Temporada de patos (2004)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Filmado en blanco y negro, algunos paisajes urbanos y un apartamento íntimo donde la etapa indefinida entre la infancia y la madurez está atrapada. Es como una máquina del tiempo, y más la canción de Lafourcade ‘Un pato’, para disfrutar o contemplar el minimalismo de esta película.

El blanco y negro evoca el aburrimiento, captura la apatía de una generación del nuevo milenio casi atemporal, con un ingenio y siendo sutil. Dos chicos de catorce años en un apartamento de clase media en la Ciudad de México están solos en casa, matan el tiempo comiendo comida chatarra y jugando videojuegos. Un repartidor de pizzas que se queda a discutir sobre el pago con los chicos en el apartamento y una chica de dieciséis años que es la vecina de al lado que se queda en el apartamento a hornear porque su horno no funciona, además de que se siente sola.

Puede ser una película aburrida, pero también es contemplativa. El director Fernando Eimbcke aprovecha al máximo el espacio cerrado y el entusiasmo de sus actores relativamente jóvenes para hilar una serie de escenas curiosas que en conjunto dan forma a una historia ingeniosa y minimalista. También logra introducir referencias a problemas sociales como: la desintegración familiar, la confusión sexual, la precariedad de los servicios públicos y el estancamiento del mercado laboral. El barrio destartalado y los apartamentos casi como un confinamiento se convierten en un telón de fondo lleno de matices para una historia de transición de la niñez a la adolescencia.

Los dos chicos se muestran frescos y naturales en sus papeles de jóvenes solos en casa, reflejando más la realidad que las típicas formas de representar a los adolescentes. El papel del repartidor de pizzas, protagoniza los momentos cómicos y cargados de emotividad por el trasfondo de su vida. Y la vecina le añade ese despertar en la atracción sexual de uno de los chicos, el cual pudo haber sido la primera experiencia de muchos chicos a esa edad.

En cuanto al guion, su estructura destaca por su ritmo de quietud y dramatismo con profundidad emocional sutil, generando una dinámica entre los cuatro personajes que se intensifica en torno a su constante necesidad de buscar, jugar y llenar su tiempo libre. La escena donde los chicos disparan sus escopetas de juguetes rompiendo vidrios y porcelanas, representa el cuestionamiento que hacen a las figuras de autoridad en sus vidas (padres y jefes, en el caso del repartidor de pizza). Ofreciendo una mirada sosegada pero radical de la vida cotidiana de la clase media mexicana o latinoamericana, no optando por el camino de las narrativas de aspiración o lucha de clases.

Temporada de patos ofrece un retrato atemporal de la amistad, la soledad y las pequeñas rupturas que nos moldean. Con un presupuesto limitado o hasta precario que no impidió el ingenio y la creatividad del director. Cuatro personajes, una sola locación, una paleta monocromática y un guion astuto. Para muchos puede ser un clásico del cine independiente latinoamericano, para otros como una obra de culto, demostrando que lo que se necesita en el cine es la audacia de explorar el contraste contradictorio en la contemplación de la vida cotidiana a través de la inmadurez necesaria y la rabia adolescente.

Posdata: Incluye una versión en español de una canción bossa nova “O Pato” de João Gilberto, interpretada de manera genial por Natalia Lafourcade.

Director: Fernando Eimbcke

Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023)

A través del Spider-Verso ★★★★½ ✂ [👍]

Hay mucho que analizar en esta película, y si bien el guion hace un buen trabajo al presentarlo todo, es el trío de directores quienes realmente merecen elogios por guiar este viaje de superhéroes, ya que nunca se siente tan larga y tiene un ritmo relativamente bueno. Siempre hay algo que ver, algún personaje excéntrico, otro que aprende algo o algún tipo de gran revelación. Por lo tanto, la película logra mantenernos (a los que les gusto) interesados en ella y hace un gran trabajo al mantener esta secuela de Spider-Man atractiva y entretenida de principio a fin.

Por sus temas y conceptos morales, logra integrar de buena manera estos mensajes en la narrativa principal sin que resulten forzados. En realidad, los temas de la película son el corazón de su narrativa, mostrando la relación causa-efecto de las situaciones y cómo algunas cosas están predestinadas o predeterminadas y no pueden alterarse. Sin embargo, también es cierto que algunas cosas pueden cambiar, como se ve en el viaje de Miles, y la aceptación de las diferencias puede ser la clave para la salvación. Es una secuela que cumple con su premisa: una épica multi-versal (en su primera mitad) que se mantiene fiel a los personajes y la mitología de la película anterior, a la vez que desarrolla una aventura épica.

Su estilo visual se expande al mostrar nuevos escenarios y lugares, especialmente la ciudad inspirada en la India para Nueva York, llamada "Mumbahattan", y el vasto paisaje donde la Sociedad Arácnida llama hogar del universo de Miguel O'Hara. El diseño de producción, la dirección de arte, el diseño de los personajes y su vestuario, y la animación ayuda a elevar la valla para las películas animadas venideras. Además, la dirección de la película también da lugar a algunas tomas cinematográficas increíbles e impresionantes que continúan construyendo sobre una gran dinámica de diferentes estilos de animación. La banda sonora es genial a lo largo de toda la película y sin duda aporta la estética de superhéroes modernos, haciendo su acción trepidante y con momentos más tranquilos o contemplativos.

El principal antagonista de la película, la Mancha, un antiguo científico convertido en super-villano tras un accidente (causado por Miles), cuyo cuerpo ahora está cubierto de portales inter-dimensionales. Empieza como una amenaza criminal de bajo nivel, pero después se convierte en una amenaza mucho mayor para todos los personajes y en el villano principal de este conflicto multi-versal. Además de que la Mancha es visualmente impresionante donde no tengo dudas de la influencia del anime, porque sus poderes con esa aura de poder y resplandor es muy característico del 'shonen'.

Otra influencia muy marcada es el gran impacto que ha tenido ‘Deadpool’ principalmente con sus dos primeras película, por opinión personal más la segunda, que en cierta manera revolucionó el cine de superhéroes al demostrar que el público masivo conectaba profundamente con el humor ácido, la ironía y la irreverencia. Si bien personajes como el Spider-Man de Miles Morales no replican el contenido adulto de Deadpool, sí heredaron y adaptaron su agilidad mental, el uso de la comedia meta e irónica, y la deconstrucción del género.

Antes de Deadpool, las películas de superhéroes tendían a tomarse muy en serio o a usar un humor más blanco y tradicional. Deadpool popularizó la ruptura de la cuarta pared y el chiste "meta" (reírse de los propios clichés del cine de cómics). El impacto en la saga animada comenzando con “Spider-Man: Into the Spider-Verse” (2018), el uso de la voz en off, los chistes sobre el origen del personaje, y la constante burla a las dinámicas de los superhéroes clásicos son una evolución directa de esa autoconsciencia que Deadpool demostró que era comercialmente viable. Esto abrió la puerta para que personajes como Miles Morales pudieran mostrarse vulnerables, cometer errores graves, admitir que no quieren ser héroes en ciertos momentos y lidiar con el fracaso de una manera mucho más humana y terrenal. Y esa personalidad irreverente también se ve en la Mancha, que ascendió a nivel Deadpool porque tiene una personalidad divertida cómica a su manera, y hasta lo mismo se podría decir del ‘Spider-Man Punk’.

La parte dramática no me convence del todo, yo sé que está abarcando una temática universal y familiar, pero Miles Morales a pesar de que tiene 15 años, su personalidad es de alguien de 30 para la sociedad de hoy, eso no se puede negar, donde quizás se hubiese jugado con eso también. Me he dado cuenta (según mi percepción seguramente errada) que de manera meticulosa la temática del “maternalismo” empieza a ser repetitivo y algo simplón en sus escenas, los de Sony saben que puede causar aburrimiento incluso rechazo porque es un tópico monótono y cliché, pero lo saben sobrellevar con la comedia y la revelación de algún secreto. El giro de guion en el tramo final fue genial, y deja muy claro una tercera entrega.

Sin duda fue una de las mejores películas de ese año, y si quieres disfrutarla aún mas aunque igual lo vas a disfrutar, tienes que ver la anterior película, para que algún detalle no se te pierda en el camino, especialmente en el suspenso del final.

Directores: Joaquim Dos Santos, Kemp Powers, Justin K. Thompson

LAS MEJORES CANCIONES DE JUNIO 2026

Artistas como Olivia Rodrigo, Charli XCX o Tyla siguen consolidándose a pasos agigantados, y lanzado también discos consistentes.

Hubiese querido que haya más canciones pero supongo que por la distracción del mundial de futbol, ensombreció a muchos artistas del mes. Espero que conforme pase los meses, esta lista de canciones se incremente.

18. "Hateful"

Liquid Cross

17. "369"

Nu Jazz

16. "Song For November"

ostraca

15. "Contentious Environment" [From ''The Invite'']

Dev Hynes

14. "Yellow Sun"

Downtown Boys

13. "Sensación"

Helado Tropical

12. "Mercury"

Upper Wilds

11. "Dis-le"

Angèle

10. "Talento"

Lido Pimienta

09. "Cotton"

Vince Staples

08. "Boogie's in My Soul"

Chaka Khan feat. Snoop Dogg

07. "Mi Concha"

Downtown Boys

06. "On Your Mind"

FKA twigs feat. Lil Yachty

05. "Autosmile"

@

04. "NOTA"

Paloma Mami, Cris MJ

03. "IS IT LOVE"

Tyla

02. "Wink Wink"

Charli XCX

01. "stupid song"

Olivia Rodrigo

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Truman (2015)

-☆☆☆☆☆- [sin calificación] [👍]

Una película contemplativa, lenta y bien hecha.

Dos amigos de la infancia se reencuentran tras años sin verse. Separados por el océano Atlántico, han forjado sus vidas en continentes distintos, pero al reencontrarse sienten como si nunca se hubieran separado. Julián (Ricardo Darín) y Tomás (Javier Cámara) pasarán unos días inolvidables juntos: riendo, recordando, llorando, porque su reencuentro es también su última despedida. Es una elegía a la amistad y al amor. Un retrato sincero del valor que se necesita para aceptar que la muerte es solo una parte más de la vida.

Es raro encontrar una película que retrate con tanta convicción la sinceridad y la profundidad de una amistad masculina duradera, y es mérito de ambos actores.

Fue interesantes los diferentes escenarios utilizados para explorar los temas principales. Los cuatro días de la visita de Tomás, Julián se encuentre con un considerable número de personas clave que han influido en su vida. No solo llegamos a comprender su relación con Tomás, sino también con su hijo, su ex-esposa, sus supuestos amigos y aquellos a quienes lastimó.

El hecho de contar con el talento combinado del español Javier Cámara y el argentino Ricardo Darín debería ser razón suficiente para que el público del cine de autor busque este tierno drama sobre un querido actor que debe reconciliarse con varios problemas existenciales, como encontrar un hogar para su perro, antes de despedirse en sus propios términos. Si bien no es que sea algo revolucionario, consigue algunos momentos interesantes y conmovedores.

Ambos actores tienen una relación casi íntima y cordial, el director se toma su tiempo para manejar su reintroducción, con el fiel perro de Julián, Truman, como catalizador (en lugar de los logros profesionales de Julián o sus relaciones pasadas) de los momentos más sinceros de la película. Decidir con qué familia o persona dejar a Truman se convierte en la última gran misión de Julián. Del mismo modo, un momento inesperado en un restaurante con un hombre al que una vez engañó conserva ese mismo anhelo de dejar el mundo mejor de cómo lo encontró. Estos momentos suelen funcionar mejor que algunos de los diálogos más filosóficos o reflexivos de Julián. Una cosa es llenarse de palabras reflexivas y otra pasar a la acción.

Javier Cámara tiene el personaje más difícil de desentrañar, aunque se desarrolla una sutil simpatía en sus escenas con personajes secundarios, como la prima de Julián, Paula, interpretada por la actriz ‘Dolores Fonzi’. Esto da pie a un romance casi improbable, que permite a estos personajes liberar algo de angustia distrayéndose con el placer.

El ‘Truman’ del título es su querida mascota, a la que necesita encontrar un hogar pronto antes de que ya no pueda cuidarlo. Los dos amigos visitan un par de posibles hogares, pero nunca es una parte de la historia que resulte creíble, pareciendo más un recurso para hacer avanzar la trama que un elemento convincente del desenlace de Julián. Incluso parece olvidarse del perro por un tiempo, centrándose en Julián, Tomás y la prima, Paula. Cuando el animal reaparece al final, sirve para brindar un cierre para el duelo y la aceptación. Si bien el tiempo que pasamos con el animal, por muy adorable que sea, aporta poco, no ocurre lo mismo con Julián y Tomás, quienes capturan la experiencia de enfrentarse a lo inafrontable y reconectar después de que sus vidas los hayan llevado por caminos diferentes. Esto es más que suficiente para que Truman valga la pena verla.

Director: Cesc Gay

Coneheads (1993)

Los Coneheads ★★½ [👍] [👎] MIXTO

Comedia absurda, por momentos curiosa aunque se nota que su estilo ha envejecido algo mal. Me sorprendió ver a Adam Sandler y al actor que hacía del hermano de Saul Goodman en ‘Better Call Saul’, Michael McKean. Ahondan en temáticas como la inmigración, la adaptación social específicamente a la clase media estadounidense con su hija adolescente rebelde, todo ello usando la parodia y comedia. La escena del dentista fue extravagante pero me gusto. Eso sí, hubo un montón clichés de películas ochenteras o noventeras de comedia. El factor nostalgia sigue presente al verla, porque fue de las primeras película de comedia que vi, habré tenido 5 o 6 años y lo vi por TV en el año 1999 o 2000.

En esta película aparecen comediantes famosos, algunos quienes reconocí principalmente por su rostro: Chris Farley, Michael Richards, Sinbad, Ellen DeGeneres, Eddie Griffin, Jason Alexander y por supuesto Adam Sandler; estoy seguro que hay muchos más pero mi conocimiento de comediantes yanquis no es tan basta que digamos. Ninguno de estos actores busca protagonismo, lo que hace que sus apariciones sean divertidas. Durante toda la película uno puede decir: ¡Oye, conozco a ese actor, lo vi en otras películas! XD.

Ver a extraterrestres de aspecto extraño, obviamente lo que más llama la atención son sus cabezas, afirmar ser de Francia, hablar con un tono monótono y usar un vocabulario de formalismo casi robótico al del lenguaje cotidiano para expresar las ideas más básicas ya resulta gracioso a su manera. Su concepto al mostrar cómo un par de extraterrestres varados intentan integrarse en la vida urbana y suburbana de Estados Unidos da lugar a todo tipo de situaciones cómicas.

Tal vez su potencial cómico se vio limitado dado que los chistes tienen poco tiempo para desarrollarse. Sobre todo al principio, hay poco tiempo para asimilar un chiste antes de que pasen al siguiente. Pero lo compensan con los temas que abordan: La fidelidad conyugal, el romance adolescente, la aplicación de la ley, los debates religiosos y la inmigración ilegal, aunque generalmente lo tratan de forma superficial y cómica. Eso sí, su parodia a la ciencia ficción pone una puesta en escena de viajes espaciales, sociedad extraterrestre y una pelea de monstruos con stop-motion.

Desafortunadamente, Coneheads al ser una comedia resulta mediocre ya sea por buscar el chiste más básico, la cual no tiene nada de malo, pero no está bien ejecutado, y hay que decirlo también, el paso de los años no lo ha beneficiado. Más allá de su uso del humor escatológico, los chistes restantes de la película se vuelven bastante predecibles y caen en un patrón repetitivo, donde los malentendidos sobre la cultura terrestre se intercalan con bromas sobre la fisiología y los patrones de habla únicos de los ‘Remulak’ (el mundo donde provienen).

Y aunque los actores hacen lo mejor que pueden con el material que les dan, una sub-trama romántica se tornó poco creíble. Esta trama gira en torno al creciente enamoramiento de Connie por Ronnie, un mecánico de automóviles interpretado por Chris Farley. Si bien Farley (que en paz descanse) era un hombre de muchos talentos, su apariencia de alguien de 18 años o algo así, resulta forzada y algo absurda.

La película tiene algunos elementos graciosos, basados en el humor a través de acciones y gestos sobre extraterrestres realizando tareas humanas cotidianas de maneras inusuales. El momento más divertido, sutil y discreto, fue cuando Connie Conehead realiza una zambullida sin salpicar durante la competición de su equipo del instituto. La gente que ni se da cuenta ni le importa la forma de sus cráneos, una vez que explican que son de Francia. Sin embargo, eso que lo vuelve divertida se torna en una dinámica repetitiva a lo largo de la película.

A pesar de los posibles defectos de la película, las actuaciones me gustaron para ser una comedia. Aykroyd y Jane Curtin están geniales como los padres Conehead, cada uno con sus voces robóticas de extraterrestres, además de mover sus cuerpos de maneras extrañas y alienígenas. El reparto principal era una constelación de estrellas de la comedia de los 90s.

Me gustó el concepto, pero sus momentos monótonos hace que pierda algo de gracia.

Director: Steve Barron

The Invite (2026)

La invitación ★★★

Primero lo primero, este remake es inferior al original, principalmente por sus personajes, de lejos ‘Sentimental’ tiene el mejor cuarteto. Me decepciono un poco además la actuación de Edward Norton, quizás este papel no era para él por el guión. Tuvieron sus momentos divertidos en la escena donde intercambian parejas, la música de Sade, pero después de eso no hubo mucho que ofrecer. Los diálogos fueron inferiores también. Quizás estoy siendo mezquino, pero el reparto me resulta poco creíble, no tanto por su actuación, sino por su presencia, no me convenció.

La película expresa nuestras inseguridades actuales y cuánto hemos perdido de vista la felicidad. Los secretos y las frustraciones ya no pueden ocultarse por las apariencias; durante una cena improvisada con otra pareja, los infelices esposos Joe (Seth Rogen) y Angela (Olivia Wilde, quien también dirige) se ven obligados a reflexionar sobre sí mismos y a confrontar las verdades tácitas que los han llevado a esa noche en particular.

Algunos aspectos se mantienen ambiguos, como la rotunda insistencia de Joe en que su antigua carrera musical en una banda de un solo éxito no vuelva a mencionarse (ni siquiera en el tocadiscos). La verdadera causa de la infelicidad de Angela también se mantiene en la ambigüedad, aunque gran parte de ella proviene de la infelicidad de Joe. En medio de todo esto se encuentra su hija, a quien no vemos, y que parece ser la única razón por la que intentan que algo funcione. Pero ambos están atrapados en una espiral de discusiones y antagonismo, y no tienen ni  idea de qué hacer cuando se enfrentan a sus vecinos de arriba, Hawk (Norton) y Pina (Penélope Cruz), una pareja cariñosa y comprensiva que son polos opuestos a Joe y Angela, tanto en lo personal como en lo profesional.

Por un lado, tenemos el realismo de las tensiones de la vida moderna, profundamente arraigado en la relación de Joe y Angela. Desde su constante actitud defensiva especialmente entre ellos, sin mencionar cómo se comportan con Hawk y Pina, hasta la actitud hastiada y desconfiada de Joe y la desesperación de Angela por cualquier cambio en su rutina o una salida del bache en el que se encuentra, esta pareja pasa casi toda la película criticándose mutuamente por supuestas faltas y negligencias.

Seth Rogen interpreta a su personaje con un arrepentimiento sombrío, añorando la vida divertida que Joe solía tener y los buenos momentos que pasaba con Angela, molesto porque el mundo lo ha relegado a este pequeño rincón para que se marchite y se vuelva inútil. Incluso su piano, en el que probablemente compuso gran parte de la música de su banda, permanece cerrado con llave y sin usar. Su conflicto con sus vecinos proviene sobre todo cuando Hawk y Pina los mantienen despiertos a él y a Angela con ruidos sexuales fuertes, a veces a las 3 de la mañana.

Lo que aqueja a Joe y Angela es la falta de sinceridad entre ellos y con respecto a sus deseos. Así que, cuando Hawk y Pina los visitan con la excusa de ver su apartamento recién reformado, Joe y Angela se sorprenden de lo relajados y abiertos que son entre sí, por no hablar de lo impactados que quedan por la franqueza de Hawk y Pina con ellos. Incluso son directos con el motivo de los ruidos sexuales, que Pina y Hawk no tienen inconveniente en comentar, pero que está totalmente fuera de la normalidad y la perspectiva de vida de Joe y Angela. Y cuando Pina y Hawk les dicen que hay otro motivo de su visita, es cuando la relación de Joe y Angela se pone aún más en tela de juicio.

En contraste, Penélope Cruz y Edward Norton interpretan a Pina y Hawk como personas relajadas y despreocupadas. Sin hijos, libres y comprensivos, parecen ser el tipo de personas que Joe y Angela podrían haber sido si se hubieran centrado en su felicidad y hubieran seguido adelante juntos. Parte de la diversión reside en ver a Cruz interpretar a una mujer seductora, pero es la inteligencia de su personaje la que cobra mayor importancia a medida que avanza la película, y es curioso presenciar la transformación gradual de Pina, de seductora a analítica, sin perder su atractivo. Del mismo modo, Norton se une a Cruz al mostrar cómo la vida lo ha cambiado, optando por un camino mejor y más altruista hacia la felicidad.  Norton le otorga a Hawk un temperamento más sabio, combinado con una seguridad y confianza inquebrantables en cada paso que da hacia su objetivo y el de Pina. Pero como mencione, la presencia de Norton no me convenció del todo, su contraparte de ‘Sentimental’ lo hizo mejor más directo y creíble,  aunque esa afirmación me lleva a una pregunta que lo plantearé más adelante.

Olivia Wilde equilibra la ira, la sensualidad y una desesperación cansada para crear este torpe y desesperado intento de salvar el matrimonio de Joe y Angela, o por el contrario, darle el golpe de gracia. La cuestión no es dónde terminarán, sino dónde están ahora y qué están dispuestos a hacer al respecto. Joe y Angela tienen lo que necesitan, pero en lo que parecen ser los últimos momentos de su relación, están tan a la defensiva y cansados como para entregarse el uno al otro. Y cuando sus posibles futuros yo alternativos se ven reflejados en Hawk y Pina, no saben si luchar o rendirse. Eso sí, la película no pretende decir nada profundo; simplemente nos invita a observar lo que hay y lo que les impide ser más como pareja.

Ahora me pregunto, ¿Qué hubiera pasado si hubiese visto primero esta versión y después la original? Quizás no le hubiese puesto 3 estrellas sino 3.5 XD. Pero estoy seguro que si hubiese visto el original después, igual me seguiría quedando con el original. Y también no criticaría tanto la inclusión y la presencia de Norton XD. Sin duda el tiempo y el momento son importantes cuando uno ve cine, porque eso cambia tu perspectiva y reflexión.

Directora: Olivia Wilde

Mutafukaz (2017)

★★★★ [👍]

La historia se desarrolla con un enfoque en las comunidades afroamericanas y latinas, la cual no se ve mucho en animaciones cuasi de nicho como esta. Por eso me parece interesante, además de que está bien ejecutado a su manera.

Angelino es un huérfano que vive en un apartamento destartalado con su amigo Vinz. Su vida es bastante monótona y aburrida, pero lo que ignora es que una organización secreta lo sigue de cerca. La razón es simple: Angelino posee poderes ocultos, aunque por ahora permanecen latentes. Cuando un camión lo atropella de camino a casa, algo se despierta en su interior y comienza a ver extrañas apariciones. Angelino no tiene mucho tiempo para reflexionar, ya que esa misma noche su apartamento queda destrozado a tiros, él y Vinz deben desaparecer sin dejar rastro durante un tiempo. Es el comienzo de una aventura de lo más alocada.

La película no oculta su inspiración en diversas influencias culturales. El estilo de animación tiene una clara (aunque alternativa) estética anime, mientras que los personajes presentan rasgos más occidentales. El ambiente urbano y marginal sitúa la película en suelo estadounidense, y las guerras de pandillas y los elementos de lucha libre hacen referencia a las comunidades minoritarias que conforman el trasfondo de la historia. Pero además hay una invasión alienígena, lo que añade toques de fantasía, algo terror y ciencia ficción. Percibo también una influencia de ‘Venom’ de Marvel en las secuencias de lucha de Angelino, mezclada con un humor al estilo Deadpool. Además, Angelino protagoniza algunas batallas sangrientas que evidencian la gravedad de su situación y momentos bastante intensos.

La película también resulta increíblemente singular por la forma en que construye su mundo oscuro y crudo, con apartamentos destartalados, pandillas y personajes que intentan sobrevivir en una zona de bajos ingresos. Todos estos elementos se muestran con claridad a lo largo de la película, lo que hace que los momentos más maduros de la historia funcionen. Este entorno realista cobra vida gracias al concepto de invasión alienígena, y este elemento de ciencia ficción, que normalmente no encajaría con este contexto, demuestra ser una parte fundamental de la trama. El misterio sobre por qué Angelino comienza a tener estas visiones tras un accidente es cada vez mayor, y resulta difícil ignorarlo.

Mutafukaz guarda un parecido con “Tekkonkinkreet” (2006), una de esas joyas infravaloradas de la animación, el cual vi y escribí de él en el blog. No alcanza el mismo nivel, pero la mezcla de dibujos tradicionales, la fotografía, los diseños y la animación es de primera categoría. El ritmo es vertiginoso, lo cual no sorprende dada la cantidad de trama que tiene que abarcar, y hacen un buen trabajo construyendo la locura y la tensión, evitando que se convierta en un torbellino constante de demencia. 

En cuanto a lo comercial, tal vez fue la película equivocada en el momento equivocado y para el público equivocado. No estoy seguro de por qué no tuvo más éxito; así que solo puedo esperar que encuentre un público (de culto) que la aprecie en los próximos años.

El sólido doblaje (español de España) es de destacar, sentí que todas las voces fluyeron de manera casi natural, y hubiese sido interesante tener un doblaje latino también.

Sin embargo, hay momentos en la historia que podría haber sido mejor, ya que suceden demasiadas cosas a la vez. Algunas sub-tramas y ciertos personajes secundarios no reciben suficiente atención como para desarrollarse por completo, por lo que parecen más una distracción que otra cosa. Es una lástima, porque disfruté mucho de algunas de sus personalidades extravagantes y sentí que podrían haber contribuido a la trama principal en lugar de desviarnos de ella.

El tono oscuro de la película también se mezcla con su humor, ya que sus protagonistas tienen una dinámica y una química cómica genial y divertida. Todo esto gracias a las excelentes interpretaciones de voz. Hacen un montón de referencias a la cultura pop y tienen un humor meta que al principio no me convenció del todo, pero que con el tiempo me acabó gustando.

En conjunto, las locuras y extravagancias la convierten en una película memorable e increíblemente original. Si bien algunos aspectos de la trama flaquean, sigue siendo una experiencia fluida y entretenida de principio a fin. Los dos ‘protas’ o los tres mejor dicho, son curiosos, disfrute muchos de sus personalidades. Y me sorprendió que en su banda sonora incluyeran canciones de reggaetón, la cual no se ve mucho en animaciones de este estilo, además de que le agrega una dosis de intensidad. Me gustó.

Director: Shoujirou Nishimi