Miles como una salida, lo que lleva a un lugar clandestino para un poco de arte callejero .. y un encuentro casual con una araña "inusual". Cuando Miles exhibe nuevas habilidades extrañas, regresa para investigar la posible causa, solo para descubrir que su "último" amigo Spider-Man está luchando contra los malos para apagar un acelerador de partículas subterráneo capaz de rasgar un agujero en todas las dimensiones. Pero ya es demasiado tarde...

La película en sí es una carta de amor a cincuenta años de historias, películas y animación de Spider-Man en todas sus encarnaciones: un verdadero cómic en vivo en la pantalla. Es ambicioso, es increíble y funciona muy bien. 

Esta frenética narración puede ser difícil de seguir para algunos espectadores; más de unos pocos elementos visuales podrían incluso ser desencadenantes límite para los epilépticos: Los Incredibles 2 obtuvo esa advertencia por su secuencia de coincidencia de jaula de efectos estroboscópicos a principios de este año. Sin embargo, tener tanta historia en la que basarse no impidió que el equipo de diseño creara una de las mejores secuencias de animación creadas en el cine, te lo juro que no recuerdo otra parecida. Pero si nos dirigimos al Anime, lo puedo comparar con el episodio 6 de Mob Psycho II. Hablando visualmente, diferente a todo lo que se hace hoy en día, engancha de inmediato al espectador y lo recompensa constantemente con creaciones únicas y hermosas. Todos estos elementos, además de su conmovedor mensaje de definir a un héroe, se fusionan de manera espectacular para crear una experiencia cinematográfica singular que dejará al público riendo, deslumbrado y sus mentes expandiéndose como lo hicieron una vez hace muchos años.

No se puede decir lo suficiente sobre la belleza y la singularidad de la animación en. La estética es una colisión entre cómics, pop art, grafiti, anime y videojuegos que suena ajetreado y horrible, pero produce algunas imágenes y secuencias verdaderamente inspiradoras. Este particular sentido del estilo inyecta de inmediato la película con su propia vibra y su fuerza gravitatoria, ya que los ojos de los espectadores no pueden evitar captar toda la acción inventiva o el hermoso encuadre. Los sutiles puntos del Día de Ben, los efectos de sonido y las leyendas narrativas de "Batman '66" evocan el sentimiento real de un cómic, pero con una energía renovada que se parece menos a un trasplante incómodo que a un sentimiento de ser absorbido por este paralelo. En muchos sentidos, esta es la mejor película animada del año. Quizás lo mejor en varios años. Por un lado, hace algo nuevo, algo único con su animación. Los estilos visuales chocan aquí como los universos chocan: de una manera que es a la vez peligrosa y sinérgica, complementaria pero chocante, lo familiar repentinamente teñido de extraño. Si las películas animadas parecen haber olvidado lo visualmente aventureras que pueden ser, Spider-Verse es un enorme recordatorio.

Al igual que Deadpool, Into the Spider-Verse plantea la pregunta de si se trata de una comedia directa, una película de acción con un fuerte tono de comedia, o algo realmente poco convencional. Por supuesto, después de un par de Deadpool, lo extraño es menos extraño, aunque todavía no se ha convertido en algo común. No estoy seguro de querer que cada película de superhéroes esté llena de bromas, sátiras autorreferenciales y grietas en la cuarta pared. Funciona aquí, como lo hizo en The Lego Movie porque la irrealidad de la animación permite a los cineastas una mayor libertad de lo que sería posible en una aventura de acción en vivo.

Permitiré que alguien con una sólida comprensión reciente de la franquicia cómica de Spider-Man ponga Into the Spider-Verse en ese contexto. Sin embargo, como película independiente, es muy divertido y hace lo suficiente para satisfacer a aquellos para quienes la continuidad y el canon son importantes. Como un destino de vacaciones apropiado para la familia, es más rudo y enérgico, y como resultado, puede ser más atractivo para la generación de jóvenes de hoy. Into the Spider-Verse es una forma fresca y alegre de dirigir el género de superhéroes y un testimonio del atractivo y la versatilidad del personaje principal.

Esta para mí, aparte de Roma, ha sido una de las mejores películas del año. Es un gran logro. Más allá de ser una maravilla técnica, me doy cuenta que el año pasado nos entregaron grandes títulos de animación. No sé cuánto tiempo para ver otra película de animación tan inventiva como esta.

*Posdata: El cameo de Stan Lee, uno de los últimos que veremos, es mágico. Aquí, él es dueño de una tienda de mercaderías, vendiendo el traje de Miles a Spider-Man. Cuando Miles comenta que el traje es demasiado grande, Stan dice: "Te convertirás en él". Y hombre, ¿quería llorar en ese momento? Into the Spider-Verse nos lleva a un pico que creíamos que ya se había alcanzado, donde ahora podemos ver varios más esperándonos a escalar.

-- Visto en Marzo del 2019 —

Manchester by the Sea (2016)

Manchester junto al mar ★★★★ (GRAN PELÍCULA)

Director: Kenneth Lonergan

Hay muchas formas en que una película puede ser genial. Puede presentar una gran estética u ofrecer grandes actuaciones o contar una gran historia. Puede ser divertido o triste o emocionalmente cargado o simplemente hermoso. Puede transportarte mientras estás observando y dejarte pensando mientras te sigue a casa. Cualquiera de estas cualidades puede ser una gran película, pero es una película rara que puede hacer la mayoría o todas estas cosas.

"Manchester by the Sea" es una película tan rara. Escrito y dirigido por Kenneth Lonergan, narra la historia de un hombre cuyo pasado y presente chocó en un desastre de tragedias actuales y recordadas, un hombre que hace mucho tiempo se dijo a sí mismo que era incapaz de la verdadera responsabilidad y que no era digno de amar.

Lee Chandler (Casey Affleck) es un conserje a cargo de cuatro edificios de apartamentos en Quincy, que trabaja por un salario mínimo más una habitación. Vive una existencia triste y solitaria, con sus principales interacciones interpersonales que consisten en solucionar los problemas de los inquilinos y elegir peleas en bares locales.

Cuando el hermano de Lee, Joe (Kyle Chandler) muere, Lee deja todo para regresar a Manchester para ayudar a poner en orden los asuntos de su hermano. Cuando lo hace, recibe una noticia impactante: Joe ha declarado a Lee como su elección para la tutela de Patrick, el hijo de Joe de 16 años (Lucas Hedges).

Y así, Lee deja su trabajo para mudarse a Manchester y ayudar a su sobrino. Pero los recuerdos pueden ser largos en ciudades pequeñas, particularmente cuando hay sombras oscuras en el pasado. Lee se ve obligado a enfrentar no solo su lucha por conectarse con Patrick, sino también las tragedias pasadas, incluidas las tristes circunstancias que llevaron al final de su matrimonio con su esposa Randi (Michelle Williams).

Patrick es un adolescente haciendo cosas de adolescente; Lee tropieza cuando trata de determinar cómo ser la figura paterna que necesita el chico, y si es capaz de ser un padre.

Con frecuentes flashbacks de puntos de inflexión en el pasado, Lee recorre este nuevo camino con los ojos bajos, alimentado por la lealtad y la vergüenza y un amor que no puede expresar o explicar. Hay muchos fantasmas en esta ciudad y en el agua, fantasmas que han perseguido a Lee durante años, y ahora no hay forma de escapar de ellos. Los recuerdos tienen peso en Manchester, un peso bajo el cual Lee trata de sostenerse desesperadamente.

"Manchester by the Sea" es algo poderoso. No se tiran golpes emocionales; las emociones aterrizan casi naturalmente a la audiencia. El mundo de la película está poblado por personas reales y complejas: cada personaje que aparece en pantalla se siente genuino. Y esas personas genuinas engendran relaciones genuinas que engendran interacción genuina; el resultado final es una historia conmovedora llena de emociones poderosas y empatía ganada. Y también hay momentos de ligereza, que sirven como un buen contrapeso a la agitación emocional.

Kenneth Lonergan demuestra su innegable talento que se manifiesta con toda su fuerza con esta película; es una obra bellamente construida, impulsada por una encantadora sensación de claridad y la voluntad de tratar el silencio como su propio tipo de diálogo. Es a la vez conmovedor y puntiagudo, ofreciendo un poder narrativo matizado más allá de todos, pero un escaso puñado de las ofertas cinematográficas de este año.

Affleck es simplemente excepcional aquí. Su actuación como Lee es casi asombrosamente grande, y le da al hombre una calidad silenciosa que encarna el tipo de estoicismo de una pequeña ciudad que representan lugares como Manchester. Podría sentarse a cuestionar la idea de que Casey Affleck puede producir una actuación digna de un Oscar, pero se preguntará cómo podrían elegir a cualquier otra persona. En serio, es tan bueno.

Hedges es fantástico como Patrick, que explora las profundidades de la psique adolescente para darnos un retrato realista del dolor de un hombre joven y su posterior recuperación. Es dulcemente vulnerable y encantadoramente profano, con su corazón (y su dolor). Chandler es genial en los flashbacks como Joe, cálido y atento con el toque justo de salinidad. Williams podría ser una de nuestras actrices de cine más subestimadas; ella es excepcional aquí Y actores talentosos como Gretchen Mol y Matthew Broderick también aparecen en algunas escenas.

"Manchester by the Sea" es genial en todos los sentidos, es posible que desee que una película sea genial. Es emocionalmente atractivo, inteligente, trágico y tristemente divertido. Es hermoso a la vista, lleno de actuaciones exquisitas. Es crudo y verdadero y desgarrador. También es fácilmente una de las mejores películas de la década. 

-- Visto en Febrero del 2019 —